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13º Festival Internacional de Cine de Morelia
Publicado el 24 - Nov - 2015
 
 
Del 23 de octubre al 1 de noviembre, 2015. Morelia, México. A lo largo de 13 años, una de las intenciones primordiales del FICM es la exhibición y difusión del cine mexicano. Una parte esencial del certamen cinematográfico la conforman sus secciones en competencia (Sección Michoacana, Cortometraje Mexicano, Documental Mexicano y Largometraje Mexicano); este año se registraron alrededor de 700 trabajos y un total de 90 títulos, procedentes de todos los estados de la república, fueron seleccionados para conformar los programas en competencia. Aunado a ello, el Festival se enriquece con la presencia de invitados de honor (Peter Greenaway, Laurent Cantet e Isabelle Huppert, por citar algunos) y con la exhibición de varios filmes premiados en los más importantes encuentros cinematográficos del mundo como Cannes, Berlín, Venecia y Locarno, ofreciendo una diversidad de estilos y géneros con la presentación de programas especiales como el ciclo de Cine Gótico Mexicano y el ciclo de Ciencia Ficción Británica, donde, en colaboración con el British Council, el FICM nos dio la oportunidad de apreciar en pantalla grande una de las obras maestras del cine mundial: 2001: Odisea en el espacio de Stanley Kubrick. De esta manera, el Festival Internacional de Cine de Morelia se configura como un espacio para mostrar producciones nacionales, exhibir las miradas contemporáneas de jóvenes y consagrados directores procedentes de distintas regiones geográficas y explorar filmes del pasado para tejer conexiones pertinentes y líneas evolutivas de la cinematografía mundial. - ENFILME.COM
 

Del 23 de octubre al 1 de noviembre, 2015. Morelia, México.

A lo largo de 13 años, una de las intenciones primordiales del FICM es la exhibición y difusión del cine mexicano. Una parte esencial del certamen cinematográfico la conforman sus secciones en competencia (Sección Michoacana, Cortometraje Mexicano, Documental Mexicano y Largometraje Mexicano); este año se registraron alrededor de 700 trabajos y un total de 90 títulos, procedentes de todos los estados de la república, fueron seleccionados para conformar los programas en competencia. Aunado a ello, el Festival se enriquece con la presencia de invitados de honor (Peter Greenaway, Laurent Cantet e Isabelle Huppert, por citar algunos) y con la exhibición de varios filmes premiados en los más importantes encuentros cinematográficos del mundo como Cannes, Berlín, Venecia y Locarno, ofreciendo una diversidad de estilos y géneros con la presentación de programas especiales como el ciclo de Cine Gótico Mexicano y el ciclo de Ciencia Ficción Británica, donde, en colaboración con el British Council, el FICM nos dio la oportunidad de apreciar en pantalla grande una de las obras maestras del cine mundial: 2001: Odisea en el espacio de Stanley Kubrick. De esta manera, el Festival Internacional de Cine de Morelia se configura como un espacio para mostrar producciones nacionales, exhibir las miradas contemporáneas de jóvenes y consagrados directores procedentes de distintas regiones geográficas y explorar filmes del pasado para tejer conexiones pertinentes y líneas evolutivas de la cinematografía mundial.

 

Función inaugural

La cumbre escarlata

Crimson Peak, Dir. Guillermo del Toro, Estados Unidos/Canadá, 2015.

★★★½

La joven Edith Cushing (Mia Wasikowska) es una acaudalada aspirante a escritora que oscila entre Jane Austen y Mary Shelley. Ella se siente atraída por las historias de amor, pero también por la figura del fantasma como metáfora del pasado; posee una sensibilidad aguda y una dosis de repudio contra el sector aristócrata al que pertenece. Su pacífica existencia en Búfalo, Nueva York, a finales del siglo XIX, es interrumpida cuando el misterioso Thomas Sharpe (Tom Hiddleston), un noble inglés con problemas financieros, está en búsqueda de prestamistas para construir una máquina que pueda extraer la arcilla de los suelos de Cumberland, al norte de Inglaterra, lugar donde se encuentra Allerdale Hall, un antiguo castillo en ruinas que comparte con su hermana, Lucille Sharpe (Jessica Chastain), y que alberga presencias sobrenaturales siniestras e inquietantes. Aunque se percibe la influencia de los cuentos de Edgar Allan Poe y las novelas de H.P. Lovecraft, La cumbre escarlata es un cuento de amor enmarcado en una atmósfera gótica; las presencias fantasmales conforman la esfera de lo paranormal que acompaña un relato humano sobre la perversidad de la ambición y el destello que produce el enamoramiento cuando una joven virginal se siente atraída por la presencia de un galante caballero. Guillermo del Toro(Cronos, 1993; El laberinto del fauno, 2006) retoma las atmósferas oscuras que caracterizaron muchos de sus trabajos anteriores y adopta varios símbolos del romance gótico (una joven, vestida de blanco y pura; un seductor misterioso; una mujer amenazante vestida de negro; una vivienda laberíntica, espectral y mortal) para configurar un relato sobre el deseo, el anhelo y la pérdida. Los actores asumen el riesgo de la implicación emocional que conlleva cada uno de sus personajes: la fragilidad e ingenuidad de Edith, la ambigüedad y la debilidad de Thomas y la malicia e inestabilidad de Lucille. Las cortinas de terciopelo, los contrastes de color en las vestimentas de los personajes y las visiones fantasmales conforman la envoltura tenebrosa del filme. El cineasta mexicano despliega la opulencia visual del barroco para construir ambientes laberínticos, miradas que sienten curiosidad y terror al transitar por los pasillos y habitaciones agorafóbicas. La fotografía del danés, Dan Laustsen (Silent Hill, 2006; Headhunter, 2009) captura los juegos de claroscuros en espacios cerrados creando atractivos contrastes de tonos amarillo, naranja y verde ajenjo al interior del cuadro; su cámara merodea y avanza poco a poco a lo largo de los corredores con un espeluznante sigilo que a veces sucumbe al uso excesivo del CGI para crear a los fantasmas. A lo largo de La cumbre escarlata se manifiestan los elementos apreciados por del Toro a lo largo de su trayectoria: la superposición del ámbito de lo real con lo fantástico, la violencia, la sangre, la pasión por la mecánica y los insectos. En última instancia, el esplendor de la profundidad de campo, la preciosidad técnica y estética de su diseño de producción, el suntuoso vestuario y el detallado trabajo de los decorados confeccionan un filme de elegancia formal que se asemeja a la suntuosa fachada de un castillo que nos invita a ingresar y explorar sus interiores.

 

Sección Oficial: Competencia Largometraje

Un monstruo de mil cabezas

Dir. Rodrigo Plá, México, 2015.

★★★★

El marido de Sonia (Jana Raluy) está gravemente enfermo de cáncer, pero un nuevo tratamiento experimental puede, en gran medida, contrarrestar los efectos de la quimioterapia para reducir el dolor. No obstante, el seguro médico considera que el hombre no es candidato viable para someterse al costoso programa; Sonia busca desesperadamente alguna manera de convencer a los responsables de la aseguradora privada para que intercedan en el caso de su esposo. A partir de la novela de Laura Santullo –adaptada por ella misma para la versión cinematográfica–, Un monstruo de mil cabezas (2015), cuarto largometraje del cineasta mexicano, Rodrigo Plá (La zona, 2007; La demora, 2012), retrata la ajetreada y desgastante dinámica de las políticas sociales, donde la burocracia reduce al ser humano a cifras y papeleos, mientras que las corporaciones privadas sacan provecho de las inversiones de sus clientes sin responderles en los momentos de crisis y emergencia. La parte medular del filme recae en la actuación convincente e impetuosa de Jana Raluy; la actriz mexicana evita caer en la histeria, e interpreta su papel con una furia pragmática, pero sin que su personaje pierda su humanidad. El relato hace recordar una situación kafkiana donde un inocente está envuelto en un laberinto burocrático, y Plá adopta una puesta en escena claustrofóbica donde los personajes son arrinconados en los interiores, contenidos en una esfera emocional que en cualquier momento puede estallar. Todos –personajes y público– somos testigos potenciales; todos conformamos ese monstruo de mil cabezas, una sociedad indiferente ante la vulnerabilidad del otro.

 

Sopladora de hojas

Dir. Alejandro Iglesias Mendizábal, México, 2015.

★★½

Después de un partido de futbol, Lucas (Fabrizio Santini), Emilio (Paco Rueda) y Rubén (Alejandro Guerrero) caminan por las calles de la zona sur de la Ciudad de México rumbo a sus respectivas casas. En el trayecto se percatan de la presencia de una ambulancia que les recuerda a Martín, el portero de su equipo que recientemente falleció en un accidente automovilístico. Los tres adolescentes se organizan para ir al funeral de Martín, pero su visión infantil y relajada de la vida los conduce a  buscar unas llaves perdidas en el parque, situación que retrasa sus planes para darle el último adiós a su amigo. La sopladora de hojas (2015), primer largometraje de ficción de Alejandro Iglesias Mendizábal, es una propuesta desenfadada que, sin caer en una apología del ocio, retrata la amistad de tres adolescentes que se regocijan en su inmadurez y su poca capacidad para asumir responsabilidades y tomar decisiones. El filme permite vislumbrar los miedos, los deseos reprimidos y la apatía de los adolescentes, pero la fragilidad y la superficialidad con la que son retratados estos temas desembocan en un relato divertido y despreocupado, pero poco introspectivo.

 

Los herederos

Dir. Jorge Hernández Aldana, México, 2015.

★★★

La primera secuencia de Los herederos nos muestra a Coyo (Máximo Hollander), un joven de 15 años que, a bordo de su patineta y en compañía de su perro, transita las calles de un fraccionamiento de clase alta (al parecer ubicado en Condado de Sayavedra). El chico irradia alegría y tranquilidad, y pronto lo vemos con su gentil padre que le enseña a manejar y con su cariñosa madre (Úrsula Pruneda), siempre al pendiente de él. Sin embargo, afuera de esa burbuja que busca resolver cualquier dificultad con el dinero, habitan jóvenes como Ruco (Sebastián Aguirre), un adolescente prepotente que ve en la violencia una posibilidad de divertimento. Al igual que lo hizo Michel Franco en Después de Lucía (2012), Jorge Hernández Aldana se inmiscuye en la dinámica libertina de los adolescentes –aquellos chicos y chicas deseosos de fiestas, alcohol, drogas y sexo–; se molestan unos a otros y practican constantemente el bullying, pero ante el aburrimiento deciden explorar más allá de su círculo social involucrándose en una serie de juegos violentos que adquieren mayor riesgo cuando ponen sobre la mesa el uso de las armas. Los herederos es un agudo comentario social hacia la ceguera y permisividad de aquellos padres que tienen todos los recursos económicos necesarios para que sus hijos, a pesar de sus malas decisiones y acciones, no asuman las responsabilidades y castigos de sus actos.

 

El placer es mío

Dir. Elisa Miller, México, 2015.

★★★

Rita (Edwarda Gurrola) y Mateo (Fausto Alzati) deciden trasladarse a una casa de campo en medio del bosque ubicada en Huitzilac, Morelos. El aislamiento, el contacto con la naturaleza y la idea de crear una especie de granja y sembradío autosustentable son las ilusiones que ambos tienen, pero la pareja de treintañeros no comparte la posibilidad de tener un hijo y formar una familia. El sexo se convierte en una vía de entretenimiento y curación para evitar caer en discusiones y riñas, pero las grietas de su relación se manifiestan e incrementan cuando llega Alexis (Camila Sodi), la prima de Mateo, una despreocupada joven que en apariencia luce risueña y amable, pero en el fondo es egoísta e hipócrita. Si en su cortometraje, Ver llover (2006), Elisa Millerelaboró un emotivo relato sobre la inocencia y el primer paso del crecimiento de un par de adolescentes que se percibían ligeros y llenos de ilusiones, ahora, en su segundo largometraje de ficción, El placer es mío, la cineasta mexicana se centra en dos personajes que plenamente viven la edad adulta, pero con miedos y traumas de cómo afrontar el futuro. Aunque el filme –al involucrarse en la dinámica cotidiana de una pareja– posee un tono repetitivo y monótono, el estudio de los personajes destaca por la manera en que la cámara enmarca la pesadez corporal de los personajes; da la impresión que en la fortaleza física de ellos se acumula una enorme cantidad de deseos lascivos que si no son liberados pueden desencadenar en actos violentos.

 

Yo

Dir. Matías Meyer, México/Suiza/Canadá/Holanda, 2015.

★★½

Basado en un cuento del premio Nobel de Literatura, Jean-Marie Le Clézio, el tercer largometraje de Matías Meyer (Wadley, 2008), titulado Yo (2015), es el retrato de un joven de 15 años que físicamente aparenta mayor edad, pero, a pesar de su corpulencia y fortaleza física, sigue siendo un niño inocente, inmaduro, tierno y astuto. Yo (Raúl Silva) vive en un pueblo de Aculco (Estado de México) con su madre (Elizabeth Mendoza), que atiende un restaurante ubicado a un costado de una transitada carretera; mientras ella prepara los platillos, él le ayuda a matar a los pollos para que sean cocinados. El joven comienza una cercana relación de amistad con una niña de 11 años llamada Elena, a quien invita de paseo por el bosque para disfrutar el lago y la naturaleza que tienen a su alcance. La atmósfera idílica de este vínculo contrasta con el ambiente incierto de un karaoke nocturno, lugar en el que Yo descubre el placer corporal asociado a lo erótico y la sexualidad. Al igual que en Los últimos cristeros (2011), Meyer le otorga preponderancia al espacio natural para que se convierta en un personaje más que se fusiona con los anhelos, sueños y miedos de un protagonista que, aparentemente, vive estancado en una especie de eterna infancia y perpetuo ocio. Meyer establece una clara diferencia entre las dos etapas (la inocencia del niño contra la perversidad del adulto) que vive Yo para evidenciar la evolución de su personaje y no confundir al espectador, pero se muestra distante con él y no le brinda las herramientas para que Yo sea capaz de tomar sus propias decisiones en ese aparente tránsito hacia la edad adulta. Nuevamente, el director recurre a actores no profesionales, y las expresiones y modos de pronunciar de éstos, por momentos, lucen falsos, inverosímiles y al borde de lo ridículo, restándole contundencia al discurso del filme.

 

Te prometo anarquía

Dir. Julio Hernández Cordón, México/Alemania, 2015.

★★★★

El más reciente filme de Julio Hernández Cordón (Gasolina, 2008; Lasmarimbas del infierno, 2010) narra la historia de Miguel (Diego Calva) y Johnny (Eduardo Martínez), dos jóvenes que desde la infancia han forjado una intensa relación de amistad y amor. Además de transitar por las calles de la Ciudad de México en patineta y convivir con otros “skaters”, los jóvenes están involucrados en un turbio y clandestino negocio de venta de sangre. Ambos contactan a un paramédico llamado Gabriel (Gabriel Casanova) para que –como ellos lo dicen– los ordeñe y les extraiga la leche roja a cambio de dinero. En una ambiciosa maniobra, Miguel involucra a varios de sus amigos y conocidos para que participen en una enorme transacción de sangre, sin embargo, cuando se percatan que están lidiando con un peligroso grupo criminal, la situación se sale de control y la tragedia es inevitable. Uno de los elementos presentes en la reciente Mad Max: Fury Road (Dir. George Miller, 2015) es el prisionero utilizado como una bolsa del líquido vital que alimenta al criminal. La premisa de Hernández Cordón recuerda el filme de George Miller, pero más que una alusión perteneciente a un discurso postapocalíptico de ciencia ficción, el director alude al tema del tráfico de personas desde una óptica macabra que hace inevitable pensar en el violento contexto que se vive en gran parte del país, donde si las autoridades y el crimen organizado se han sumido en una guerra, entonces se vuelve verosímil que haya grupos interesados en transfusiones sanguíneas y órganos humanos. El director muestra una hábil mano para mezclar algunos códigos del cine noir con el realismo del documental y aproximarse al estilo de vida cotidiano de los skaters; jóvenes que toman los espacios de manera subversiva y que hacen uso de los espacios abiertos que cumplen con las condiciones de suelo y desniveles necesarios para desarrollar su actividad. Hernández Cordón explora de manera dramática y realista los sentimientos de culpa y la intimidad de los dos protagonistas, interpretados de manera eficaz por los dos actores no profesionales que nunca abandonan las intenciones y motivaciones de los personajes.

 

Mientras la prisión exista

Dir. Nicolás Gutiérrez Wenhammar, México/España, 2015.

★★½

El filme se centra en Jan (Joan Florescu), un migrante rumano asentado en Barcelona que colabora con una banda de estafadores que actúan en La Rambla para engañar a los transeúntes y turistas. Una noche, Jan conoce a Mariela (Nuria Florensa), una joven española que trabaja en un farmacia y que desea abandonar su país; el joven la ayudará a cumplir su objetivo, pero antes debe deslindarse de la organización criminal a la que pertenece. La ópera prima del joven director mexicano, Nicolás Gutiérrez Wenhammar, es una propuesta estilística arriesgada; desde el inicio se plantea una declaración de principios visuales que permean a lo largo del filme. Wenhammar recurre a los planos dorsales o semisubjetivos donde vemos las acciones como si estuviéramos detrás del personaje. Al ocultar el rostro y sólo apreciar las nucas y espaldas de los protagonistas, el autor busca contener las emociones y encerrar sus reacciones, pero nosotros como espectadores también nos sentimos aprisionados al no poder apreciar sus gestos, miradas y expresiones faciales que podrían ayudarnos a sentir empatía. En este sentido, aunque hay una sugestiva propuesta en la forma, ésta no ayuda a que el contenido resalte y sólo crea una barrera entre las preocupaciones de los protagonistas y la audiencia. Además de la presencia de algunos insertos documentales –donde aparecen una prostituta, un jefe de policía, un doctor y una trabajadora de farmacia hablando sobre su profesión–, destaca la presencia de la música; el “Adagio en G menor” (del compositor barroco Tomaso Albinoni) acompaña el ritmo semilento del relato y la cadencia pausada de los protagonistas que deambulan en las calles y callejones nocturnos de una especie de laberinto de la que no pueden escapar. 

 

Almacenados

Dir. Jack Zagha Kababie, México, 2015.

★★★

Un lunes por la mañana, el joven Nin (Hoze Meléndez) asiste a su primer día de trabajo en uno de los almacenes de Salvaleón, una empresa dedicada a la fabricación y venta de astas y mástiles de aluminio. Ahí, él recibirá durante una semana la capacitación para hacerse cargo de la bodega, debido a que Lino (José Carlos Ruiz), hasta ese momento el responsable del enorme almacén, está a punto de jubilarse. En sus largometrajes anteriores, Jack Zagha Kababie (Adiós mundo cruel, 2010; En el último trago, 2014) pretendía crear momentos de solemnidad en tramas plagadas de un humor variopinto que oscilaba desde la ironía muy fina hasta el chiste obvio y simplón. Sin embargo, ahora, en Almacenados (2015), las dosis de humor son controladas, no caen en la exageración y ayudan a que la crítica social que se plantea adquiera mayor fuerza. Esto se debe también a que el guionista del filme es el dramaturgo español, David Desola, que se encargó de adaptar su exitosa obra de teatro en el terreno del cine. La palabra “almacenados” hace referencia al sitio para resguardar cosas y también a los dos personajes que invierten mucho tiempo al interior de esta bodega, sin embargo, también estamos ante un comentario incisivo sobre la vida laboral de aquellas personas que han sido tomadas como mercancía, sumergidas en un almacén y que, cuando llega el día de su jubilación, siguen sin ser tomados en cuenta como leales trabajadores, pero también es un cuestionamiento hacia aquellos que se asumen como responsables trabajadores cuando simplemente su labor es hacerse tontos mientras pasan las ocho horas de su jornada laboral. Gran parte del humor se desprende de la brecha generacional que existe entre Nin y Lino, en sus modos de pensar y en las absurdas percepciones que tienen sobre el significado del trabajo, la responsabilidad y el tiempo libre.

 

La casa más grande del mundo

Dir. Ana V. Bojórquez y Lucía Carreras, México/Guatemala, 2015.

★★★ ½

Filmada en la Sierra de los Cuchumatanes, una cordillera que se encuentra en Guatemala, La casa más grande del mundo (2015) narra las peripecias de Rocío (Gloria López), una niña que, cuando su madre embarazada (Myriam Bravo) comienza a tener contracciones prematuras, debe hacerse cargo del rebaño y conducir a las ovejas a lo largo de las escarpadas montañas. Aunque es muy joven para asumir tal responsabilidad, Rocío la ejecuta con entereza y entusiasmo. No obstante, cuando ella tiene que buscar un pequeño cordero que le falta, el resto de los borregos se aleja, y ella debe confrontar sus más grandes temores. La realizadora guatemalteca, Ana V. Bojórquez, y la guionista mexicana, Lucía Carreras (Nos vemos papá, 2011), codirigen este relato intimista sobre el crecimiento de una niña que rápidamente se convierte en la responsable del cuidado del patrimonio familiar. El filme es una dulce fábula con un ritmo semilento que, mediante la presencia de personajes femeninos, revela las condiciones reales que se viven en la zona indígena de Huehuetenango: la ausencia masculina debido a la migración. A nivel visual, la fotografía de Álvaro Rodríguez captura la intensa neblina y las espesas nubes descansando entre las montañas para configurar una atmósfera mística que revela el miedo de la niña asociado a la presencia de un largo puente.

 

Bictor Ugo

Dir. Carlos Clausell y Joseph María Bendicho, México/España, 2015.

★½

La escena de apertura del filme danés Reconstruction (Christoffer Boe, 2003) consistía en un elegante y sofisticado mago que hacía flotar un cigarro con sus dos manos; el intrigante acto llamaba la atención del espectador para descubrir el filme y para conocer más sobre aquel mago. En Bictor Ugo (2015) la dinámica funciona al revés; el protagonista, Ugo (Hugo Hermo), es un fracasado ilusionista, un malhumorado hombre que, drogado y borracho, ejecuta grotescos trucos de magia con cigarros. El repudio que causa este personaje se debe a sus irritables actitudes y modos bruscos de acercarse a la gente; él no conoce la sutileza ni el refinamiento, tampoco el sentido de compromiso y el respeto. Durante varias noches seguimos los paseos de Ugo por las calles de Barcelona, somos testigos de sus encuentros y desencuentros. Joseph María Bendicho –que trabajó con Alejandro González Iñárritu en el scouting de locaciones para Biutiful (2010)– y el pintor mexicano, Carlos Clausell, codirigen este filme que, mediante un recorrido noctámbulo, pretenden elaborar un discurso existencialista que no alcanza las dimensiones filosóficas que ambiciona y sólo se queda en una verborrea que aturde porque no tiene claro a dónde quiere llegar. El trabajo de edición y la colocación de algunas secuencias que poco aportan a la trama evidencian un guión fallido que, quizá, fue trabajado conforme se filmaron las escenas sin una fase de preparación previa.  

 

Sección Oficial: Competencia Documental

Los reyes del pueblo que no existe

Dir. Betzabé García, México, 2015.

★★★★

El filme inicia con un hombre conduciendo una lancha en un plácido lago; el motor del vehículo se escucha, el silencio de un paisaje sereno y calmo es alterado. De pronto vemos que el campanario de una iglesia emerge del agua y en ese momento descubrimos “el pueblo que no existe”: San Marcos, Sinaloa. Se trata de una región que, en algún momento del pasado, estuvo habitada por unas 300 personas, pero que ahora ha sido reducida a tres familias. A raíz de la construcción de una presa cercana, el pueblo sufre constantes inundaciones y pasa, casi siete meses al año, cubierto por el agua. Esto ha obligado a que la mayoría de su población abandone un pueblo fantasma habitado por casas viejas, tiendas vacías, edificios decrépitos y carreteras desoladas. Sin disimular su presencia detrás de la cámara, la joven realizadora mexicana, Betzabé García, se acerca cuidadosa y respetuosamente a la vida cotidiana de las tres familias; ellas han permanecido en el pueblo a pesar de los reclamos de sus familiares, la soledad, el aislamiento y la amenaza de grupos violentos del norte del país.  García construye una atmósfera enigmática cargada de una belleza inquietante, donde el pueblo ahogado adquiere un surrealismo espectral que recuerda las abadías y monasterios en ruinas de las composiciones pictóricas del artista alemán, Caspar David Friedrich. El impulso del documental hacia el espectador se debe a la sintonía de las dimensiones poéticas y el efecto psicológico de vivir en ese pueblo después del declive desastroso. A pesar de ello, los que se quedan en San Marcos no son vistos como víctimas, sino como seres humanos complejos. Los reyes del pueblo que no existe es una elegante y perspicaz reflexión elaborada por la directora junto a las personas que vemos a cuadro: seres humanos que defienden sus posturas, cuestionan sus propias decisiones, pero sin negar sus miedos ni olvidar sus anhelos. La perseverancia y el derrotismo de estas personas desembocan en un conmovedor y desafiante desenlace a través de un cuestionamiento, desde la perspectiva de los protagonistas, sobre el tiempo, el espacio y el proceso de transformación que ha vivido San Marcos.

 

Invitados de honor

Amnesia

Dir. Barbet Schroeder, Estados Unidos, 2015.

★★★★ 

Amnesia es, probablemente, el filme más íntimo y personal que Barbet Schroeder ha confeccionado en los últimos años adaptando libremente varios pasajes asociados a la vida de su madre. Martha (Marthe Keller) es una mujer alemana que lleva casi 40 años viviendo en Ibiza (en la misma residencia donde vivió durante muchos años la propia madre del director); ella abandonó su país, y no tiene interés en regresar a su lugar de origen ni en volver a pronunciar su lengua. Sin embargo, la mujer debe enfrentar sus propias raíces el día que Jo (Max Riemelt), un joven alemán de 25 años que desea ser DJ, se convierte en su nuevo vecino. A pesar de la diferencia de edades, ambos forjan un tierno afecto, pero este vínculo se convierte en una disputa interna de Martha, que debe reconsiderar sus juicios y posturas que ella asumía como inquebrantables, además de debatirse entre el olvido y la reconciliación con su pasado. A partir de este íntimo drama, Schroeder reflexiona sobre los sentimientos de una generación de alemanes avergonzada por las acciones desplegadas por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial, así como el malestar que experimentó un pueblo que emergió de las cenizas para reconstruirse. El filme es una puntual introspección sobre el silencio de un pueblo que se niega a regresar a su pasado y desea tortuosamente enterrarlo para siempre. ¿Dónde está el límite entre el deber de mantener la memoria histórica y el libre albedrío del olvido? ¿Debe castigarse un acto del pasado o seguir adelante?

 

The Program

Dir. Stephen Frears, Reino Unido/Francia, 2015.

★★★½

Más allá del convencional filme deportivo o una extensa biopic sobre las proezas y hazañas del ídolo, The Program (2015), el más reciente filme del cineasta británico, Stephen Frears (The Queen, 2006; Philomena, 2013), es el relato de una tragedia americana moderna sobre trampas y engaños que se basa en Lance Armstrong (Ben Foster), el ciclista ganador siete veces de la Tour de Francia, y la manera en que se convirtió en el arquitecto del programa de dopaje más sofisticado, profesionalizado y exitoso que ha existido en la historia del deporte. La película retrata a un hombre que, aprovechándose de su loable lucha contra el cáncer, se condujo con astucia para ganar millones de dólares en competencias deportivas, contratos con patrocinadores y su fundación. Frears se aproxima al atleta caído en desgracia, al hombre que, mintiéndose a sí mismo, abandonó su integridad y se arropó en la sed de fama y fortuna. Pero más allá del retrato del deportista, el cineasta británico pisa nuevos terrenos al elaborar una exposición precisa sobre los mecanismos del programa de dopaje instaurado por Armstrong y aplicado a sus compañeros de equipo por el médico deportivo, Michele Ferrari (Guillaume Canet). Inspirado en Seven Deadly Sins, del periodista irlandés David Walsh, el guión de John Hodge(Trainspotting, 1996; Trance, 2013) muestra ampliamente la preparación del cóctel de esteroides, las dosis exactas y los tiempos precisos de consumo para no dejar huella del crimen perfecto.

 

Estrenos internacionales

Carneros

Rams, Dir. Grímur Hákonarson, Islandia, 2015.

★★★★

En los extensos prados de Islandia, habita Gummi (Sigurður Sigurjónsson), un solitario criador de ovejas que siente un enorme cariño y afecto por su rebaño. A varios metros de distancia, vive su vecino y hermano mayor, Kiddi (Theodor Júlíusson), quien comparte su fascinación por los carneros y tiene su propio establo para cuidarlos; sin embargo, ambos llevan cuarenta años sin dirigirse la palabra. Cuando un brote de tembladera –una enfermedad incurable que daña el cerebro y la médula espinal de las ovejas– condena la masacre de los rebaños, los hermanos deben esforzarse por hacer un frente común y buscar la manera de salvar a sus animales. Los atractivos paisajes de la isla de fuego y hielo conforman el escenario donde, lo que comienza como una excéntrica comedia sobre la cría de ovejas –incluido un concurso de belleza de carneros– se convierte en un relato áspero sobre la rivalidad familiar y los celos entre hermanos. El filme es una sutil representación de la soledad humana y las dificultades de los individuos para crear conexiones, incluso con sus propios hermanos. El director, Grímur Hákonarson (A Pure Heart, 2012), con su ojo vigilante, captura la actividad de aquellos pueblos remotos que conforman un microcosmos rural donde los hombres sacrifican todo por su ganado. A pesar del semblante estoico de los protagonistas –hombres barbudos que recuerdan a los temibles vikingos–, los personajes poseen, muy en su interior, un afecto por el otro, y buscan sanar sus heridas internas. Sin decorar su filme mediante una contemplación pasiva de los bellos escenarios, Hákonarson enmarca los rostros en primeros planos para aproximarse los ejercicios de reflexión interna que llevan a cabo los personajes, y recurre a los planos abiertos para insertar momentos de simpatía e ingenio irónico que viven en su cotidianidad los personajes. Las melodías elegiacas de la banda sonora se integran congruentemente a las inclemencias del clima que se vive en lo alto de las montañas, una zona gélida que contrasta con el calor humano que desean recuperar los hermanos de Carneros.

 

Louder Than Bombs

Dir. Joachim Trier, Noruega/Dinamarca/Francia, 2015.

★★★½

Ambientado en Nueva York y hablado en inglés son dos características que podrían hacer pensar que el tercer largometraje del talentoso cineasta noruego,Joachim Trier (Reprise, 2006; Oslo, August 31st, 2011), es un drama convencional de Hollywood. Y sí, quizá lo es, pero sólo hasta cierto punto. Más allá de las rupturas y reencuentros de una familia conformada por un profesor de preparatoria (Gabriel Byrne), una fotógrafa (Isabelle Huppert) y sus dos hijos (Jesse Eisenberg Devin Druid),  Louder Than Bombs (2015) es un ambicioso filme con el que Trier se da el lujo de explorar varias de las preocupaciones temáticas, narrativas y formales utilizadas en sus dos filmes previos. Nuevamente se percibe una ambición literaria en la construcción del filme; la voz en off y algunos de los diálogos tienen la intención de reflejar la estructura literaria de los pensamientos y sentimientos de los personajes. Si bien es cierto que varias discusiones están al borde del melodrama, las sólidas actuaciones y el minucioso trabajo de edición ayudan a que esto no suceda. Trier y el guionista, Eskil Vogt, han urdido una estructura narrativa compleja, basada en flashbacks entrelazados y diferentes puntos de vista. Es interesante, por ejemplo, ver la lectura que el padre y después el hijo menor tienen sobre los mismos acontecimientos: el espectador, colocado en una posición privilegiada, puede observar los mecanismos que explican el comportamiento de cada uno de ellos y porque, entre ambos, existe un vacío casi incurable.

 

Asphalte 

Dir. Samuel Benchetrit, Francia, 2015.

★★★

Mediante la adaptación de su propia novela, Las crónicas de asfalto, el escritor y cineasta francés, Samuel Benchetrit, recupera la fórmula de su formidable comedia, Siempre soñé con ser un gángster (2007), recurriendo a varias historias que se conectan, se complementan y se despiden en una estructura arropada por el azar y recurriendo constantemente a lo cotidiano, lo absurdo y el humor negro. En su más reciente filme, Asphalte (2015), el director nos invita a tres reuniones que ocurren a partir de la instalación de un nuevo elevador en un destartalado edificio. Para configurar sus narraciones entrelazadas, Benchetrit reúne un elenco atractivo, variopinto y talentoso: Gustave Kervern que interpreta a un patético aspirante a fotógrafo que se enamora de una melancólica y misteriosa enfermera encarnada porValeria Bruni Tedeschi; una elegante y desencantada actriz de cine y teatro (Isabelle Huppert) que conoce a un emprendedor  y bromista adolescente (Jules Benchetrit); y un astronauta hermético y confuso (Michael Pitt) que por un accidente llega a la azotea de edificio. Cada uno de los relatos se apodera del humor (algunos con mayor rapidez que otros), pero en todos ellos está presente la noción de la soledad. Aunque sin llegar a la monumentalidad de la obra de Georges Perec, hay guiños a las confidencias y acercamientos humanos de la colosal Vida instrucciones de uso. En última instancia, el filme es un peculiar viaje que oscila entre la miseria cotidiana y la belleza oculta de los seres humanos, aquella que, a veces, es imperceptible a los ojos.

 

Magical Girl

Dir. Carlos Vermut, España/Francia, 2014.

★★★★

Alicia (Lucía Pollán), una niña que padece leucemia, sueña con tener el vestido de su personaje favorito del anime japonés, Yukiko Magical Girl. Su padre, Luis (Luis Bermejo), un profesor de literatura desempleado, hará cualquier cosa para complacerla. El relato está entrelazado con la historia de Bárbara (Bárbara Lennie), una atractiva joven con problemas de salud mental, y la de Damián (José Sacristán), un maestro de matemáticas que busca superar un pasado turbulento. Luis, Bárbara y Damián se encuentran atrapados en un mundo de chantaje, donde el instinto y la razón se involucran en una lucha por la sobrevivencia. Magical Girl (2014) es un thriller con un trasfondo perverso que posee elementos de ternura expresados tímidamente por sus personajes que deben lidiar con sus incapacidades para comunicar su amor. Dividida en tres capítulos (cuyas duraciones entre ellas son significativamente desiguales), la película pone de relieve las dificultades que atraviesan los personajes: la falta de dinero, los impulsos enfermizos, los trastornos mentales, la sumisión, el envejecimiento, la enfermedad y el aislamiento. Las conexiones entre personajes y temas son ambiciosos, pero alimentados con orden, claridad y sorprendentes giros cada vez más retorcidos.Carlos Vermut dibuja los contornos de personajes torturados que se enfrentan a sus deseos y limitaciones; la puesta en escena está construida con un sentido controlado de languidez y misterio en un relato que juega delicadamente con nuestros nervios y expectativas meciéndonos con una generosa narrativa que indaga sobre los límites éticos y morales.

 

L'ombre des femmes

In the Shadow of Women, Dir. Philippe Garrel, Francia/Suiza, 2015.

★★½

Pierre (Stanislas Merhar) y Manon (Clotilde Courau) conforman una pareja con problemas económicos. Ellos desean hacer documentales, pero cuentan con muy pocos recursos, así que deben recurrir a trabajos informales y ocasionales para vivir. Pierre se encuentra con una joven llamada Elisabeth (Lena Paugam), y ella se convierte en su amante, pero el hombre no quiere abandonar a su esposa; él ama a las dos. A partir de ese momento se desatan los juegos de frivolidades, las luchas de egos, las traiciones y una cadena de infidelidades y mentiras. El veterano realizador francés, Philippe Garrel (Les amants réguliers, 2005; La jalousie, 2013)  se sitúa, una vez más, en un escenario que ya ha visitado en varias ocasiones y que, al parecer, lo hace sentir muy cómodo, pero cerrándole la puerta a la posibilidad de reinventarse. El problema rector sobre el que giran los demás conflictos está construido con una simpleza que resulta inusual en un autor talentoso y experimentado como Garrel: un hombre engaña a su esposa, pero no está de acuerdo con que ella lo engañe porque, supuestamente, todos los hombres son así y no es culpa de él caer rendido ante los encantos de una bella joven. La misantropía que posee el personaje de Pierre es uno de los pocos elementos que ayuda a que el público se interese en el filme porque ni la cuidadosa fotografía en blanco y negro de Renato Berta salva un filme repetitivo y tosco en su manera de abordar las relaciones humanas y los conflictos de pareja.

 

El hijo de Saúl

Saul Fia, Dir. László Nemes, Hungría, 2015.

★★★★★ 

En su ópera prima, László Nemes –que trabajó como asistente de Béla Tarren El hombre de Londres (2007)– revela de manera inmersiva las crueldades de la guerra y, desde la primera secuencia se evaporan los fantasmas de la complacencia en este drama ambientado en la Segunda Guerra Mundial. El hijo de Saúl se centra en un tema poco abordado en el cine: el Sonderkommando, un grupo de prisioneros judíos seleccionados por la SS para servir como asistentes de las Escuadras de Defensa de la Alemania nazi en sus tareas diarias. Saúl Ausländer (Géza Röhrig) es un húngaro obligado a ayudar a los nazis en su monstruosa máquina de exterminio. Mientras trabaja en uno de los crematorios, Saúl descubre el cuerpo de un niño; él quiere salvarlo de las llamas y darle un entierro digno y apropiado. Nemes coloca la cámara en el rostro de Saúl mientras atraviesa el campo en su homérica y quijotesca búsqueda de un rabino que le ayude a llevar a cabo el entierro; su peligrosa misión se convierte en un último intento por darle sentido a la humanidad que se ha perdido en un grotesco infierno. Con tomas largas y pronunciadas y una proporción de 4:3, el espectador es obligado a enfrentar una realidad sin que esta se convierta en un espectáculo. Gran parte de la violencia y el horror aparece al fondo del cuadro, a veces de manera borrosa, fuera de foco, pero el sonido siempre abrumando los sentidos del espectador. Nuestra visión del mundo es exactamente igual a la de Saúl, encogido hacia abajo, abatido y desesperado, realizando sucias tareas, arrastrando judíos por la cámara de gas, cargando cadáveres, dispersando cenizas. Un filme inquietante debido a la violencia física y psicológica que azota al espectador; una escena que probablemente será recordará durante mucho tiempo es aquella en la que el protagonista se queda inmóvil frente a la puerta de cámara de gas, mientras escuchamos los gritos ensordecedores de judíos masacrados. El director confecciona una urgente e imprescindible advertencia sobre la historia y la crueldad humana; Nemes no permite el consuelo ni la salida fácil, ya sea desde el campo de batalla (a nivel visual) o desde la paradoja moral (a nivel temático) en la que ha sido arrojado el protagonista.

 

Early Winter

Dir. Michael Rowe, Australia/Canadá, 2015.

★★★½

Early Winter (2015), el tercer largometraje de Michael Rowe, retrata la desintegración de un matrimonio desde el interior del hogar, centrándose principalmente en la visión de André (Max Laferriere), un hombre paciente y responsable que se dirige con cariño a su irascible y colérica esposa Maya (Suzanne Clément). Cada que André vuelve a casa después de su turno laboral nocturno, ella lo recibe de manera desinteresada y, a veces, humillante; su accionar responde a que se siente atrapada y atada a un matrimonio perpetuamente deprimente. Ambientado en un pueblo de habla francesa al norte de Canadá, las dinámicas cotidianas se representan con crudo realismo, en una propuesta que atesora los silencios tanto o incluso más que los diálogos. Rowe recurre a ello para construir tensiones psicológicas en el conflicto de pareja. El tono realista se permea paulatinamente de momentos sombríos, pero sin caer en los prejuicios, asociados a la manera en que el clima invernal influye en la depresión y la soledad de los personajes. Un relato paciente que poco a poco revela las razones individuales que cada uno tiene para ser infeliz. Los sufrimientos y penas del matrimonio no necesitan de un uso intensivo de manipulación –ni en la edición, ni en el uso de la banda sonora–; Rowe opta por una puesta en escena sobria, una cámara fija que, a veces, puede dejar las acciones fuera de cuadro y sólo centrarse en un rostro o en un espacio para hacer referencia a la soledad. La franqueza de la propuesta de Rowe se desprende desde la secuencia de apertura: André y Maya tienen relaciones sexuales, pero, a pesar del sudor que se refleja en sus pieles y la intensidad de sus movimientos, la fría resolución con la que concluye el acto sexual introduce la distancia y la alienación que vive la pareja. El director se abstiene de hacer declaraciones pretenciosas y elocuentes, y opta por ofrecernos una rebanada de la vida de esta pareja.

 

Umimachi Diary

Our Little Sister, Dir. Hirokazu Koreeda, Japón, 2015.

★★★½

Basado en la novela gráfica de Akimi YoshidaUmimachi Diary (2015), el más reciente filme del realizador japonés, Hirokazu Koreeda, narra la historia de tres hermanas (Sachi, Yoshino y Chika) que viven juntas en Kamakura. El sentido del deber y la lealtad las motiva a asistir al funeral de su padre, que las abandonó 15 años atrás. Ahí conocen a su media hermana, Suzu, una pequeña de 13 años. Por mutuo acuerdo, las hermanas le dan la bienvenida a la nueva integrante de la familia. El filme destaca porque se atreve a mostrar un tema que muchas veces, en el cine de autor, es denostado y poco abordado: la ternura. Umimachi Diary es una propuesta honesta, llena de afecto y que no necesita esconderse en la esfera de las ambigüedades para retratar las dinámicas de la dulzura y cariño familiar que se desprende en las cuatro hermanas. Una vez más, el foco de la película gira en torno a las relaciones familiares, piedra angular en varios de los relatos de Koreeda como Nobody Knows (2004), Still Walking (2008) y Like Father, Like Son (2013); en este caso, el filme cuestiona la figura de los padres ausentes y la manera en que existe una degradación de la crianza de los hijos. El director evita caer en terrenos ásperos y opta por la complacencia como el hilo conductor de la trama; sin embargo destaca la naturalidad de su mirada que desemboca en un filme armónico donde se percibe un pequeño dolor que brilla cuando se plantea la manera en que el ser humano necesita del afecto familiar. 

 

The Assassin

Nie yin niang, Dir. Hou Hsiao-Hsien, Taiwán/China/Hong Kong, 2015.

★★★★ ½

Ambientado en la China solemne del siglo IX, la joven Nie Yinniang (Shu Qi) ha vivido años en el exilio para dedicarse arduamente a las artes marciales y transformarse en una despiadada e infalible asesina que tiene la misión de aniquilar a los déspotas tiranos. Cuando debe trasladarse a Weibo para matar al gobernante, se percata que se trata del hombre al que amó en el pasado, situándose en una compleja encrucijada. Hou Hsiao-Hsien construye una obra colosal; visualmente, el director taiwanés elige un formato clásico, proporción 4:3, y se apoya en la fotografía de Ping Bin Lee (Deseando amar, 2000; Millenium Mambo, 2001) para enmarcar a sus personajes en cuadros preciosistas de tonos nostálgicos. Atmósferas, ambientes, lugares y fondos conforman el elocuente placer visual que está íntimamente ligado a los conflictos internos de la protagonista. Las secuencias de batallas son elaboradas con cadencia y extrema elegancia; más que un vulgar espectáculo de violencia estilizada, se trata de coreografías dancísticas donde los cuerpos y los vestuarios se enganchan y se repudian en un juego de velocidad, habilidad física y movimiento. Otro elemento satisfactorio es el gentil y mesurado tratamiento con el que se conducen las situaciones; en lugar de hacer una insolente historia de venganza, muerte y violencia, el director subvierte el género de las artes marciales de una manera digna para otorgarle preponderancia al honor, la elección y la libertad moral. Hou Hsiao-Hsien es un autor al que le gusta tomarse su tiempo para expandir los vacíos y recurrir a los silencios extremos y permitirnos la contemplación de lo humano y la reflexión existencial.

 

High-Rise

Dir. Ben Wheatley, Reino Unido, 2015.

★★★ ½

Basado en la novela de J. G. BallardHigh-Rise (2015) detalla cómo funciona el sistema de clases sociales al interior de un rascacielos. Robert Laing (Tom Hiddleston), un ambicioso y joven médico, llega al enorme edificio como nuevo residente; ahí, él será testigo de cómo los habitantes de los pisos superiores gozan de lujos que los residentes de los primeros pisos no poseen. De esta manera comienza a sembrarse el descontento, el desprecio y la rabia entre los inquilinos. La guionista Amy Jump (Sightseers, 2012) y el cineasta Ben Wheatley (A Field in England, 2013) recurren al bloque de pisos, concreto armado y cristales para construir un barril de pólvora sobre la lucha de las clases sociales exhibiendo la explosión en un sofisticado y disparatado espectáculo. El cineasta británico se niega a otorgarle comodidades al espectador y decide orillarlo hacia el misterio desafiándolo para que éste saque sus propias conclusiones sobre la cadena de conflictos que se tejen al interior del rascacielos. Debido a que los personajes y las situaciones están subordinadas a la anarquía, Wheatley emplea una cuidadosa edición, incluyendo interludios musicales que oscilan de las piezas instrumentales deClint Mansell hasta los sonidos melancólicos de Portishead. El cineasta británico recurre a la estilización de varios sucesos violentos (la ralentización de un suicidio, el juego caleidoscópico en una desquiciada masacre); de esta manera, observamos el caos y el libertinaje desde una distancia segura –como si estuviéramos en uno de los edificios vecinos–, en lugar de ser consumidos como la novela lo logró de manera exhaustiva. La fotografía de Laurie Rose (Kill List, 2011) le saca provecho a la ‘super-arquitectura’  de forma grandilocuente; cada composición permite juegos visuales de líneas horizontales, verticales y diagonales, enfatizando la importancia de los materiales y volúmenes del rascacielos que, sin duda, es un personaje más en este relato. 

 

Galas mexicanas 

Chronic

Dir. Michel Franco, México/Francia, 2015.

★★★½

Chronic (2015), dirigido por Michel Franco (Daniel y Ana, 2009; Después de Lucía, 2012) y ganador del premio a Mejor Guión en el Festival de Cannes, es un relato sobre la proximidad de la muerte desde la perspectiva de David (Tim Roth), un enfermero capaz de crear lazos muy íntimos con aquellos enfermos terminales a los que les dedica tiempo y esfuerzo. El hombre sigue a sus pacientes con una atención casi obsesiva; es atento a sus necesidades y a sus pasiones colocándose al borde de un vínculo cariñoso, pero peligroso. Impulsado por un sentimiento de culpa asociado a su pequeño hijo y exesposa (Nailea Norvind), David reduce sus tiempos libres para continuar trabajando sirviéndole a los otros; de esta manera, los pacientes se convierten en su prioridad sobre cualquier otra cosa. Sin embargo, a veces, la vida es ciega e injusta, y reserva sorpresas desagradables, acusaciones graves e infundadas por parte de una familia que no comprende la proximidad física y sentimental que David establece con un anciano que recién sufrió un infarto. El estilo de Franco –una cámara fija, planos pronunciados y acciones fuera de cuadro– permite crear una atmósfera de austeridad y paciencia que embona de manera congruente con la personalidad de David, un hombre que se mueve con cuidado y sabe dirigirse con comodidad y facilidad a sus pacientes para que ellos se sientan en confianza. El guión es una propuesta orientada desde el principio a la desolación, sumando en cada experiencia de David una capa de dolor; es un estudio de personaje con profundidad entrañable. Tim Roth ofrece una sólida actuación en su papel de enfermero atento, amable y considerado, sin embargo, su personaje también es un tanto manipulador e incapaz de construir barreras pertinentes y necesarias para que las cosas no se salgan de control. Aunque las consecuencias del desgaste físico y el trastorno psicológico que padece el protagonista se resuelven con una salida fácil, el filme se aleja del melodrama manteniendo durante gran parte del relato un tono desgarrador matizado por el rendimiento de Roth. Con mucho tacto y compasión, Franco se muestra hábil para construir atmósferas de intimidad perturbadora donde conviven el deterioro corporal, la muerte, la serenidad y el cariño.

 

Desierto

Dir. Jonás Cuarón, México/Francia, 2015.

★★★½

La película se centra en un grupo de mexicanos y su intento de cruzar la frontera norte del país rumbo a Estados Unidos. Además del caluroso clima y el arduo recorrido por el desierto, el esfuerzo de los migrantes es obstaculizado por un maniaco pistolero llamado Sam (Jeffrey Dean Morgan). Filmado en locaciones naturales de Baja California Sur, Desierto (2015), el segundo largometraje de Jonás Cuarón (Año uña, 2007), se construye como un drama sobre un sueño colectivo sin poner atención especial en alguno de los migrantes. Sin embargo, conforme la trama avanza, el filme adquiere las dimensiones de un intenso y frenético thriller de persecución donde la cámara de Damián García (Chicogrande, 2010; Güeros, 2014) se detiene y se aproxima en la figura de Moisés (Gael García Bernal), un hombre que se aferra a la vida, a pesar del calvario al que ha ingresado. Cuarón construye escenas con un alto grado de impacto visceral en el espectador, donde la crudeza con la que se muestran las imágenes es necesaria para evidenciar la crueldad y la aspereza de la situación retratada. Gael García Bernal –que desde hace varios años se ha preocupado por el tema de la migración elaborando una serie de cortometrajes (Los invisibles, 2010) y un documental (Who is Dayani Cristal?, 2013)– ejecuta un buen trabajo al inmiscuirse en la piel de un migrante desesperado. Sin embargo, el guión no profundiza en las motivaciones del villano y sólo lo retrata como una figura diabólica y sádica, creando la sensación de que el filme es un intenso discurso a favor de los derechos de los migrantes, pero con muy pocos argumentos.

 

Semana de la crítica

Mediterranea

Dir. Jonas Carpignano, Italia/Francia/Estados Unidos, 2015.

★★★★½

El joven realizador Jonas Carpignano –de madre estadounidense y padre italiano– creció en los barrios de Roma y Nueva York; cuando él se enteró del violento levantamiento de los trabajadores africanos en Rosarno, Italia, ocurrido en enero de 2010, el cineasta compartió las extremas condiciones de vida que los migrantes padecen al sur del país europeo y plasmó sus experiencias en A Chjàna (2012), un cortometraje que se centra en las aventuras de un joven inmigrante de Burkina Faso llamado Ayiva (Koudous Seihon). Tres años más tarde, Carpignano continúo investigando sobre las condiciones de vida en el sur de Italia siguiendo las huellas de un niño romano,Pío Amato, que crece rápidamente en una sociedad enmarcada por la violencia y el racismo. Ambos personajes se reencuentran en el primer largometraje de Carpignano, Mediterranea, sobre la odisea de Ayiva que comienza en las peligrosas llanuras desérticas del norte de África, pasando por las inclementes tormentas a bordo de un pequeño barco improvisado hasta las extenuantes jornadas de trabajo como recolector de naranjas en la región de Calabria. Ayiva, que ha dejado atrás una hija de siete años de edad, tiene una gran capacidad de adaptación y una fuerte determinación para no rendirse, a pesar del clima hostil de un sector de violentos jóvenes racistas. Mediterranea es una digna heredera de las grandes obras del neorrealismo italiano; la filiación que Carpignano siente por Roberto Rossellini y Vittorio de Sica se refleja visiblemente en la elección de locaciones reales, una puesta en escena naturalista, el uso de actores no profesionales y una cámara en mano que sigue muy de cerca las peripecias de los migrantes. El director logra tejer un drama sutil emocional que se involucra de manera honesta con las razones y el estado de ánimo de los personajes para construir un discurso urgente sobre la necesidad de escuchar las voces de aquellos humanos que no se les permite soñar y crecer.

 

Sleeping Giant 

Dir. Andrew Cividino, Canadá, 2015.

(Semana de la Crítica)

★★★½ 

El primer largometraje del realizador canadiense, Andrew Cividino, narra la historia de tres adolescentes -muy diferentes entre ellos mismos- durante unas vacaciones de verano en el norte de Ontario. No se trata de una comedia sobre adorables inadaptados sociales, sino un retrato contundente sobre los aspectos crueles y tortuosos que conlleva el crecimiento humano. El filme se desarrolla en una zona rugosa cerca del Lago Superior, rodeada por frondosos bosques e intimidantes montañas; un paisaje bellamente capturado por el cinefotógrafoJames Klopko. El “gigante dormido” del título se refiere, en primera instancia, a la formación rocosa ubicada cerca de Thunder Bay, pero también es una sagaz metáfora de la manera en que Adam (Jackson Martin), un niño de 15 años en apariencia inofensivo, construye y acumula su ira y enojo. Aunque gran parte del tiempo se muestran los placeres inocentes (juegos de mesa, caminar por el bosque, saltar al lago desde las rocas), hay una tensión latente que permea el relato debido a cómo se desencadenan los insultos, maltratos, pulsiones sexuales y tendencias psicópatas al interior del pequeño e íntimo círculo integrado por Adam y sus dos primos, Nate (Nick Serino) y Riley (Reece Moffet).

 
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