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28 Festival Internacional de Cine de Guadalajara
Publicado el 11 - Mar - 2013
 
 
  • Del 1 al 9 de marzo, 2013. El Festival Internacional de Cine de Guadalajara tuvo este año a bien usar el acogedor slogan: por el gusto de reencontrarnos.  - ENFILME.COM
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El Festival Internacional de Cine de Guadalajara tuvo este año a bien usar el acogedor slogan: por el gusto de reencontrarnos. Y no es que solo dé gusto reencontrarse en Guadalajara o con cualquiera, pero estas cinco palabras rescatan uno de las mejores sensaciones de estar en un festival. Te reencuentras con gente que, como tú en ese momento, está teniendo un reencuentro intenso con la pantalla.

Esta edición del festival estuvo dedicada al cine de los países nórdicos. Los respectivos institutos cinematográficos de Dinamarca, Finlandia, Islandia, Noruega y Suecia ofrecieron una selección  abrió con tres homenajes acompañados de sus tres respectivos premios Mayahuel: a un optimista y orgulloso abuelo, Ernesto Gómez Cruz; a una elegantísima Ángela Molina de terciopelo rojo, tacones de aguja y 57 años, y a un simpático director sueco, Jan Troell, que de alguna manera representaba al invitado especial de este año del festival, los países nórdicos.

 

Kon-Tiki: ★★★★1/2

Dir. Joachim Rønning, Espen Sandberg (Noruega, 2012)

El filme de apertura fue Kon Ti-ki, trabajo noruego nominado al Oscar por Mejor Película Extranjera, basado en los hechos reales sobre un antropólogo que para probar su teoría que afirmaba que los habitantes de las polinesias provenían de Perú, emprende una expedición idéntica a la realizada 1,500 años antes en una barca ligera a base de troncos, con una tripulación de cinco hombres. Se trata de un filme en varios sentidos similar a Life of Pi que aunque no deja de ser uno de los trabajos más relevantes del 2012, al lado de la producción nórdica se queda como demasiado fantástica y ligeramente melosa, incluso algo larga. Por su parte, los directores Joachim Rønning y Espen Sandberg matienen sin vértigos innecesarios ni vueltas de tuerca rebuscadas una tensión y un interés genuinos basados en la interacción de los personajes con su entorno claustrofóbico y abismal, a veces placentera, otras entusiasta y muchas más de tensión, en su buen humor, e incluso en sus reflexiones poéticamente honestas sobre el hombre y su lugar en la naturaleza.

 

Besos de azúcar: ★★1/2✩✩

Dir. Carlos Cuarón (México, 2013)

Carlos Cuarón crea otra vez un cuento de aventuras basado en la relación de dos personajes centrales. Esta vez, son dos pubertos enamorados. La historia se sitúa en el corazón de Tepito, fotografiado en la amplitud de sus laberintos de miseria económica y moral sin dejo de culpas burguesas, y refrescado con sonatas de Beethoven. El niño es hijo de una policía corrupta. La niña, de una líder del ambulantaje pornográfico quien cuenta, entre sus protegidos, con el padrastro de su calenturiento pretendiente. La interacción entre la redondez de los personajes, con la exageración que los actores ponen en sus caracterizaciones, sobre todo los adultos, hacen que el homenaje a Los 400 golpes se desvanezca y que la historia de Romeo y Julieta se quede en estampilla, sin demasiada tragedia.

 

Blancanieves: ★★★★✩

Dir. Pablo Berger (España, 2012)

Hasta antes esta producción española, el clásico de los hermanos Grimm apestaba, sobre todo, a Disney. En blanco y negro, y muda, Pablo Berger ha sabido recuperar el terror y la maldad, pero también la inocencia del original, con una adaptación andaluza de la historia sobre una niña huérfana de blanco cutis y oscuros cabellos, protegida por un séquito de enanos y maltratada por su vanidosa madrastra. Aquí, la liga de Blancanieves a la vida es, antes que el mágico amor, la sangre, que siempre llama, y que le da un talento en la vida: el ser una de las mejores toreras de la historia. Berger construye esta inherente afición entre bailes, deseos frustrados, pérdidas, recuerdos, oníricas visiones, audaces transiciones, reveladores close-ups y fluidas coreografías, en un formato aparentemente inadecuado para los matices. Afortunadamente para los espectadores el ‘para siempre’ del punto final, no tiene nada que ver con los príncipes azules que pueblan los sueños de las niñas y adultas, amantes de las ‘princesas’.

SOR (@SofOchoa)

 

Call Girl: ★★★★✩

(Dir. Mikael Marcimain, Suecia, 2012)

Varios puntos quedan claros con este filme: La destreza y gran pulso con que los suecos plantean, desarrollan y resuelven los thrillers policiacos (Tinker, Tailor…, la saga Millenium, Call Girl); que una sociedad tan civilizada como la sueca no está exenta de generar una clase política tan podrida, corrupta y degenerada como la de cualquier otro país (México, por ejemplo); que detrás del ondeo de ciertas banderas de liberalidad moral se pueden camuflar intereses mórbidos; que los países más liberales en ocasiones son precursores de retorcidos libertinajes; que el rango histriónico de Pernilla August no tiene límites.

El filme está basado en un escándalo político que sacudió a Suecia en los setenta. Una madame, Dagmar Glans (sensacionalmente interpretada por August), proveía de prostitutas, incluso menores de edad, a toda clase de miembros honorables de la sociedad, incluyendo figuras eminentes del gobierno, desde ministros hasta el Primer Ministro, al tiempo que el gobierno intentaba realizar una reforma en el sistema penal para flexibilizar las penas por delitos sexuales. Paralelamente, una comisión gubernamental que investigaba los detalles y alcances de los crímenes de Glans es fatalmente saboteada desde el propio gobierno.

El ritmo y la ejecución de cada una de las secuencias es formidable; como lo es también la elección del soundtrack (más glam que disco, con Bowie y Roxy Music, aunque también con Abba) y el trabajo actoral de todo el reparto. Este filme exige ser estranado comercialmente en México.

 

Profundo: ★★★1/2✩

(Dir. Baltasar Kormákur, Islandia, 2012)

Este filme también está basado en hechos reales. Un grupo de marineros sufre un accidente en altamar mientras pescaban, de madrugada; el barco naufraga y todos los tripulantes fallecen, menos uno, Gulli, quien inconcebiblemente supera los embates del mar, el frío del agua que mató de hipotermia a varios de sus compañeros, y lo áspero de la tierra que lo salva del océano. Hospitalizado de emergencia, una vez que salva la gravedad y se recupera, el caso de Gulli es analizado por científicos (incluso extranjeros) que no se explican cómo es que pudo sobrevivir en condiciones tan adversas.

Kormákur estuvo presente al final de la proyección para platicar de su filme, en el que ostenta la facilidad que tiene (ha trabajado ya en Hollywood) para filmar situaciones complicadas con gran pericia. Pero no sólo se limita a ese espectáculo, aprovecha el tema para hacer, aunque distante, observación social de la forma en que vive la gente de una pequeña islandesa que fue castigada por la erupción de un volcán y, como él mismo reconoció, intenta hacer una metáfora de la bancarrota en que cayó su país en el 2008, a partir de mostrar la esperanza como un poderoso motor de supervivencia.

AFD (@SirPon)

The Idiots: ★★★★✩

Dir. Lars Von Trier (España, Dinamarca, Suecia, Francia, Países Bajos, Italia, 1998)

Cuánto ruido causó su estreno, en el ya lejano 1998. Recién había hecho la que, para mí, es la única obra maestra de su admirable carrera (Breaking the Waves), y su respuesta inmediata fue, junto con Thomas Vinterberg, hacer un provocador manifiesto, el Dogma. Los idiotas fue el segundo filme firmado bajo esa causa y, a la distancia, y en pantalla grande, se ve tan viva que 15 años después, cuando la propuesta del danés ha evolucionado permanentemente, el estilo y formato de Los idiotas sigue omnipresente en filmes menores y medianos del circuito de arte.

De lo que esos filmes adolecen es de la fiereza y el carácter de Von Trier para, sí, provocar de manera casi infantil, pero dotando a sus dardos de sustancia espesa. Los idiotas, así les llaman despectiva y discriminatoriamente muchos, son las personas discapacitadas con retraso; pero también son los burgueses mediocres que se conforman con que el progreso en la vida se limite a lo económico; pero igualmente son los rebeldes, contestatarios, hipócritas que montan un juego provocador inocuo que ni siquiera se atreven a llevar a sus últimas consecuencias. Sí, idiota es Von Trier y, claro, idiotas somos todos.

AFD (@SirPon)

Ciudadano Buelna: ★★★1/2✩

Dir. Felipe Cazals (México, 2012)

Felipe Cazals tiene una relación de amor con la historia de México. En Ciudadano Buelna rescata a un personaje poco conocido de la Revolución Mexicana, Rafael Buelna, que, según cuenta Cazals, fue de los pocos caudillos que peleó hasta el final con convicción e ideales de sustento. Entre sus hazañas están haberle perdonado la vida a Obregón y a Cárdenas. El filme recae enteramente en este personaje a cargo de Sebastián Zurita, que ofrece una actuación desigual, recatada por momentos, melodramática en otros, que no le son exclusivos, pues otros miembros del cast también recurren a este tono. Existe una clara intención de Cazals de demeritar a quienes, según la historia oficial, son los héroes de la época y relacionarlos directamente con la corrupción y la hipocresía del PRI de hoy en día. Esto se logra con calma durante los primeros tres cuartos del filme. Hacia el final busca reivindicar los valores socialistas a través de Buelna y su relación con Cárdenas, sin demasiado tiempo, de forma un tanto abrupta.

El huaso: ★★★✩✩

(Dir. Carlos Guillermo Proto, Chile / Canadá, 2012)

Una de las riquezas de los festivales es la oportunidad que te dan de descubrir, a través de una programación que incluye filmes que muy probablemente el público jamás volverá a tener la oportunidad de ver en pantalla grande, y de la presencia de los invitados, que están ahí para darle otra perspectiva a sus trabajos. En el caso de la función de El huaso la presencia del director para contestar preguntas al terminar, le dio a su filme otra perspectiva y profundidad.

El documental sigue a un emigrante triunfador chileno en Canadá, de casi sesenta años, que medita sobre suicidarse porque cree que padecerá Alzheimer, enfermedad que acabó con la vida de su madre. Quizá de manera que, desde fuera, pueda parecer un tanto melodramática, el hombre sostiene largas pláticas con su amorosa familia sobre sus razones para darse muerte, a pesar incluso de su fe en Dios. Poco a poco, siguiéndolo en su vida diaria, en sus viajes a Chile, sus visitas al médico, las tumultuosas pláticas con su hijo, descubrimos que sus razones no son tan importantes, más bien parece estar cumpliendo con un destino que le fue dado de origen, pues su padre también se suicidó. La sorpresa al final de la función es que el hijo es quien filmó el documental, a manera de terapia, como explicó. Estuvo dispuesto a contestar cualquier pregunta a pesar de lo doloroso de su experiencia.

Puerto desnudo (Vuosaari): ★★★✩✩

Dir. Aku Louhimies (Finlandia, 2012)

Sin demasiados reclamos en la producción, la dirección, la fotografía y el ritmo, el finlandés Aku Louhimies explora territorios ya conocidos con un filme realizado a partir de diversas viñetas que abarcan una buena parte de la sociedad de este nórdico país. Un adolescente que desea ser famosa y que en casa no recibe atención del padre. Un niño de siete años cuya principal compañía es un perro, pues su madre trabaja casi todo el día. Una pareja de junkies sin dirección. Un niño que es bulleado en la escuela. Un matrimonio en picada. Un padre obsesionado con su peso. Una madre que está a punto de dejar huérfana a una niña pues está muriendo de cáncer. Todos, retratos de una asfixiante soledad y una desesperante frustración en un país que tiene al blanco como color dominante en su paisaje. El formato no es original en lo absoluto, y ostenta un grado de dificultad que solo directores como Robert Altman en Short Cuts (1993) son capaces de sortear con fluidez y éxito, sin dejar cabos sueltos, ni en manipulaciones como en las que incurre Louhimies, que muestra una crueldad excepcional con sus personajes, solo para rescatarlos en la curva de salida.

SOR (@SofOchoa

 

Tanta agua: ★★★1/2✩

(Dir. Ana Guevara, Leticia Jorge, Uruguay / México / Holanda, 2012)

Tanta agua se centra en la sencilla historia de reconciliación entre un padre separado de su familia y su hija adolescente. Ellos dos y el pequeño Federico se van de vacaciones a un balneario uruguayo donde en un inicio no para de llover. El padre se esfuerza en demasía tratando de hacer pasar un buen rato a sus chicos, y fracasa en igual medida. El paso de los días permite que cada uno de los tres miembros vaya ganando su espacio, desarrollándose sin tanto forcejeo y, entonces, comiencen a conocerse, a aceptarse, a reencontrarse, a quererse. Se trata de una dulce y sencilla película que saca sonrisas constantes, concentrada en el desarrollo de personajes a base de bien ponderados detalles, muy sutil, femenina y, al final, soleada.

SOR (@SofOchoa)

 

Un secuestro: ★★★1/2✩

(Kapringen, Dir. Tobias Lindholm, Dinamarca 2012)

 

Ya hemos hablado en esta crónica dedicada al FICG, sobre el talento de los nórdicos para el thriller. En Un secuestro, Tobias Lindholm hace gala de esta habilidad con una historia sobre un carguero danés que es secuestrado por un grupo de piratas somalíes. Su liberación depende de que los secuestradores no enloquezcan y de que lleguen a un acuerdo sobre la cifra del rescate con el CEO de la compañía que les da trabajo a los cautivos. Los días, los meses transcurren, cada hombre desde su posición se desgasta, pero vamos entendiendo por qué el caso no puede cerrarse rápidamente. Concluir este negocio requiere de nervios, sufrimiento, desesperación, enojo. Si es que sucede, solo puede ser de esta manera. No es lo mismo el acto de negociar para cerrar un trato que te ahorre unos cuantos millones de dólares (como durante el planteamiento de la trama vemos que los daneses hacen con los japoneses), que hacerlo cuando las vidas de tus empleados están en riesgo, y cuando con quien negocian no se ciñe a reglas.

SOR (@SofOchoa) y AFD (@Sirpon)

Rumbo al norte: ★★✩✩✩ 

(Tie pohjoiseen, Dir. Mika Kaurismäki (Finlandia, 2012)

No es lo mismo Aki que Mika Kaurismäki. Mientras el humor del primero es seco, el de su hermano, específicamente en Rumbo al norte, es simplón. Mientras los personajes de Aki parecen brotados de tierra finlandesa, los del segundo son copias desdibujadas de prototipos de comedia hollywoodense. Este road trip es un descarado y absurdo encuentro entre un pianista famoso y su padre que no ve desde muchos años atrás, más de 30. Lo acepta de inmediato, sin rencores y solo con una pregunta, quién es su madre, pues la suya, según descubre, era adoptiva. Tampoco tiene problema alguno en digerir que tiene una hermana, ni en pasar momentos absurdos de drogas y alcohol con el esposo de ella, que es un personaje desagradabilísimo. El filme tiene un episodio sacado de la magnífica referencia Heartbreakers (2001) donde Sigourney Weaver y Jennifer Love Hewitt interpretan a un par de ladronas que seducen y se acuestan con hombres para conseguir su dinero. El guión parece escrito con prisa y flojera. Con poca sensatez.

SOR (@SofOchoa)

 

Liv & Ingmar: ★★★★✩

(Dir. Dheeraj Akolkar, Noruega, 2012)

 

Definitivamente una de las parejas más cautivantes en la historia del cine ha sido la del director Ingmar Bergman y la actriz (y después directora) Liv Ullmann. La tormentosa relación inició cuando, al conocerla, Ingmar escribió con ella y Bibi Andersson en mente la, en mi opinión, mejor película que jamás se haya hecho: Persona (1966). A partir de entonces, nunca más se separaron. Primero, porque de inmediato se enamoraron, dejaron a sus respectivos esposos de aquel entonces, se fueron a vivir juntos y tuvieron una hija. Después, porque pese a que su vida en común fue tempestuosa, incluso violenta, y efímera, su amistad fue amorosa, leal y permanente, hasta la muerte de Ingmar. Además, durante todos esos años, los de amantes y los de amigos, no dejaron de trabajar juntos (filmaron diez películas, entre ellas obras maestras como Shame, 1968; Hour of the Wolf, 1968; y Cries and Whispers, 1972). El documental, que evidentemente es visto más desde la perspectiva de Liv (en parte basada en su autobiografía Changing, de 1977), aprovecha el encanto de la fenomenal actriz, su articulación verbal, la evocación de sus recuerdos y la fuerza de sus ojos azules y mezcla con tino el caudal de sensacionales imágenes de archivo a las que tuvo acceso el director, con la presencia de Liv desde la famosa casa de la isla de Faro que Bergman construyó para ellos, en la que se quedó a vivir para siempre y en la que Liv, pese a que al rompimiento tuvo que abandonar, filmó su enérgico filme Trolösa (2000), basado en un guión de Bergman.

El documental es emotivo, rico en anécdotas (genial la de la fabulosa secuencia de Shame), y muy evocador. Pero quizá la ausencia de Ingmar pudo haber sido compensada con más secuencias de él dirigiéndola, o mayor peso al momento de rescatar la manera en que se daba su relación creativa desde la génesis de los proyectos. De cualquier forma, se trata de una película que ningún fan de Bergman, de Ullmann, o del buen cine debería perderse.

AFD (@SirPon)

 

El limpiador: ★★★✩✩

(Dir. Adrián Saba, Perú, 2012)

La ópera prima del madrileño afincado en Perú y que estudió en la Hofsfra University de Nueva York, El limpiador, sigue los laboriosos días de Eusebio (cuyo nombre significa ‘de buenos sentimientos), que se dedica a asear los espacios –públicos y privados– en donde caen todo tipo de muertos, durante una epidemia en Lima. Los escenarios finamente escogidos, la paleta de colores y el ritmo nostálgico, evocan con efectividad una atmósfera de ciencia ficción apocalíptica, y no debido a un grandilocuente diseño de arte o a trabajados efectos especiales, sino a un buen ojo que no es del todo aprovechado por la trama ya vista en este tipo de cine latinoamericano de bajo presupuesto. Nuevamente vemos a un personaje central contenido, hermético, solitario en la ciudad, obsesionado con el orden, con un padre en un asilo, en busca de un sentido en su vida, rodeado de un ambiente que muere. Lo encuentra en alguien de otra generación, un niño huérfano.

 

La rebelión de Valhalla: ★★★1/2✩

(Valhalla Rising, Nicolas Winding Refn, Dinamarca, 2009)

 

Hace dos años, Nicolas Winding Refn ganó el premio a Mejor Director en el Festival de Cannes por Drive. El personaje principal de aquel filme (Ryan Gosling) comparte características con One Eye, el de éste (interpretado por Mads Mikkelsen). Ambos son herméticos, fuertes, luchadores violentos que ponen un bien superior por encima de ellos mismos. Pero no es lo único que comparten los filmes. Los dos tienen diseños sonoros notablemente trabajados. Y un estilo que denota inteligencia y talento. En este caso, la trama está situada en montañas nórdicas, mil años D. de C. Era prisionero y escapó para unirse a un grupo de vikingos en busca de tierra sagrada. La pesada niebla que les impide ver hacia dónde se dirige su embarcación opaca también su fe. Es One Eye que, con su ojo interior, logra vislumbrar su destino.

SOR (@SofOchoa)

 

 

Elevador: ★★★✩✩

(Adrián Ortiz Maciel, México, 2012)

El Multifamiliar Miguel Alemán de la Colonia del Valle (con sus jardines, alberca, lavandería, minisúper…) fue concebido por el arquitecto Mario Pani como un proyecto comunitario de primera para ciudadanos de primera que quisieran hacer comunidad. Era financiado por el gobierno para sus trabajadores. Cuando este flujo económico terminó, la calidad de vida comenzó a decaer. La caída llegó a tal punto que se tuvo que contratar elevadoristas no tanto para llevar a los usuarios de un piso a otro, sino para que vigilaran que algunos de sus habitantes no acabaran con ellos. En Elevador, se documentan las vidas de estos guardianes, sus motivaciones, su cansancio, sus sueños, y la efervescencia mental y –en algunos casos– intelectual que mantiene vivos a quienes ejercen una de las profesiones más estáticas y enclaustradas del mundo.

SOR (@SofOchoa)


Any Day Now: ★★★✩✩

(Cualquier día, Travis Fine, EE.UU. 2012)

El tema de la legalización de la adopción para los homosexuales se encuentra aún sin cerrar. Existen fuertes argumentos de ambos lados que permanecen en un necesario periodo de análisis. Any Day Now no aporta premisas a este debate, más bien muestra lo ciega –en sentido negativo– que puede llegar a ser la ley cuando se toman en cuenta las preferencias sexuales antes que el bienestar de los niños al momento de emitir una sentencia. Este filme basado en una historia real cuenta la historia de la primera adopción hecha por un homosexual (sin que la jueza supiera que el adoptante lo era) a un niño con síndrome de Down. Con buenas actuaciones pero una fórmula quizá demasiado convencional para el tema que plantea arriba a un final dramático y funesto.

SOR (@SofOchoa)

The Act of Killing: ★★★★★

(El acto de matar, Joshua Oppenheimer, Dinamarca-Noruega-Reino Unido, 2012)   

Para cualquiera que no haya asesinado (que somos la mayoría de los seres humanos), el acto de matar permanece como un misterio. ¿Qué mecanismos hay detrás de la mente de alguien que es capaz de accionarse a sí mismo en contra de la vida de alguien más? Joshua Oppenheimer desentraña este enigma en un contexto muy particular y con un experimento puramente cinematográfico. El resultado es estremecedor. “Horroso y surreal” dijo Herzog al verla.

En 1960, en épocas de la Guerra Fría, en Indonesia, Pancasila Youth, un grupo paramilitar, se dedicó a matar comunistas. Asesinaron a más de un millón de personas a sangre fría; fue un genocidio de uno a uno (no como los campos de concentración). En la Indonesia actual, Oppenheimer reúne a un grupo de estos asesinos y les pide que recreen los homicidios como deseen hacerlo. El resultado es variado: va desde anécdotas relatadas, descripciones de métodos infalibles, precarias puestas en escena, elaboradas puestas en escena (algunas inspiradas por películas de Hollywood, al igual que muchos crímenes), y escenarios imaginarios en los que los homicidas se reúnen con sus víctimas. La jactancia atroz y escalofriante de los culpables –que se asumen pequeños héroes– respaldada por la postura actual gubernamental y de los medios es indignante y perturbadora. Todo el documental es un despliegue hipnótico y avasallador del poder del cine –en su mejor y su peor sentido. Especialmente hacia el final, cuando uno de los asesinos, el más articulado, en una imitación de una película de gangsters, interpreta el papel de víctima.  

SOR (@SofOchoa)


Miradas múltiples: ★★★1/2✩

El filme rescata la fastuosidad de la mirada de Gabriel Figueroa, la forma en que se regodeaba iluminando una secuencia, pero también componiendo la imagen e, incluso, orquestando la coreografía óptima para ser captada por su cámara. Sí, es verdad: en ocasiones –no pocas– su labor terminaba eclipsando, sino es que de plano negando la tarea del realizador. Muchas de las películas en las que trabajó tienen como único valor su fotografía. Y Miradas múltiples (La máquina loca) no teme, como en fotograma del propio Figueroa, mostrar los claroscuros de su aportación al cine. Para hacerlo, Maillé recurre a toda una auténtica antología, y muy amplia, de cinefotógrafos de estirpe. Raoul Coutard (Truffaut y Godard), Shoji Ueda (Kurosawa), Ricardo Aronovich (Scola, Resnais), Benoit Debie (Noé, Korine), Hideo Yamamoto (Shimizu, Kitano, Miike), Giuseppe Rotuno (Fellini, Gilliam) Haskel Wexler (Forman, Tamahori), Larry Smith (Kubrick, Winding Refn), Phillipe Rousselot (Chéreau, Burton), César Charlone (Meirelles), Anthony Dod Mantle (Von Trier, Boyle), Affonso Beato (Almodóvar, Frears), Walter Carvalho (Babenco, Salles), el también mexicano, Gabriel Beristáin (Jarman, Del Toro), Janusz Kaminski (Spielberg, Schnabel), Christopher Doyle (Yimou, Ratanaruang, Kar-wai), Vitorio Storaro (Ford Coppola, Bertolucci, Saura), Javier Aguirresarobe (Amenábar, Allen) y, aunque no lo crean, varios, varios más; todos ellos expresan su admiración por la calidad de su trabajo. Es decir, DP’s que han colaborado con muchos de los grandes directores de la historia del cine, desde jóvenes hasta veteranos, hablando de la manera en que la confección de imágenes de Figueroa, en distintas formas, los ha cautivado, hipnotizado y también influenciado. Algunos de ellos, lo declaran, fue después de ver el trabajo del maestro mexicano que decidieron dedicar su vida a fotografiar para cine. Unos de forma mesurada aunque siempre emotiva, otros en plan vehemente (gigantes de la luz como Doyle, Storaro, Ueda), pero todos hablando de él como nunca se han manifestado figuras prominentes del cine de ningún otro cineasta mexicano, jamás. Quizá el que habló de manera más extensa, articulada y juciosa fue Aguirresarobe; y bien podría ser su aportación la que sintetice cuánto contribuyó Gabriel Figueroa al cine mundial. Reconocía que quizá en ocasiones su meticulosidad y obsesión porque cada plano fuera de enorme belleza pudo haber actuado en detrimento de más de un filme en el que participó; buscando poner todo al servicio de su cámara y no de la historia. Pero la manera en que capturó la esencia del mexicano, a través de la construcción de mitos, sí, pero también de la recuperación de aspectos esenciales de la idiosincrasia, alumbrando detalles que nos son únicos y dando participación activa a las sombras, es que se convirtió en un genuino embajador de México en el panorama del cine mundial. Al hacerlo –rechazando siempre toda oferta de trabajar en Hollywood-, con tanta magnificencia, pasión y espíritu, se convirtió (y todas esas calificadísimas voces están para certificar, si es que todavía hay quienes quisieran poner en duda sus logros) en uno de los creadores de imágenes más rotundo en la historia del cine, con "El Indio" Fernández, con el genio Luis Buñuel y con buena parte de los directores para quienes puso a trabajar su mirada, única.

AFD (@SirPon)

 

90 minutos: ★★★✩✩

(90 Minutter, Eva Sorhaug, 2012)

Este drama noruego sigue tres historias de parejas en las que el hombre es agresor y la mujer, víctima. El orden en las calles, la atención al diseño interior de las casas donde los crímenes se realizan de manera tierna o confrontacional, ocultan una violencia palpitante y absolutamente ciega y destructiva entre miembros de la sociedad tan protegidos que una explicación social de sus actos no es tan fácil de conseguir. 

SOR (@SofOchoa)

 
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