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16 Festival Internacional de Cine de Guanajuato
Publicado el 01 - Ago - 2013
 
 
  • Del 19  al 28 de julio, 2013. Guanajuato y San Miguel de Allende, México. El drama, el pesimismo y el desencanto fue el denominador común de las cintas que se presentaron, atemperadas por su discurso gozoso basado en la danza de las cámaras.  - ENFILME.COM
  • Del 19  al 28 de julio, 2013. Guanajuato y San Miguel de Allende, México. El drama, el pesimismo y el desencanto fue el denominador común de las cintas que se presentaron, atemperadas por su discurso gozoso basado en la danza de las cámaras.  - ENFILME.COM
  • Del 19  al 28 de julio, 2013. Guanajuato y San Miguel de Allende, México. El drama, el pesimismo y el desencanto fue el denominador común de las cintas que se presentaron, atemperadas por su discurso gozoso basado en la danza de las cámaras.  - ENFILME.COM
  • Del 19  al 28 de julio, 2013. Guanajuato y San Miguel de Allende, México. El drama, el pesimismo y el desencanto fue el denominador común de las cintas que se presentaron, atemperadas por su discurso gozoso basado en la danza de las cámaras.  - ENFILME.COM
 

Por Verónica Sánchez (@SofiaSanmarin)

Del 19  al 28 de julio, 2013.

El otrora Expresión en Corto, ahora el Guanajuato International Film Festival (GIFF, por sus siglas en inglés), exhibió en total 195 películas de 44 países. Sus funciones fueron gratuitas, a excepción de las galas, para las que se requirió invitación en sus dos sedes: San Miguel Allende y Guanajuato. La Selección Oficial Ópera Prima Mexicana contó con seis filmes, del norte y centro de la República.

El festival dejó una serie de filmes destacables por su trabajo de dirección y textura –hubo desde lirismo hasta la sordidez de los hechos “verosímiles”–. Muchos serán (una ya lo es) protagonistas de la cartelera en los próximos meses: Fruitvale Station (2013) de Ryan Coogler, Heli (2013) de Amat Escalante, Narco Cultura (2013) de Shaul Schwarz o Nada malo puede suceder (2013) de Katrin Gebbe.

Danny Boyle y Darren Aronofsky, dos de los máximos exponentes del cine independiente contemporáneo, visitaron por primera vez Guanajuato. Ambos fueron homenajeados y, durante el festival, estudiantes, público, prensa y seguidores de los directores, pudimos ver las películas más destacadas de su filmografía. Además de las conferencias magistrales en las que los dos compartieron sus experiencias (lee aquí sobre la plática de Boyle y aquí sobre la de Aronofsky). En el caso de Boyle, se proyectaron en distintos foros: Shallow Grave (1994); Trainspotting (1996), 28 Days Later… (2002); y Slumdog Millionaire (2008). De Aronofsky: Pi (1998); The Fountain (2006); The Wrestler (2008); Black Swan (2010) y Requiem for a Dream (2000).

Tuvimos oportunidad de entrevistar al director estadounidense Ryan Coogler, quien presentó dentro del marco del GIFF, y por primera vez en latinoamerica, su ópera prima Fruitvale Station, un filme independiente que reabre el debate entorno al tema racial. El caso en el que se basa la cinta, ocurrió la mañana del primero de enero de 2009 y la víctima fue Oscar Grant, un joven negro de 22 años. El crimen fue grabado con los celulares de los pasajeros del metro en la estación que da título al nombre y fue ampliamente difundido en YouTube. Pese a la existencia de estas imágenes, con las que se inicia Fruitvale Station, el responsable del asesinato, un polícia de la localidad, fue liberado a los once meses.

El GIFF sigue la corriente a favor del cine independiente, que cada vez tiene más presencia y mejor acogida. El drama, el pesimismo y el desencanto fue el denominador común de las cintas que se presentaron, atemperadas por su discurso gozoso basado en la danza de las cámaras. A continuación, un recuento de las películas que vimos en la XVI edición del Festival Internacional de Cine de Guanajuato 2013:

Fruitvale Station fue la película ganadora del Gran Premio del Jurado y del Premio del Público en el Festival de Cine de Sundance 2013, el filme es la ópera prima de Ryan Coogler, un poderoso y crudo relato, basado en hechos reales, que reconstruye las últimas 24 horas de vida de Oscar Grant, un joven de color de 22 años, y su relación con personajes varios de su entorno familiar en la víspera de Año Nuevo del 2008, antes de ser asesinado por un policía blanco en la estación de metro Fruitvale en Oakland, California (esto no es spoiler).

Cámara en mano, el director sigue al protagonista en su intimidad, como testigo de sus últimas acciones, hasta los hechos que desatarán la tragedia. Examina el tema de las diferencias de clases sociales, de género y raciales con mirada firme y objetiva. Ofrece una visión pesimista del estilo de vida de los barrios pobres de California, lugares donde pareciera que el caos, la violencia y la felicidad van de la mano. Un filme inquietante –al que el realizador le inserta imágenes de la vida real tomadas con la pantalla de un celular, consiguiendo una atmósfera opresiva–. No es nada gratuito que consiga conectar con el público gracias a su conmovedora historia y a las excelentes actuaciones de su reparto.

 

Heli de Amat Escalante fue uno de los filmes triunfadores en el pasado Festival de Cine de Cannes donde se llevó el premio al Mejor Director. La película es un relato espeluznante del narcotráfico en el desierto de México. Esta cinta quizá sea su propuesta más radical hasta ahora, una pesimista visión de las víctimas del crimen organizado. En concreto, esta historia de pavor se centra en una modesta familia de un poblado de Guanajuato que de repente se ve atrapada en un engranaje de violencia cuando uno de los miembros del clan, Estela, una adolescente de doce años, se enamora de un joven policía implicado en el tráfico de drogas. Uno contempla estupefacto cómo la historia evoluciona desde el romance más tierno hacia el horror más grotesco (planos detalle de genitales masculinos incluidos). Un filme desolador en el que los personajes están vaciados de vitalidad como el paisaje desértico en el que habitan.

En Heli, Escalante capta de manera fría y calculada el sufrimiento de sus personajes como en  las escenas de tortura, los entrenamientos violentos de la policía, y la crueldad hacia los animales. No hay ganadores en este escenario sin esperanza.

 

Somos Mari Pepa es la ópera prima de Samuel Kishi Leopo, una historia sobre la amistad, la adolescencia y los anhelos. El largometraje esta inundado por un fuerte ambiente de nostalgia y sentido del humor. Las secuencias e imágenes están realizadas con sencillez, planos amplios prolongados, pero también breves flashbacks que muestran esa memoria de los amigos adolescentes que viven de distinta manera la etapa a la madurez

Alex es un adolescente de 16 años que vive en los suburbios de Jalisco. Forma parte de una banda de rock llamada Mari Pepa, integrada por tres de sus mejores amigos de toda la vida. En las vacaciones de verano, el grupo decide participar en el concurso de guerra de bandas del estado y así ganar un poco de dinero y un poco de fama. Esta historia se vive a través de los ojos de Alex –abandonado por padre pero protegido por su abuela– quien para esos días se traza varios objetivos: crear el tema para el concurso, conseguir un trabajo, y tener su primera experiencia sexual. Pero sus metas se vuelven cada vez más lejanas cuando el chico descubre que su abuela comienza a volverse más dependiente de él. Alex cae en cuenta de que en adelante las cosas cambiarán para siempre  y la madurez le llegará de golpe. 

 

Dentro de las proyecciones del GIFF en la sección Cine entre muertos, en el panteón de Guanajuato, se presentó We Are What We Are (2013) del director estadounidense Jim Mickle (Mulberry Street, 2006), remake de la película mexicana Somos lo que hay (2010) de Jorge Michel Grau. En la película original, la historia se sitúa en la ciudad de México. En esta nueva versión la trama se desarrolla en una zona alejada y pobre de la región de Catskill de Nueva York. En medio de un paisaje invernal, siempre a punto de la tormenta, la taciturna y solitaria familia Parker acaba de perder a la matriarca del clan. La muerte de la mujer provoca una especie de intranquilidad entre los miembros del hogar. Frank Parker, esposo de la recién fallecida, sus hijas, Iris (veinte años), la adolescente Rose, y el pequeño Rory. 

El padre está convencido de que la hija mayor debe continuar con el rito que esa familia ha conservado por generaciones: comer carne humana. El drama se centra en Iris quien debe de sustituir a su madre y quien fungía como la proveedora de alimento al hogar. La joven se resiste a ser la nueva jefa de familia y el temor de su falta de convicción por esa tradición. Mientras las supervivencia de los Parkers es puesta en las manos de Iris, un médico jubilado de la localidad comienza una investigación exhaustiva motivado por la reciente desaparición de una colegiala y por el hallazgo de restos humanos cerca de su casa. Las torpezas que la familia comienza a cometer y la presión por la pesquisa emprendida por el doctor los empujará a tomar una decisión final para salvarse a sí mismos.

Mickle dota a su versión de una atmósfera sobria y macabra que se enfatiza cuando las preparaciones celebratorias de este clan tienen lugar. El ritmo contemplativo del filme se rompe súbitamente con su final impactante.

 

Nada malo puede suceder (Tore Tanzt, Alemania, 2013), de Katrin Gebbe, es una historia de fe, dependencia y sometimiento, basada en hechos reales. Tore, un joven epiléptico y sin familia, que pertenece a los Jesus Freaks, un movimiento punk-cristiano fundamentalista que sigue los preceptos de amor a Dios pero sin llevar a pies juntillas las reglas de una religión, está convencido de su proximidad al Espíritu Santo. Su convicción es tan grande que, un día, en lo que parece ser un milagro, logra con una oración reparar el auto averiado de Benno, un hombre desconocido que acoge con simpatía la buena acción del adolescente.  

Los constantes ataques de epilepsia que sufre el chico y la falta de convicción de sus compañeros de comuna orillan a Tore a aceptar el ofrecimiento de Benno: mudarse al huerto de su casa. La familia está compuesta por su esposa Astrid y sus dos hijastros, Sanny de quince años y Dennis, de seis. Tore se instala en una casa de campaña en el jardín de su nuevo hogar. En adelante, el lugar será su escondite y santuario. Al principio Benno parece ser la figura paterna que él tanto anhelaba, pero de manera gradual el hombre empieza a exhibir un odio extremo hacia el muchacho. Pronto las grietas de una supuesta “familia feliz” comienzan a mostrarse. El muchacho es empujado a una espiral de violencia hacia el horror en la que su fe es tentada a través de una serie de torturas retorcidas que él está dispuesto aceptar como parte de una prueba impuesta por una fuerza celestial.

Nada malo puede suceder es un trabajo frío y pausado en el tratamiento sádico de las imágenes.  No es una película apta para estómagos sensibles o mentes susceptibles por la gran carga de violencia psicológica y física que se vuelve insoportable para el público. En el joven actor Julius Feldmeier recae todo el peso de la actuación, quien logra con su interpretación que el espectador se sienta irremediablemente impotente por todo su sufrimiento en pantalla.

 

Peso elefante es el primer largometraje del director neozelandés Daniel Borgman. Adrian, un niño de once años, está bajo la custodia de su malhumorada abuela después que su madre lo abandona. En la casa que se sitúa en el campo, conviven a demás de la anciana, su tío Roy, un pintor frustrado pero dulce hombre que se vuelve un refugio de cariño para el pequeño, que además sufre de acoso escolar. El director sumerge a Adrian en un continuo río de fatalidad. Su nueva compañera de colegio y vecina Nicole, tampoco escapará a ese universo de desolación, pues vive con sus hermanos menores y su enferma madre en un total estado de degradación. A modo que avanza el filme, el espectador teme que la suma de infortunios desemboque en una tragedia mayor, pues se nos anuncia que de manera misteriosa tres niños de la localidad han desaparecido.  

En Peso elefante no hay lugar para el suspense. Desde el primer momento todo es previsible. Los tonos otoñales de la fotografía remarcan la frialdad del entorno que envuelve a los protagonistas. La historia que refleja, de manera cruda, las repercusiones que tienen en la vida adulta el abandono y la violencia en la infancia. Aunque por momentos el exceso del tremendismo hace que la sordidez de la trama se sienta forzada.

 

Entre la ficción y el documental, en blanco y negro, No hay nadie allá afuera (México, 2012) de Haroldo Fajardo, sigue a un grupo de amigos adolescentes de Guadalajara integrantes de un banda de punk llamada Sin-Ismos. El peso de la película recae en Gerardo, el bajista del grupo, y cuyas preocupaciones se centran en el futuro del grupo y su amor secreto a una adolescente. Mientras decide qué rumbo tomar, el joven pasa sus días entre ensayo y ensayo con sus camaradas que igual que él no tienen muy claro hacia donde van. El director intenta retratar las inquietudes de estos aspirantes a estrellas de punk, y vicisitudes, a través de una serie de entrevistas que se entrelazan con los ensayos del grupo. A primera impresión, la propuesta luce interesante, pero a la larga resulta tediosa a causa de las largas charlas con los protagonistas y las extendidas sesiones de entrenamiento de los punketos. Los conflictos internos y externos de los protagonistas parecen diluidos a consecuencia de un guión y actuaciones anquilosadas, estancadas, por decirlo de algún modo, No hay nada allá afuera, da la sensación de durar el doble, pero sin densida 

 

En Eddie Adams: Saigon '68, el escritor y productor estadounidense Douglas J. Sloan, indaga el trasfondo histórico que hay detrás de la imagen ‘General Nuguyen Ngoc Loan executing a Viet Cong prisoner in Saigon’ del fotógrafo Eddie Adams, famosa por mostrar la escena de una ejecución a quemarropa de un prisionero del vietcong en una calle de Saigon durante las detenciones de la Guerra de Vietnam. 

Sloan revela a través de una exhaustiva investigación de archivo y de entrevistas a personas que estuvieron cercanas a los hechos, la compleja historia no contada detrás de esta fotografía. El documental pone caras y números a los abusos humanos y sexuales que cometió el ejercito. A la vez, plantea preguntas pertinentes sobre el poder de la fotografía y cuestiona la labor de los organismos internacionales de derechos humanos.

 

La alegría es la ópera prima de Mariana Meliande, becaria del proyecto Mexicannes, un programa de residencia de verano creado hace seis años por el GIFF y la Cinéfondation –fundado por el Festival de Cine de Cannes–. En su cinta la directora intenta hacer un retrato optimista de la juventud de su país ante la ola criminal que se vive en los tiempos actuales. Los momentos de tensión son suavizados con elementos fantásticos. Pero, en suma, el mejor logro del filme, más que en su historia y guión –cargados de clichés y diálogos que intentan ser profundos–, radica en su fotografía, que captura la exuberancia y belleza de los paisajes de la selva y playas de Brasil. El mal desarrollo de la película se enfatiza con la forzada interpretación de su joven cuadro de protagonistas.

 

En vísperas de Nochebuena João, primo de Luiza, una adolescente soñadora de los suburbios de Río de Janeiro, es herido por una bala perdida. Después del incidente no se sabe del paradero del muchacho. Una noche ella recibe la sigilosa visita de su familiar quien le pide lo aloje sin revelar a nadie de su nuevo destino. Apoyada por sus mejores amigos, Luiza guarda el secreto, pero el misterio con que João se mueve la mantiene en constante zozobra. A manera de fuga ante la violencia que azota a su ciudad, la chica se inventa un universo fantástico en el que sus jóvenes compañeros también se embarcan.

 

El Invierno de Pablo (España, 2012), ópera prima de Chico Pereira, es un homenaje perenne a la figura del minero. Rodada en blanco y negro y con vecinos del pueblo de Almadén (Ciudad Real, España), la película narra el declive de esa aldea (que vivió sus mejores años hasta el cierre de sus milenarias minas de mercurio) a través de la vida, también en picada, de un obrero jubilado y malhumorado de 70 años, Pablo Marjalizo. La cámara de Pereira nos mete en la cotidianeidad del anciano quien pasa sus días, en su casa, junto a Jose, su paciente esposa, y lo acompañamos en sus breves caminatas con su nieto pequeño por las calles de una aldea a la que le quedan pocos habitantes. Pablo es un fumador empedernido, pero en su última visita al médico se le ha prohibido volver a fumar, y en esa revisión se nos informa de su historial de infartos (cinco, por lo menos) y una bronquitis crónica a causa de su trabajo por más de treinta años en aquellos yacimientos que le dejaron los pulmones destruidos.

El invierno de Pablo es también el invierno de Almadén y esa doble historia sincera y humana es un símbolo nostálgico de un pasado perdido. Escenas naturalistas captan la atmósfera de olvido y decadencia de ese pueblo. La historia dignifica a la vez la imagen del hombre y del minero.

 

Más que miel (Suiza, 2012) de Markus Imhoof, quizá sea el documental más humano que se haya hecho sobre la biología, el comportamiento social de las abejas y su explotación en la era de la agricultura industrial. El estudio exhaustivo que incluye todos los lados de la historia: el punto de vista de los científicos, los apicultores, y la que sería la versión de las abejas, si éstas pudieran hablar. El director suizo Markus Imhoof nos sumerge con su largometraje en ese microcosmos, sus mutaciones y su fragilidad. Un universo que dice mucho del nuestro, sin parecérsele. 

Imhoof es capaz de filmar la hipnótica visión interna de un panal hasta la lucha que libran las abejas obreras contra las africanas, además del ataque de las termitas; escenas bastantes cercanas al género de ciencia ficción. Más que miel es un fascinante pero laberíntico documental sobre la destrucción de la población de las abejas que han estado muriendo durante los últimos tres años y cuya extinción condenaría al mundo a un periodo de vida de cuatro años.

 

En La sirga (Colombia, 2012) de William Vega, el pueblo de Alicia acaba de ser incendiado, por lo que la muchacha busca a su tío Óscar que vive en La sirga, un hostal derruido que se ubica a la orilla de una laguna de Colombia. Alicia piensa que ha encontrado un nuevo hogar junto al último familiar que le queda vivo. Durante su estadía en el nuevo lugar desata el deseo de su anciano tío y de los hombres a su alrededor. Los rumores de un posible asalto de la guerrilla colombiana a la zona la ponen en alerta para escapar a tiempo. 

William Vega consigue transmitir al espectador una atmósfera de pérdida y zozobra –que está presente en muchas de las zonas rurales de Colombia- con un filme con pocos diálogos pero con de acciones que se sitúan bajo un contexto visual de paisajes cenagosos y cubiertos de niebla. La violencia se sugiere pues nunca se muestran frente a la cámara escenas de tortura o terrorismo. Se muestra un inquietante contraste entre la aparente tranquilidad y sosiego de lo que vemos y la amenazante situación que se cierne sobre los protagonistas.

 

El documental estadounidense Narco cultura del fotógrafo de guerra y director israelí Shaul Schwarz, es un relato arriesgado que acerca al espectador -a través de entrevistas a famosos cantantes de narcorridos, y a la policía mexicana -al mundo de los cárteles de la droga, sus ramificaciones y el clima de violencia que impera en aquella zona del país. El filme cuenta dos historias, dos vidas paralelas, la del cantante de narcocorridos Edgar Quintero, residente en Los Ángeles, que exalta en sus canciones los crímenes de los capos con gran éxito en Estados Unidos, y el día a día de un perito de Ciudad Juárez, Richi Soto.

El cineasta expone en cien minutos cómo los narcotraficantes se han convertido en íconos de fama y éxito entre los jóvenes de ese lugar, que anhelan convertirse en uno de ellos, y cómo los músicos glorifican sus hazañas con los famosos narcocorridos. Quintero y los otros músicos a los que se hace alusión en el filme, ejemplifican con sus letras la vida de un narcotraficante: acciones violentas que no esconden nada pero que sí denotan orgullo.

Schwartz ofrece un paisaje tremebundo que captura la pérdida de fe de los juarenses que viven bajo la sombra de personajes como el Chapo Guzmán, figuras criminales elevadas a la altura de una estrella o celebridad. El espectador es testigo del dolor, la violencia y el miedo con el que vive la población de una ciudad en la que el motivo pop de la narcocultura es tan abrumador como absorbente.

 

La cinta austriaca Soldado Jeanette, ópera prima de Daniel Hoesl, sigue la historia de dos mujeres, Fanni y Anna, de espíritu rebelde, que se niegan a las limitaciones del lugar en el que viven. Fanni es una mujer madura de 40 años y de temperamento frío que se mueve en los círculos de alta solvencia económica de Viena, pero está en un momento en el que esa vida holgada ya no le proporciona el mismo placer que antes. En secreto, la mujer trama un plan que le permitirá huir de su lugar de origen. De manera repentina es declarada en bancarrota hasta el punto de ser desalojada de su casa. Cuando considera que se ha quedado sin ninguna clase de caprichos materiales, decide encontrarse a sí misma haciendo un viaje a las montañas alpinas. Se dirige hacia el campo, donde conoce a Anna, quien vive en una granja y está hastiada de trabajar alimentando a los cerdos de la familia y de los maltratos del dueño del lugar. En complicidad ambas mujeres, se vengarán del verdugo de Anna, y de maneras distintas abrazarán la libertad que tanto deseaban en sus mutuas, aunque opuestas vidas, que se cruzan para redefinir su libertad.

Soldado Jeanette está filmada bajo un tono experimental muy cercano al videoarte, y está impregnada de una rabia silenciosa y una actitud anárquica feminista. Los largos encuadres de cámara fija, a menudo muestran personajes calculadores que se alternan con el ritmo pausado de la ciudad o el espacio campirano y el clima frío de aquel país.

 

Salvo (Italia, 2013), es la ópera prima de los directores italianos Fabio Grassadonia y Antonio Piazza, y fue la ganadora del Gran Premio de la sección paralela Semana de la Crítica en Cannes 2013. El filme se centra en un asesino a sueldo de la mafia siciliana, Salvo (Saleh Bakri), un hombre solitario, frío, y despiadado. Cuando entra a la casa de su víctima asignada, descubre a Rita, una joven ciega joven y hermana del hombre al que debe eliminar. Rita, impotente, se vuelve testigo del asesinato de su hermano. En el momento que el criminal se dispone a eliminarla, ocurre algo inexplicable: Rita recupera la visión. Conmovido por las circunstancias de la chica, le perdona la vida y la esconde. Salvo la mantiene cautiva y comienza a sentirse fascinado por ella, atraído por su inocencia. Por su parte, la chica corresponde a esos sentimientos volviéndose cómplice de su secuestrador.

Un filme austero, con pocos diálogos, desprovisto del glamour con que Hollywood suele condimentar las películas sobre la mafia italiana, cargado de una atmósfera exasperante, que se acentúa por la ceguera de Rita y los sentidos hipertrofiados del sicario. La historia captura la crudeza que caracteriza la realidad de ese universo criminal.

 

El largometraje mexicano Casi treinta (2013), es la ópera prima de Alejandro Sugich López Arias y narra la historia de ocho amigos a punto de cumplir treinta años, que antes de cruzar esa línea se plantean una última oportunidad para cambiar sus vidas. El filme se centra en Emilio, un exitoso ejecutivo de Sonora que vive en el Distrito Federal. Él está por contraer matrimonio, pero a pesar de su exitosa carrera siente que algo no encaja en su vida. En el fondo, su verdadera vocación es la escritura. La invitación a la boda de su mejor amigo en Ciudad Obregón le permiterá viajar a su lugar natal y reencontrarse con sus camaradas de toda la vida. Entre fiestas y salidas a la playa, los amigos tomarán conciencia de que ninguno ha hecho algo determinante para ser mejores personas. Una celebración que termina en tragedia los orillará a tomar las decisiones que venían posponiendo. 

Casi treinta es un filme de comedia, poco sólido que sobresale por su guión incongruente acentuado por la pobreza de las actuaciones de sus protagonistas, además de la falta de veracidad de los diálogos. Saturada de clichés que brilla por el alto presupuesto de su producción.

 

Only God Forgives de Nicolas Winding Refn es un thriller asentado en Bangkok que se centra en Julian (Ryan Gosling), un capo de la droga, quien huyó de la justicia en Estados Unidos y en la actualidad dirige un club de boxeo tailandés para cubrir el tráfico de drogas. Su madre es la cabeza de una vasta organización criminal que acaba de arribar para repatriar el cuerpo de su hijo favorito, Billy, hermano de Julian, y asesinado por haber matado a una joven prostituta. Julian recibe el encargo por parte de su madre de vengar la muerte de su hermano, pero un policía desquiciado y con poderes sobrenaturales está siguiendo todos sus movimientos.

Only God Forgives, es una película narrada en slow motion, y puro avantgarde audio visual. Se trata de un melodrama que retoma la típica historia de venganza y lucha como espejismo de una realidad sórdida y violenta, donde niñas preadolescentes son violadas e incluso asesinadas en un paraíso turístico internacional. La violencia es ceremonial, gráfica y estilizada en ese mundo amoral. Cada gesto se convierte en ritual, cada destino prefigurado. Los personajes trascienden la individualidad y se convierten en arquetipos: el vengador (Gosling) demasiado paralizado por el miedo y la duda de tomar medidas, temor de su propia capacidad para el mal, el guerrero con su propio código moral rígido. La violencia innata y los instintos primitivos de venganza únicamente pueden ser frenados por ese componente sobrenatural y espiritual que el propio título de la cinta se encarga de recordarnos: Dios o un enviado divino, un ángel exterminador que se ocupará de las fechorías de esa familia disfuncional y psicópata. Only God Forgives es un estudio alucinatorio de la culpa y una visión de lo que podría ser el purgatorio como castigo para un hombre atrapado en el infierno (Gosling).

 
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