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2º Festival Internacional de Cine de la UNAM
Publicado el 17 - Jul - 2012
 
 
  • Del 23 de febrero al 1 de marzo, 2012. Distrito Federal. FICUNAM abrió   por segunda ocasión un espacio para la difusión del arte    cinematográfico en una de sus facetas más difíciles de explorar en    nuestro país: la del cine independiente.  - ENFILME.COM
  • Del 23 de febrero al 1 de marzo, 2012. Distrito Federal. FICUNAM abrió   por segunda ocasión un espacio para la difusión del arte    cinematográfico en una de sus facetas más difíciles de explorar en    nuestro país: la del cine independiente.  - ENFILME.COM
 

Por Enrique Sánchez (@RikyTravolta)

Del 23 de febrero al 1 de marzo, 2012. Distrito Federal.

El Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) abrió por segunda ocasión un espacio para la difusión del arte cinematográfico en una de sus facetas más difíciles de explorar en nuestro país: la del cine independiente. Es una verdad afortunada que el mundo del cine en México se encuentra en una etapa de cambio. Por un lado, es triste ver que las productoras con más poder aprovechan sus cuantiosos recursos para copiar el cine comercial de Estados Unidos; pero también existe una creciente difusión del cine en nuestro país, no solo en las exhibidoras comerciales, sino en cine clubes, muestras y festivales. Ambos factores han facilitado la creación de obras independientes que hace unos años nunca hubieran llegado a existir.

El lenguaje del cine independiente suele considerarse difícil de entender, en gran medida porque se trata de códigos personales y originales alejados de las convenciones de la industria. En cada una de sus apariciones en las conferencias, funciones y recesos, la directora del festival, Eva Sangiorgi, aprovechó para hablar sobre la oportunidad que el FICUNAM representa para talentos iberoamericanos que luchan por consolidarse en el mundo del cine. Además de lo anterior, el festival representa una oportunidad para un público en busca de una alternativa al cine comercial que abunda en nuestros cines.

La película que dio comienzo al festival fue Wuthering Heights (2011) de Andrea Arnold, una adaptación eminentemente visual y algo claustrofóbica de la novela escrita por la inglesa Emily Brontë. La directora inglesa eliminó ciertas partes de la historia original, como la continuidad sugeridad en la novela a través de los hijos, para resaltar con imágenes personales la importancia del recuerdo de los momentos felices en una relación que, a través de los años, es cada vez más tormentosa. Heathcliff, el héroe de la historia, es en la versión de Arnold negro y tratado como un esclavo. Así acentúa temas que ya había trabajado como la división y predestinación de clases en Inglaterra. El filme proyectado en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario fue una elección atinada que llenó el teatro.

Los inconvenientes empezarían hasta el siguiente día, con algunos retrasos considerables y las fallas técnicas que se repitieron a lo largo del festival. Los espectadores tuvimos que resignarnos a ver gran parte de algunas películas sin sonido, o con ruidos ajenos a ellas, con subtítulos borrosos o fuera de cuadro, o incluso con partes faltantes. Fuera de esto, el festival transcurrió con relativa normalidad, con acceso fácil en las mañanas y salas repletas a partir de las funciones vespertinas.

El cineasta exiliado

El año pasado la figura principal del FICUNAM fue el aclamado director tailandés, Apichatpong Weerasethakul, creador de la obra maestra La leyenda del tío Boonmee. Esta vez el festival rindió tributo al director rebelde por antonomasia en Japón, y uno de los más controvertidos del cine: Masao Adachi. Conocido con los pseudónimos "Izuru Deguchi" y "De Deguchi", Adachi cimentó las bases de un nuevo cine con temas políticos junto con los directores Kōji Wakamatsu y Nagisa Oshima. En la Retrospectiva de Masao Adachi se presentaron diecisiete películas en donde participó como director o guionista junto con Wakamatsu, además de dos documentales sobre su trabajo y una película de Oshima titulada Muerte en la horca, donde interpreta a un guardia de seguridad en una prisión. Su obra cinematográfica es inseparable de su vida pública como revolucionario, prisionero político y exiliado, y algunas de las películas que formaron parte de la Retrospectiva, como Ejército Rojo, La anábasis de May y Fusako Shigenobu son piezas fundamentales para conocer a fondo la visión rebelde de Adachi.

También se proyectó su cinta más reciente, titulada El terrorista, que nace luego de más de treinta años de exilio y encarcelamiento debido a su relación con el Ejército Rojo Japonés, conocido por defender la extrema izquierda y pelear al lado de grupos terroristas para incitar a una revolución del proletariado japonés que derrocara a la monarquía. En El terrorista, Adachi plasma algunas de sus experiencias en el exilio y las combina con la historia de Kozo Okamoto, amigo rebelde de Adachi y único sobreviviente del grupo del Ejército Rojo que formó parte de la masacre del aeropuerto Lod en 1972.

Algunas de las funciones de esta sección a las que asistí fueron:

RYAKUSYO-RENZOKU SYASATSUMA | ALIAS, ASESINO EN SERIE | AKA: SERIAL KILLER

Dir. Masao Adachi

Este filme intenta reconstruir la personalidad y motivaciones del asesino serial Norio Nagayama a través de paisajes y escenarios que formaron parte de su trayectoria durante el otoño de 1968, fecha en que asesinó a cuatro personas en Tokio. Desde estaciones del metro atiborradas de gente apresurada, hasta callejones desolados que, no obstante, están forrados con marcas de la civilización, Adachi utiliza la cámara como un testigo objetivo de la vida de un lugar cuyos paisajes se asemejan a las imágenes complacientes de una postal, pero que ocultan realidades más crudas. El mensaje es claro para Adachi: el entorno tiene un efecto importante sobre las personas, y los asesinatos de Nagayama seguramente no hubieran ocurrido si el hombre hubiera vivido en un entorno menos civilizado.

YUKE YUKE NIDOME NO SHOJO | SIGUE, SIGUE, VIRGEN POR SEGUNDA VEZ | GO, GO SECOND TIME VIRGIN

Dir. Koji Wakamatsu

Una historia de abuso, venganza y el destino de las personas que las ejecutan. Poppo y Tsukio son dos jóvenes que conocen muy bien el dolor causado por abuso sexual, al grado que pueden experimentar y revivir sus tragedias una y otra vez sin caer en la desesperación que las personas en el público experimentamos al verlos. En una película llena de toda clase de abusos, el elemento más impactante es la mirada ausente de los protagonistas durante los momentos de mayor desesperanza. Aunque gran parte de la película está filmada en blanco y negro, los recuerdos amargos de los jóvenes protagonistas se muestran a color, con un tinte incómodo para la vista que pone en evidencia la renuencia de la memoria.

En medio de estos sinsabores, es agradable –por extraño que suene el término– ver a un adolescente Takeshi Kitano como un extra que camina discretamente bajo las sombras de una película cuyo héroe vengativo y desalmado sin duda jugaría un papel determinante en los personajes de las películas de Kitano.

WAN | TAZÓN | BOWL

Dir. Masao Adachi

Otro de los filmes experimentales que Adachi hizo en los inicios de su carrera. El cortometraje Tazón es un viaje construido a partir de imágenes oníricas acompañadas de sonidos de flautas que a veces parecen improvisados. El joven protagonista viaja por varios escenarios en donde encuentra siempre un tazón de arroz que representa cosas distintas en cada lugar donde aparece.

GINGAKEI | GALAXIA | GALAXY

Dir. Masao Adachi

El viaje catártico de un hombre que ha basado su vida en los principios dictados por la sociedad; en la rutina y el tedio de la vida ordinaria. En el camino se encuentra a un doble de sí mismo, a su padre vestido de monje budista y a su novia. Todos le dan explicaciones sobre su persona, y todos dejan al joven cada vez más hundido en la duda. Galaxia es un filme psicodélico fuera de lo común donde las imágenes –algunas veces atractivas, y otras, agresivas– se conjugan con la música experimental del compositor japonés Yasunao Tone para lograr una cinta onírica que, como pasa seguido con muchos sueños, se convierte en pesadilla.

SA-IN | VAGINA CERRADA | CLOSED VAGINA

Dir. Masao Adachi

Una pareja sufre a causa de una extraña enfermedad que ha sellado la vagina de la mujer, por lo que su relación se ve dañada tanto a nivel físico como mental. Vagina cerrada es un filme surrealista en donde Adachi explora el sufrimiento del matrimonio a través de alegorías visuales como cuerpos destrozados que la pareja intenta reconstruir. La metáfora es optimista tanto como derrotista: el dolor también es capaz de crear un lazo entre personas.

SEIZOKU SEX JACK

Dir. Koji Wakamatsu

La época de 1968 trajo consigo una serie de inquietudes a los corazones de la juventud alrededor del mundo. En México nadie olvida el 2 de octubre, pero muchos ignoran que sucesos similares a los de Tlatelolco sucedieron al mismo tiempo en lugares como Francia y Okinawa. Es en esta época y bajo estas condiciones que nace Sex Jack, un relato perturbador acerca de un grupo de jóvenes revolucionarios –inspirados en la liga de estudiantes comunistas de Japón, los Zengakuren– que permanecen en un cuarto con un ladrón, ocultos y atrapados al mismo tiempo. Sex Jack surge como una llamada de atención a los grupos que participan de estos movimientos, y es sin duda una de las cintas más representativas del género de "pink film" que Adachi explotó al lado del director Koji Wakamatsu.

L’ANABASE DE MAY ET FUSAKO SHIGENOBU, MASAO ADACHI ET 27 ANNÉES SANS IMAGES

Dir. Eric Baudelaire

Eric Baudelaire hace uso de la teoría del paisaje perfeccionada por Adachi para dar a conocer el testimonio de dos personajes que nunca aparecen en pantalla: May Fusako y Masao Adachi. El documental intercala imágenes de Beirut y de Japón mientras se escuchan los relatos de Fusako y Adachi, que tratan sobre el exilio, los actos revolucionarios y el cine. Esta cinta da a conocer los sucesos que terminaron por conjugar la vida política de Adachi con su obra artística, y la manera en que su visión cinematográfica se alteró de manera drástica, desde los viscerales y gráficos “pink films” hasta los experimentos cinematográficos que se valieron de la teoría del paisaje para contar una historia.

KOSHIKEI | MUERTE EN LA HORCA | DEATH BY HANGING

Dir. Nagisa Oshima

Un joven asesino está a punto de cumplir su sentencia de muerte en la horca, pero antes se nos plantea una pregunta que debemos tener en mente durante la película: “¿Crees que la pena de muerte debe ser abolida?” Es algo que muchos de nosotros nos hemos preguntado en algún momento, y si ya tenemos una respuesta esto no presentará ningún conflicto. Lo difícil viene con la pregunta que formula a continuación: “¿Alguna vez has estado presente en una ejecución?”, y de esa manera Oshima junta al público de un solo lado. Es difícil encontrar a una persona que haya presenciado una ejecución, y sobre todo en México donde la pena de muerte prácticamente no existe.

En Koshikei, un grupo de hombres intenta moldear a un delincuente sin memoria para que vuelva a ser un criminal y así poder sentenciarlo a muerte. La culpa, la conciencia y la personalidad son manipuladas por este grupo que representa a una sociedad entera, y el joven al que intentan condenar representa la decadencia de la individualidad dentro de esta sociedad.

TENSHI NO KOKOTSU | ÉXTASIS DE LOS ÁNGELES | ECSTASY OF THE ANGELS

Dir. Koji Wakamatsu

Un grupo de estudiantes que han adoptado los nombres de los días de la semana realiza un ataque infructuoso en una base militar estadounidense. Algunas explosiones de color llenan esta cinta plagada de erotismo y crítica hacia la política, y también hacia las facciones revolucionarias, exponiendo la fragilidad de los ideales y las posibles consecuencias de sus acciones. Al igual que en cintas como Sex Jack, en Éxtasis de los ángeles, –uno de los “pink films” más extremos de Wakamatsu y Adachi–, el caos comienza en el momento en que el orden revolucionario se afecta, lo que conducirá a la anarquía y la decadencia de quienes luchan contra el gobierno.

Experimentos afortunados

Además del tributo a Masao Adachi, la segunda edición del FICUNAM reservó un espacio al director austriaco Peter Tscherkassky, famoso por una fecunda obra en donde se vale del cine experimental para cuestionar las bases de la cinematografía tradicional. La sección de Retrospectiva de Peter Tscherkassky presentó dos programas de cortometrajes del director austriaco, curados por él mismo, en donde se incluyó una de sus obras más importantes, la Trilogía Cinemascope, en donde juega con el montaje y los efectos visuales para construir una obra poco convencional en donde la fragmentación de imágenes es indispensable. Las partes de esta trilogía –L'Arrivée, Outer Space, y Dream Work– se proyectaron en el Programa 1 con la presencia del director. Además, Tscherkassky dio una Conferencia Magistral que tuvo como objetivo desentrañar el cortometraje Instructions for a Light and Sound Machine, en donde el protagonista sufre una especie de condena y muerte cinematográfica dictadas por el director de la película.

La lucha por el Puma

La Competencia Internacional de Largometraje representa una oportunidad para talentos jóvenes de distintos continentes que han realizado menos de tres largometrajes en su carrera. Las películas que se proyectaron en esta sección fueron muy variadas, y las diferencias entre una y otra fueron en verdad radicales.

VIKINGLAND

Dir. Xurxo Chirro

Una fuerte dosis de realismo, tedio e incluso narcisismo, producto del ocio de un marinero español de nombre Luis Lomba. Vikingland se compone de dos tipos de imágenes: las que presentan a Lomba en el interior de un barco que lo lleva por las frías aguas de Dinamarca y Alemania, y las que muestran el congelado paisaje que, sin importar la distancia recorrida, parece siempre el mismo. El largometraje del director Xurxo Chirro es una recopilación y selección de algunos momentos del monótono viaje de Lomba, y es también un reto a la paciencia del espectador, quien al ver esta cinta debe descifrar las miradas perdidas de Lomba y su verdadera motivación para guardar el registro de un viaje en el que no pasa nada, o casi nada.

DE JUEVES A DOMINGO

Dir. Dominga Sotomayor

La ópera prima de la joven chilena Sotomayor, ganadora del Tiger Award en el Festival de Rotterdam, recuerda en sus mejores momentos al cine femenino, tenso en su falsa pasividad y elocuente de la argentina Lucrecia Martel. Se trata de un roadtrip por el sur de Chile, desde el punto de vista de unos niños hermanos que atestiguan del ocaso de la relación de sus padres. Sin explicaciones obvias, con pocos diálogos, la audiencia, a la par de los niños, poco a poco irá entendiendo por qué esas dos personas se han vuelto insoportables la una para la otra. Quizá demasiado larga o tal vez porque gran parte de la asfixia de la relación la vivimos dentro de un pequeño auto, la película no se mantiene a la altura de sus posibilidades. Sin embargo, es un primer trabajo que augura un buen futuro para su directora.

UN AMOR DE JUVENTUD – UN AMOR DE JEUNESSE

Dir. Mia Hansen-Løve

En 2009, con solo 29 años, Hansen-Løve ganó el Premio del Jurado en Cannes con una historia sobre un productor de cine de autor a quien las deudas y las presiones lo hacen apretar el gatillo contra su nuca. Ese mismo retrato fresco y cercano de las familias francesas cuyas vidas transcurren entre la ciudad y el campo lo vemos de Un amor de juventud, aunque con una historia más naive, contada con más holgura que su cinta previa, sobre dos personas cuyo amor comienza en la adolescencia y parece no querer terminar jamás, igual que la película.

INTERIOR/EXTERIOR

Dir. Mauricio Novelo

Un documental sobre Japón hecho a partir de la curiosidad extranjera. Interior/Exterior explora los aspectos de la cultura oriental haciendo énfasis en las cualidades que la separan de nuestra sociedad. Un arquitecto, un calígrafo, una tatuadora, un músico, un artista plástico y una bailarina hablan sobre su postura con respecto al arte y la manera en que cada persona percibe el mundo a partir de un enfoque artístico particular. Estas personas están seguras de su trabajo y nos presentan su postura tajantemente, de manera que nos encontramos con aseveraciones como “actuar con libertad, no significa que la obra haya tenido calidad; un artista se debe tomar muy en serio su libertad”, y “la pornografía es más honesta porque no está tan contaminada como en las expresiones artísticas más refinadas”. Con todas esas diferencias abismales que los separan de Occidente, los entrevistados no temen mostrarnos un mundo de intervalos del que podríamos aprender muchas cosas.

LOW DEFINITION CONTROL – MALFUNCTIONS #0 | CONTROL DE BAJA RESOLUCIÓN – FALLA # 0

Dir. Michael Palm

El Gran Hermano existe, y no es el vulgar recurso propagandístico de las televisoras que se ha difundido por el mundo desde hace unos años. El Gran Hermano existe como parte vital de la vida en las ciudades; entre más capitalista sea el lugar, mejor vigilado estarás. Pero esto no es de ninguna manera algo que nos deba hacer sentir seguros. Control de baja resolución adopta la posición del ojo del Gran Hermano, la mirada de la ciudad sobre sus habitantes, con una narración que explica el poder que las grabaciones tienen sobre nosotros. La presencia de una cámara de video es suficiente para alterar nuestra conducta ante la vida, e incluso cuando no percibimos el aparato, nos encontramos ante la amenaza de un vigilante oculto cerca de nosotros. Las imágenes opacas que Michael Palm nos presenta con un lente borroso son escenas cotidianas de la vida real que, al ser sometidas a un contexto voyeurista, resultan terriblemente inquietantes.

Z DALEKA WIDOK JEST PIEKNY | SE VE LINDO A LA DISTANCIA | IT LOOKS PRETTY FROM A DISTANCE

Dir. Anka & Wilhelm Sasnal

Una historia está construida a partir de silencios y paisajes verdes que, no obstante, difícilmente parecerán apacibles al espectador dentro del contexto de este relato. La película trata de un joven que le da la espalda a cualquier tipo de responsabilidad, de su novia que debe encargarse de las labores que aquél no terminó, y de las personas agrestes que conforman la población de la aldea en la que se desarrolla la historia. Se ve lindo a la distancia es un relato que se esfuerza poco –o casi nada– por provocar en el espectador un sentimiento de empatía por los personajes, ya que los despoja de cualquier gesto que pueda transmitir calidez humana. Sin embargo, es fácil distinguir en las vidas de estas personas aquellos símbolos de decadencia que definen a la sociedad en cualquier lugar del mundo.

YATASTO

Dir. Hermes Paralluelo

La cinta ganadora del Puma a Mejor Película es también la ópera prima de Hermes Paralluelo. Yatasto es un relato que gira en torno a la vida de tres niños que comparten sus días trabajando como cartoneros en Villa Urquiza, Argentina. La esperanza prevalece entre los escenarios pobres que día a día recorren Bebo, Pata y Ricardo para poder sobrevivir, y es a través de la perspectiva inocente del más pequeño de ellos, Ricardo, que podemos conocer la fuerza necesaria para salir adelante en un lugar hostil para los niños. El trabajo nunca termina, pero la vitalidad y buen humor de los niños tampoco, por lo que Yatasto es también una historia que no se reduce al dramatismo de la difícil situación en la que se encuentran los personajes.

El espacio para México

Al igual que las películas de la Competencia Internacional de Largometrajes, en la sección Ahora México se presentó una breve selección de películas mexicanas que concursaron por un premio en efectivo y su transmisión por TVUNAM.

EL LENGUAJE DE LOS MACHETES | MACHETE LANGUAGE

Dir. Kyzza Terrazas

Ramona (Jessy Bulbo) y Raymundo (Andrés Almeida) son una pareja que basa sus ideales en la protesta y el enfrentamiento a cualquier tipo de orden establecido. La película comienza en punto de su relación en que tanto la inestabilidad emocional como la intelectual ponen en evidencia la debilidad de su amor y la falta de motivos para sustentarlo. Luego de que Raymundo sea testigo de la violencia en la manifestación de Atenco, su mundo se vendrá abajo junto con el de Ramona, quien de pronto empieza a darse cuenta que no están hechos el uno para el otro.

Al término de la función se presentó el director Kyzza Terrazas, Jessy Bulbo y varias personas del equipo de filmación. Terrazas hizo énfasis en los aspectos controversiales del filme, entre los que se encuentran la personificación de la Virgen María por parte de la anárquica protagonista, Ramona, y una escena en particular que se desarrolla en la Basílica de Guadalupe. A esto hay que sumar una cinematografía que a veces raya en lo caótico, con una cámara inestable que graba primeros planos en cuartos oscuros donde apenas se distinguen las siluetas de los personajes. De acuerdo a Christian Rivera, el director de fotografía, todo esto tiene como propósito una metáfora de la mente inestable de los protagonistas, quienes en pleno clímax emprenden un viaje catártico –típico de una road movie– que definirá el futuro de su relación y, posiblemente, el futuro de una sociedad.

El lenguaje de los machetes se exhibió por primera vez en la sección de largometrajes mexicanos de la novena edición del Festival Internacional de Cine de Morelia, y desde entonces ha sido bien recibida por el público mexicano. Gran parte del éxito de la película se debe al papel protagónico de la ex vocalista de las Ultrasónicas, Jessy Bulbo, quien obviamente no tuvo muchas dificultades para interpretar a la líder rebelde de un grupo de punk-rock.

ETNOCIDIO: NOTAS SOBRE EL MEZQUITAL | ETHNOCIDE: NOTES ON EL MEZQUITAL

Dir. Paul Leduc

Etnocidio: Notas sobre el Mezquital es el resultado de la investigación realizada por el antropólogo Roger Bartra sobre la gente del Valle del Mezquital. Leduc muestra a los otomís como una parte fundamental de la cultura mexicana que se ha visto reducida Se trata de un recorrido por la cultura de una sociedad desafortunada cuyo bienestar queda a manos de todo tipo de gente, desde extranjeros hasta compatriotas, y Leduc expone sin adornos la manera en que los otomís se han vuelto con el tiempo cada vez más ajenos al mundo que los rodea.

El documental se divide en capítulos acomodados en orden alfabético, y cada uno aborda un aspecto en específico de la civilización otomí. Uno de los más interesantes se centra en un campesino que lee un documento que contiene parte de la historia de este pueblo. En el documento se habla de la batalla interminable que se remonta hasta los tiempos prehispánicos, donde los otomís tuvieron que enfrentarse a otros pueblos como el tolteca para preservar su cultura.

Etnocidio es una historia sobre opresión, y resulta curioso ver cómo la vida de estas personas con las que compartimos un país y una historia pueden ser tan ajenos ante nuestros ojos, hasta el punto en que la cámara parece un verdadero intruso al momento de filmar.

Un rebelde con causa

Quizás el nombre más conocido del festival haya sido el de Nicholas Ray, director de la película que estableció a James Dean como un icono de la juventud estadounidense, Rebelde sin causa. El festival reservó un espacio para su película experimental No podemos regresar a casa y No esperes demasiado, dirigido por su esposa Susan.

WE CAN’T GO HOME AGAIN | NO PODEMOS REGRESAR A CASA

Dir. Nicholas Ray

Nicholas Ray es el maestro, amigo y mentor de un grupo de estudiantes que necesitan urgentemente una figura que los oriente en la catastrófica época que se encuentran viviendo. Pero Ray es, no obstante, un artista, y los artistas no maduran, sólo perfeccionan su trabajo. Ésta es la esencia de No podemos regresar a casa, una cinta que experimenta con las imágenes, el sonido, e incluso las actuaciones de sus personajes. Es una película que juega con nuestra percepción y con cualquier expectativa que tengamos –siempre y cuando basemos nuestras expectativas en la experiencia de cualquier proyección a la que hayamos asistido en el pasado. Al inicio vemos imágenes contenidas en cuadros que empiezan a ocupar un lugar en la pantalla, a veces fijos y otras variables. De esta manera, Ray utiliza técnicas experimentales para contar una historia surreal en donde la comprensión de los personajes se vale de colores chillantes que simbolizan las emociones de los personajes, y donde distintas imágenes en pantalla pueden aportar diferentes matices a una misma historia.

Aciertos

La sección de Aciertos fue una de las mejores y más variadas del festival. De acuerdo con Eva Sangiorgi, en esta sección se reunieron proyectos de escuelas de distintos países con la finalidad de presentar el nivel y la visión de los estudiantes de cine fuera de México.

RÉQUIEM PARA LA ETERNIDAD | REQUIEM FOR ETERNITY

Dir. Alberto Resendiz Gómez

Un poema cinematográfico que utiliza imágenes para proyectar los momentos esenciales en la lucha que el cineasta Alberto Resendiz libró contra el cáncer en el 2007. La cámara retoma el recorrido de Resendiz luego de que se enterara de su enfermedad, y subraya el vacío en los paisajes para representar la soledad de la figura ausente del director.

CÃO | PERRO |

Dir. Iris Junges

Una mujer de nombre Jeanne se encuentra con un amor pasado y descubre algo nuevo de él que siempre estuvo ante sus ojos. Ahora ella emprenderá un viaje alegórico por paisajes del pasado para explorar y revivir una relación en la que quizás no estuvo tan presente después de todo.

HUINKA

Dir. Esteban Font

Carolina llega a una ciudad nueva para reencontrarse con un amor del pasado, y en vez de reconciliación, lo único que encuentra es decepción. Huinka es una historia de desamor en donde la evolución del personaje de Carolina en un par de minutos le da fuerza a los personajes y escenarios que la rodean.

ALTER EGO

Dir. Ríguel Salema

Una mujer llamada Ileana sueña que recibe un papel borroso en donde supuestamente se encuentra escrito su nuevo número telefónico. Al despertar, comienza a recibir llamadas telefónicas de una mujer que parece saber mucho sobre Ileana, aunque ella no la conozca. Ésta es una ingeniosa historia llena de paranoia en donde el director Riguel Salema transforma un objeto tan cotidiano como el teléfono en un símbolo de amenaza y locura.

MUÑECAS | DOLLS

Dir. Miguel Salgado

Una historia cruel sobre el abuso infantil en donde un padre utiliza la música como excusa para violar a su hija, ya sea como premio o castigo por desempeño. Muñecas presenta a una familia en donde los hijos se encuentran desarmados ante el abuso del padre no sólo por su impotencia, sino por la ignorancia de la madre, lo que conducirá a la hija mayor, Valeria, a tomar medidas atroces para remediar el problema.

 
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