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5º Distrital
Publicado el 18 - Jul - 2013
 
 
  • Del 4 al 9 de julio, 2013. Distrito Federal. Para  esta edición, Distrital decidió llevar su espíritu Do It Yourself a  terrenos   todavía más íntimos que las ediciones anteriores, reduciendo  la   distancia entre sus sedes y el número de películas de su programa.  - ENFILME.COM
  • Del 4 al 9 de julio, 2013. Distrito Federal. Para  esta edición, Distrital decidió llevar su espíritu Do It Yourself a  terrenos   todavía más íntimos que las ediciones anteriores, reduciendo  la   distancia entre sus sedes y el número de películas de su programa.  - ENFILME.COM
  • Del 4 al 9 de julio, 2013. Distrito Federal. Para  esta edición, Distrital decidió llevar su espíritu Do It Yourself a  terrenos   todavía más íntimos que las ediciones anteriores, reduciendo  la   distancia entre sus sedes y el número de películas de su programa.  - ENFILME.COM
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Del 4 al 9 de julio, 2013. Distrito Federal.

Este año Distrital ha decidido llevar su espíritu Do It Yourself a terrenos todavía más íntimos que las ediciones anteriores, reduciendo la distancia entre sus sedes y el número de películas de su programa. Con la máxima de Mies van der Rohe aplicada al cine, menos es más, como motor, su inauguración se llevó a cabo en el Teatro Fru Fru, un lugar reducido, pero acogedor y con una decoración Art Nouveau que aporta estilo a sus visitantes

Sin preámbulos (nada de discursos, nada de autoridades paradas en el escenario), Distrital arrancó con Peaches Does Herself.

De la sección Cuadrante 2013

Peaches Does Herself

Director: Peaches | Alemania | 2013 | 80′

Conocida en el ambiente musical por sus desinhibidas letras donde aborda, sin tapujos, formas poco convencionales del sexo, la cantante y compositora de electroclash canadiense, situada en Berlín, Peaches, dirige esta especie de musical en el que cuenta su vida desde sus inicios experimentales en la cama de su casa, hasta el momento en el que la fama y el reconocimiento mundial la hastían al punto de querer vomitar todo y salir corriendo. Peaches Does Herself explora al humano como materia sexuada, haciendo énfasis en la búsqueda aparentemente inacabable de la perfección del cuerpo transgenérico, de las opciones que cada individuo tiene para satisfacer sus deseos, y de lo ambiciosos y extravagantes que pueden llegar a ser esos anhelos. En este espectáculo de tono paródico, las líricas narran una historia encaminada a olvidar el dolor a través de la copulación. Al inicio (uno de sus mejores momentos), un profesor alemán de traje da una profunda y filosófica explicación de lo que estamos a punto de ver: una reivindicación de la masturbación femenina. Pero en este espectáculo de tono paródico, Peaches despoja a los cuerpos de misterio (y así de sensualidad). Extrañamente, el filme resulta demasiado conservador para los alcances de la transexualidad. Aún así, con su humor autodenigrante (la rival amorosa de la protagonista es una viejita, por dar un ejemplo), Peaches mantiene una curva narrativa en ascenso que crece musicalmente y culmina con un cierre divertido.

 EBS @edgarAllanys)

De la sección Estrenos Mexicanos

Regina

Director: Javier Ávila | México | 2012 | 62′

Filmada en su totalidad en Mexicali, Baja California, Regina narra la historia de un hombre victimario y carcelero de su hija y esposa. A una la mantiene encadenada –literalmente– y con bozal para que no pueda escapar de su lado, pues anhela que algún día ella pueda tomar el lugar de su madre quien es ciega. Ambas viven día a día deseando con más fuerzas morir que permanecer con vida. La ópera prima del director tijuanense Javier Ávila, tropieza con actuaciones sobrecargadas. Los planos largos que imperan en el filme distraen, pues carecen de la intensidad y el sustento suficientes para motivar la reflexión en el espectador. Si bien cojea por razones técnicas, Regina, de forma estridente, surca la distancia que normalmente nos impide ver, lo que acontece en aquellas casas que observamos a la orilla de una carretera, donde los altos muros, la distancia o la falta de interés por el otro nos mantienen en una zona cómoda.

 EBS (@edgarAllanys)

Mapa

Director: León Siminiani | España | 2012 | 85’

El director español León Siminiani nos presenta su primer largometraje de una manera caótica, indecisa y fuera de enfoque, y todo esto lo hace de manera deliberada. Su filme mezcla el documental con la ficción, pero disimula los límites entre ambos para centrar la atención en la inestabilidad emocional de su realizador, quien comienza su relato unos días después de haber sido despedido de su empleo en una cadena de televisión española. Esto le da la oportunidad de trabajar en su ópera prima, que comenzará con un viaje a la India –lleno de catarsis pasajeras provocadas por la impresión de la gente y los escenarios que encuentra en su camino– y terminará con un viaje por Madrid, en donde se da cuenta que las respuestas a todas sus preguntas siempre estuvieron cerca de su hogar. De principio a fin, su viaje –y por ende, su documental– está lleno de caos y perplejidad, obstaculizando la experiencia cinematográfica para transmitir al espectador el estado de ánimo desconcertante que acompañó a Siminiani durante su recorrido.

 

ESR (@RikyTravolta)

Zemmoa: Los inicios de la era de Acuario

Director: Zemmoa | México | 2013

Es posible que muchos nunca hayan escuchado una canción de Zemmoa, aunque conozcan de vista a la socialité que desde hace varios años se hizo famosa al deambular por los antros, bares y fiestas de la ciudad de México. Lo memorable de esta celebridad y su obra artística no es una melodía, o un atuendo en específico, o las coreografías de sus números; lo importante es brillar ante las cámaras (de cine, fotográficas o incluso imaginarias). Zemmoa ha hecho de su vida un espectáculo pop que se extiende más allá del escenario, y este documental de su autoría es una alabanza a su propia figura, la cual es enaltecida por las personas que la han acompañado en el camino. Paralelo a esto se muestran varios números de su comedia musical La era de Acuario, en donde se cuenta una especie de génesis espiritual de la artista, comenzando por su creación por parte de Zeus y su elección entre el amor, la fama y la fortuna.

 ESR (@RikyTravolta)

Retrospectiva de Léos Carax

Boy Meets Girl | 1984 | 100’

Hace dos años, la directora Marie Losier proyectó en el marco de Distrital su memorable documental The Ballad of Genesis and Lady Jaye (2011). Este año, como programadora del festival, ha traído a la ciudad uno de los sucesos cinematográficos más relevantes de los últimos años: la retrospectiva del francés Léos Carax, presentada por él mismo, el famoso por ser poco accesible, autor de Holy Motors.

 Como toda ópera prima de un enorme autor en formación, Boy Meets Girl (1984), a pesar de mostrar rasgos de un cineasta en ciernes, de contener cierta torpeza atropellada por una enorme ambición y talento, guarda en la columna de sus imágenes la poesía, las preguntas, los temas y las ideas que casi treinta años después devendrían una de las obras más libres, valerosas y portentosas de nuestros tiempos: Holy Motors. Ahí encontramos a un joven Denis Lavant, de corta estatura, y cara afilada y de rasgos agresivos como los del propio Carax, que deambula por París en una desesperada búsqueda por encontrar el amor. Y a sí mismo. Su travesía avanza a través de cortas viñetas narrativas, episodios de un viaje que al contextualizar al personaje de manera distinta lo hacen reaccionar de maneras poco previsibles. Haciendo gala de su nacionalidad, el personaje central (en realidad muchos de los secundarios también), el del chico, habla casi sin parar, contrario al casi enmudecimiento que vivía Carax en esa época, según nos platicó en la sesión de preguntas y respuestas posterior a la función. Lavant aparece en casi todos sus trabajos posteriores, incluyendo Holy Motors que le rinde tributo a su capacidad histriónica, así es que llamó mucho la atención que contara que el director y este actor, de alguna forma su alter ego, no son amigos.

SOR (@SofOchoa)

Barrel of Love

Director: Oleg Dubson | EE.UU. | 2012 | ‘76

En Barrel of Love somos acompañantes de Misha en un día de su vida, pero no como cualquier otro, éste transcurre entre la realidad y lo onírico. Empezamos en Nueva York y hacemos todo un recorrido por la ciudad hasta llegar a Coney Island, donde Misha se encuentra con Hannah, su novia. La feria abandonada y la poquísima gente que hay, se prestan para crear un escenario que constantemente se mueve de lo tangible a lo fantástico, haciéndonos sentir como si estuviéramos dentro de un sueño. Al antojo de un viejo vagabundo que pide dinero a cambio de trucos, aparecen y desaparecen patines, peluches, juguetes, bicicletas hasta zapatos, incluso él mismo está y no está, casi como un ser omnipresente cuando Misha y Hannah lo necesitan. Poco a poco descubrimos que tiene ciertas características que lo hacen un ser especial. Ahí somos testigos de la separación, los amantes se contraponen, uno frente al otro con diferentes posiciones frente a la vida, lo notamos desde que los vemos. Misha completamente vestido de negro y Hannah de blanco; él serio y solemne apenas sonríe, mientras que ella sólo tiene alegría que regalar. Así transcurre el día. Hannah parece dispuesta a dejar a Misha, pero no se decide a enfrentarlo, mientras él hace como si no se diera cuenta, entre situaciones construidas por la fantasía pero que se sienten reales.

Barrel of Love es la ópera prima de Oleg Dubson. Además de dirigir, escribe, produce, edita y actúa en la película. Su cortometraje Self (2010) participó en los festivales de cine de Berlín y Sarajevo. Se mudó a Nueva York en 1998, donde aparte de realizar cine, sigue su carrera teatral con el grupo experimental Science Project y forma parte del Laboratory Theater desde el 2003.

 

PGE (@EsPiia)

Doméstica

Director: Gabriel Mascaro | Brasil | 2012 | 75′

Un grupo de adolescentes en Brasil se da a la tarea de filmar a sus empleados domésticos durante una semana bajo su autorización. A lo largo del documental, se nos muestran los diferentes tipos de relaciones que existen entre empleados y jefes. Aparece la mujer que tiene que usar uniforme y comer en la cocina, hasta la que se considera parte de la familia y convive como igual con los demás miembros de la misma. El filme abarca un amplio espectro de historias con un hilo en común: el origen casi siempre trágico de estos hombres y mujeres que viven de hacer las labores menos envidiadas de una casa. Se trata de un experimento interesante por poner énfasis en las historias de estos trabajadores que las más de las veces son ignoradas.

 AGEM (@animalceluloide)

 Distrito X “En pie de guerra”

Seleccionados para el Festival Distrital por el escritor y director de cortometrajes Gonzalo de Pedro (Emetreinta, 2010) y el escritor Josetxo Cerdán (Una bella inquietud, 2000), En pie de guerra es una serie de cortometrajes experimentales que retratan las realidades sociales que se viven en varias partes del mundo. Los bárbaros de Jean-Gabriel Pèriot, lo integra un montaje fotográfico que propone hacer una denuncia social hacia las clases altas y los grupos de poder; Sin frontera de Sylvain George es una yuxtaposición de imágenes en blanco y negro con una musicalización aturdidora que remite a la preparación antes de una batalla; #Rushes de Jason Livingston documenta silenciosamente las manifestaciones lúdicas y pacíficas de Occupy Wall Street en Nueva York, que buscan manifestarse en contra del poder de las grandes empresas y de las evasiones fiscales de los más ricos; Empresarios y secretas de Kikol Grau emula un video musical anarquista en la España contemporánea; The Silence Between the Shots, de Lluís Escartín, recorre las calles de El Cairo durante la revolución, de la mano de diversos artistas, y La matanza del cerdo de Isaki Lacuesta es un retrato del pasado y el presente de España: un agente de bienes raíces y aficionado al cine presenta una filmación que hizo con una Súper 8 en su infancia, cuando su familia celebró las primeras elecciones libres en España, y compara ese momento con la crisis económica, social y política que vive actualmente su país.

Resalta el titulado The Silence Between the Shots que documenta la visión de los artistas egipcios –músicos, bailarines, pintores y escritores– en torno a la revolución por la que pasa Egipto actualmente y su participación activa en ella, lo que ha causado la muerte de muchos de ellos, pero que a su vez ha incentivado a que cada vez sean más los artistas dispuestos a dar sus vidas por una causa mayor.

 

AGEM (@animalceluloide) 

The Fire Flies, Francesca, Baltimore

Director: Frédéric Nauczyciel | EUA-Francia | 2013 | 42′

El director y fotógrafo francés Frédéric Nauczyciel se adentra al submundo de los voguers, a través de una comunidad ubicada en Baltimore, Estados Unidos. El proyecto comenzó con una serie de fotografías que mostraran la vida cotidiana de los suburbios de esta ciudad, pero llamó la atención del director un movimiento que se desarrollaba debajo de las calles que recorría. The Fire Flies, Francesca, Baltimore aborda a un grupo integrado por homosexuales y transexuales que desarrollan códigos y un nuevo estilo de vestir y de bailar para apropiarse de un espacio en el cual legitimarse y pertenecer: los concursos de baile. A través del cuerpo y la ropa que ellos mismos confeccionan, plasman inquietudes, sueños, y los llevan a un espacio en el que son libres. La película, concebida originalmente para una instalación en un museo, muestra las calles de Baltimore, los ensayos y los certámenes dancísticos en los que participan los. Dividiendo la pantalla en tres, Nauczyciel, confronta esas realidades que cohabitan en una misma ciudad, por un lado la parte superficial de Baltimore y por otro, aquello que pulsa en sus entrañas, un grupo construyendo una identidad. En conferencia de prensa, durante la presentación del filme, el director francés explicó que los voguers se apropiaron del proceso de filmación, al ser ellos quienes, a través del teléfono celular de Nauczyciel, grababan el material que después conformó el documental.

BLG (@LadronadGuevara) 

The Punk Singer

Director: Sini Anderson | EE.UU. | 2013 | ‘80

The Punk Singer es un documental que sigue la vida y la carrera de Kathleen Hanna, líder y vocalista del grupo Bikini Kill y del trío Le Tigre, además fundó el movimiento Riot Grrrl en la década de los noventa. Se nos presenta a una mujer que se asume como una luchadora feminista, que logra encaminar el enojo adolescente y postadolescente hacia el arte agresivo pero que contiene un discurso sólido. En un inicio, las letras de sus canciones estaban dirigidas a un hombre que representaba a todo el género masculino, donde la cantante y compositora lo agredía y culpaba. Incluso trasciende que en sus conciertos pedía a las mujeres que se acercaran al escenario, mientras que corría a los hombres a la parte de atrás del público.

Juntas, Hanna y la directora, nos sumergen en la escena del punk rock estadounidense de los noventa. Nos acercamos a Kurt Cobain, Courtney Love o Adam Horovitz de los Beastie Boys, con quien más tarde Kathleen se casó, después de haber enfrentado y aceptado al sexo opuesto. Es un documental que reúne veinte años de material gráfico, videos de conciertos, entrevistas y fotos, que permiten al espectador ver madurar a este personaje. Conocemos cómo pasa de ser una joven rebelde que quiere gritar todo lo que piensa y siente, a una mujer que sigue teniendo un mensaje y que todavía necesita protestar ante lo que ella considera injusto, pero que encuentra otras formas, incluso nuevos géneros, para cantar lo que tiene que decir. The Punk Singer ostenta una mirada concisa pero completa de quién es la artista y persona que logró llegar lejos y conquistar la escena del punk rock, haciendo las cosas a su manera.

Sini Anderson es directora y productora de cine, actriz de performance y poeta. Nació en Chicago pero actualmente vive en Nueva York. Pasó la mayor parte de su carrera como curadora y directora artística de The National Queer Arts Festival. Fue presidenta de la mesa directiva del Instituto Harvey Milk y de The Queer Cultural Center. Presentó The Punk Singer en el Festival de Cine SXSW (South by Southwest) este año.

PGE (@EsPiia)

Los ilusos

Director: Jonás Trueba | España | 2013 | 93’

Tras Todas las canciones hablan de mí (2010), el director español Jonás Trueba nos presenta su segundo largometraje Los ilusos, una película completamente en blanco y negro que toma elementos del documental para narrar las peripecias de un grupo de amigos apasionados del cine que tiene el objetivo de filmar una película en su natal Madrid. Los jóvenes son todos amateurs en la industria del celuloide pero tienen la ilusión de contar una historia que resulte interesante. Durante el proceso de creación, los muchachos son seguidos por una cámara que documenta las peripecias del equipo mientras ensayan sus escenas o mientras están rodando. Así escuchamos la voz del director cuando da instrucciones a sus actores en cada escena, cuando él mismo se cuestiona las razones que tiene para hacer esa película. En el afán de conseguir algo distinto, el equipo no sigue un guión a pies juntillas sino de manera espontánea propone y experimenta durante la grabación. De manera intermitente el grupo es filmado a todas horas, incluso cuando duermen o cuando están de fiesta, tiempo en el que los actores hablan de sus proyectos a futuro, de las oportunidades que buscan y que no llegan. La tesitura del blanco y negro le da al filme un aire delicado y melancólico a las calles de Madrid, capta y transmite la atmósfera de bohemia en los bares de aquella ciudad. Sin embargo, hay un abuso de la narración a manera de crónica sobre el proceso inventivo día a día y hora a hora de los incipientes artistas, que provoca que los diálogos se tornen por momentos exagerados, aburridos y forzados.

 

VSM (@SofiaSanmarin)

Nuestra belleza

Director: Leonardo Martins | México | 2012 | 94’

En Nuestra belleza, Leonardo Martins, sigue a Pablo y a Tomás, una pareja de homosexuales que asume su condición a partir del concurso Nuestra belleza organizado por el famoso trasvesti yucateco Mammi Blue. Ambos se ganan la vida actuando en un show nocturno como Drag Queens. El documental nos introduce en el día a día de la pareja y en su proceso de transformación, a través del maquillaje y el vestuario, en ese ideal de mujer que tanto anhelan. Y es que los disfraces permiten a ambos sentirse liberados y mostrar los talentos que solo fluyen cuando están en sus respectivos personajes. El director recoge no solo los testimonios de los protagonistas sino también los del grupo de seis compañeros con el que se completa el show nocturno. Así nos enteramos de la convivencia de los amigos y compañeros de trabajo, de sus anhelos, y de sus conflictos.

Nuestra Belleza, es la ópera prima del director argentino Leonardo Martins, un filme que busca reivindicar la imagen del travesti ante una sociedad conservadora que los ha estigmatizado como seres pervertidos. El filme intenta abarcar con el mismo ritmo vertiginoso las ocho historias, pero la manera un tanto caótica y confusa en que son presentados los demás personajes hacen que la narrativa se sienta poco clara y un tanto forzada.

VSM (@SofiaSanmarin)

Phonography: The Technical Difficulties of R. Stevie Moore

Director: Jon Demiglio | EUA | 2013 | 90′

Jon Demiglio aborda la vida de R. Stevie Moore, un hermético, excéntrico y prolífico músico, compositor y cantante, que ha realizado y distribuido, desde 1968 a la fecha más de 400 álbumes de música original desde su hogar y la cual ha influenciado a otros grupos más conocidos como Terry Burrows, Ariel Pink, Mike Watt, Jason Falkner, Eric Matthews, Penn Jillette, Dr. Dog, The Apples in stereo, Ergo Phizmiz, Mark Vidler, David Fenech, MGMT, The Vaccines y Tim Burgess. Moore, quien desde joven mostró su rechazo a las convenciones sociales y prefirió el camino independiente, accede a salir de una casa que más bien parece un refugio para evitar el contacto con otras personas, para realizar una gira seguido por el director Jon Demiglio. Demiglio filma este proceso, y lo contrapone con el Moore joven y autosuficiente que cree que puede alcanzar lo que se proponga él solo –a través de material de archivo recogido de los videos amateur realizados por el músico. Moore, quien asistió a la función de prensa, reía a carcajadas durante algunos momentos de la película, pero también guardaba silencio al confrontarse con un hombre que teme quedar en el olvido, ese mismo miedo que lo hace romper con lo que creía y comenzar a actuar como cualquier otro músico, realizando giras, tocando en bares y haciéndose notar entre las personas. El nombre de Phonography, que significa en griego ‘escritura de sonidos’, fue tomado por el director del álbum de vinil con el que R. Stevie Moore debutó en 1976.

BLG (@LadronadGuevara)

Este año, el público eligió la mejor ópera prima del festival, el reconocimiento ARCA, el cual fue para la película The Punk Singer, de Sini Anderson. En esta ocasión ARCA unió sus esfuerzos para otorgar un apoyo de cinco mil dólares y una pieza realizada por el artista mexicano Iván Krassoievitch.

El broche de oro fue el concierto que ofreció el músico R. Stevie Moore en la fiesta de clausura del festival.


4o Foro Internacional de Cineclubes y Desarrollo Comunitario

Por Ana Escárcega (@animalceluloide)

Mesa 1: Emprendimiento crítico por Benjamín Mayer

Durante la primera jornada del 4º Foro Internacional de Cineclubes y Desarrollo Comunitario, el doctor en filosofía Benjamín Mayer nos habló sobre lo que significa el emprendimiento crítico en el círculo del arte, en específico del cine y el cineclubismo. Habló sobre Lacan y sus teorías sobre el capitalismo, en las que se hace un comparativo entre religión, política y mercado. Mayer se plantea otros modos de organización, de establecer nuevos circuitos alternativos a lo comercial; esto, dice, tiene que ser viable. Por otro lado, habló sobre el cine comercial y cómo éste cultiva y promueve los clichés; como un ejemplo, comentó que en el arte contemporáneo el papel estelar lo tiene la basura. Con base en esta comparación, mencionó que el emprendimiento crítico significa partir de lo residual –de esta basura que mencionó antes– y enfrentar el saber a partir de ello; se trata de tomar lo residual producido por los discursos de la religión y la política, tomar el ruido social y cuestionar desde esa marginalidad el estatus quo del saber. Interpelar el entretenimiento a partir de lo que este mismo ha dejado fuera.

Un cineclub, dice, es una institución que ha sido gestada como un lazo que tiene a la critica como horizonte.

Mesa 2: Los límites del público

Esta mesa de diálogo formula una pregunta: ¿cuáles son los riesgos que todos deberíamos atrevernos a tomar? Al pensar en la programación de un festival, es necesario preguntarse qué se desea, qué público se quiere crear. No se puede menospreciar al público, se debe crear una relación de confianza entre ambos, público y programador, confiar en el público y en su inteligencia. Los ponentes, Gonzalo de Pedro y Josetxo Cerdán, aseguran que festivales como Distrital son diferentes de otros principalmente porque las alfombras rojas pasan a ser irrelevantes. Estos festivales tratan de renovar el concepto de festival de cine y la cinefilia moderna, que antes era un pretexto para lo superficial y el turismo, y acá es lo principal.

Mesa 3: Movimiento y permanencia

En esta mesa, los ponentes presentaron sus proyectos de cine itinerante. Resulta interesante conocer los esfuerzos que realizan desde sus diferentes plataformas, estados y recursos. Miguel Ángel Mendoza, por un lado, nos presentó su proyecto Ecocinema Solar, que recorre varias comunidades en el estado de Morelos haciendo proyecciones al aire libre, con la particularidad de que la energía que utilizan es 100% renovable, proveniente de las celdas solares instaladas en la parte de arriba de su camioneta. Por otro lado, Miguel Ángel habló sobre La Carreta Móvil, el proyecto de cine itinerante que recorre Morelos y que dirige desde hace ya cinco años. Mencionó que parte de lo que mantiene estos cineclubes vivos es la participación de los niños y el hecho de que estos cines itinerantes llevan el cine a localidades que no tienen acceso a él.

Miguel Ángel Recillas de IMCINE, presentó el proyecto El Cine en tu Comunidad, cine itinerante que viaja a localidades de todo el país azotadas por la pobreza, la violencia y la marginación.

Se mencionó que en México, solo el 40% de la población tiene la oportunidad y los medios para ir al cine, ya sea por inaccesibilidad o por costos, además, estos proyectos forman un público que fortalece el vínculo de las comunidades que visitan.

Por último, Jeanette Rojas Dib, de Guerrero, habló sobre su proyecto “cine sillita”, con el que se planteó la problemática de los cines itinerantes de ser algo pasajero y fugaz. Dijo que su plan es hacer una red de cineclubes al aire libre a nivel estatal, y detalló que para lograrlo, ella y su equipo llegan a las comunidades, encuentran un espacio apto para instalar un cineclub al aire libre y buscan a una persona de confianza que esté dispuesta a donar su tiempo y que acepte la responsabilidad voluntaria de ser el encargado del cineclub. Es entonces que a esta persona se le entrega en comodato un proyector, unas bocinas y un kit de películas para tres meses, y queda así instalado el cineclub en esa comunidad. Jeanette aseguró que el año  pasado logró instalar y mantener vivos 16 cineclubes, y que la meta es llegar a los 81 municipios. Todo esto lo ha logrado sin la ayuda del gobierno del estado.

Este proyecto fue el que causó un mayor impacto en los asistentes al foro, quienes le hicieron preguntas y la felicitaron ampliamente.

Finalmente, la jornada cerró con la proyección del programa número 2 de Distrito X, la serie de cortometrajes seleccionados para el Festival Distrital por Gonzalo de Pedro y Josetxo Cerdán. Se trata de una serie de cortometrajes experimentales que retratan las realidades sociales que se viven en varias partes del mundo. Resalta el titulado The Silence Between the Shots, cortometraje español que documenta la visión de los artistas egipcios –músicos, bailarines, pintores y escritores– en torno a la revolución que atraviesa actualmente Egipto y su participación activa en ella.

 
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