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5º Festival Internacional de Cine de la UNAM
Publicado el 03 - Mar - 2015
 
 
  • Del 26 de febrero al 7 de marzo, 2015. Ciudad de México. Desde su inicio, la quinta edición del Festival Internacional de Cine de  la UNAM se anunció como parte de la resistencia: como un no contundente  en contra del cine escapista; como un no frente a la sumisión social y  política; como un no frente a la injusticia y la indignidad.  - ENFILME.COM
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  • Del 26 de febrero al 7 de marzo, 2015. Ciudad de México. Desde su inicio, la quinta edición del Festival Internacional de Cine de  la UNAM se anunció como parte de la resistencia: como un no contundente  en contra del cine escapista; como un no frente a la sumisión social y  política; como un no frente a la injusticia y la indignidad.  - ENFILME.COM
 

Del 26 de febrero al 7 de marzo, 2015. Ciudad de México.

5 imperdibles del FICUNAM 2015

Desde su inicio, la quinta edición del Festival Internacional de Cine de la UNAM se anunció como parte de la resistencia: como un no contundente en contra del cine escapista; como un no frente a la sumisión social y política; como un no frente a la injusticia y la indignidad. Según la tradición del propio festival, el día de inauguración debía ser un jueves –el 26 de febrero–, pero se corrió al miércoles para honrar a los alumnos de la Normal Rural de Ayotzinapa, víctimas de la masacre del 26 de septiembre en Iguala. La mera mención de este gesto, en voz de la directora del festival, Eva Sangiorgi, inició el correspondiente conteo hasta 43 como recordatorio de los desaparecidos. El cine no es política pero siempre es político.

 

Pasolini

★★★★

Dir. Abel Ferrara, Francia – Bélgica – Italia, 2014

Para seguir en la línea confrontacional, la película inaugural fue Pasolini de Abel Ferrara, un retrato de uno de los grandes maestros del cine de todos los tiempos. Y un activista político. Perteneció al Partido Comunista Italiano del que fue expulsado por su homosexualidad, razón que, sumada a su congruencia, lo obligaba a ser aún más activista. El filme abre encuadrando a protagonista, interpretado por Willem Dafoe en el cuarto de edición, frente a la proyección del recién terminado Saló, basado en 120 días de Sodoma del marqués de Sade. Durante la secuencia, Pasolini expone sus ideas sobre los actores, el cine, la provocación, la política; todo en tono sobrio, ligeramente didáctico. Y en general, estos diálogos inflados de pensamiento, pulidos por un registro intelectual más que oral, escrito, permean el filme trazando un personaje intenso, comprometido, apasionado, creador de su propio mito, crítico de su mundo, de la modernidad, soñador, un gran hijo y gran amigo, pero también un solitario. Esta clase de parlamentos pausan la acción, a veces entorpeciendo el ritmo de este filme en close up que, para atravesar el espíritu de Pasolini, decide concentrarse solo en el último día de su vida. Lo vemos departir en casa con sus más cercanos, dar una entrevista, leer y escribir, vemos sus sueños y recuerdos, lo escuchamos hablar agitado y añorante de su próximo proyecto que evidentemente nunca fue concretado y que, a manera de homenaje, Ferrara escenifica no con los mejores resultados, confirmando que Pasolini era un genio único, absolutamente original. Mientras más se desarrolla su personalidad, más evidente se hace paradoja de los artistas: humanistas en esencia, voceros del bien de los hombres; egoístas y ególatras en su cotidianidad.

La secuencia de la muerte final, filmada sin titubeos, con justicia a una realidad arbitraria, con violencia y pasión, en la que se ve un sadismo injustificado en contra de uno de los grandes seres humanos de la historia entera es una declaración de principios de todo el filme de Ferrara. Tanta posiblidad arte devorada por tanta decadencia humana.

SOR (@SofOchoa)

Manifiesto contemporáneo

Cavalo dinheiro (Caballo dinero)

Dir. Pedro Costa, Portugal, 2014

★★★★½

Ventura, un hombre viejo procedente de Cabo Verde, cruza una puerta subterránea de un estrecho y obscuro corredor. Su presencia es casi fantasmal; el hombre semidesnudo avanza lentamente, padece una enfermedad nerviosa que le produce un permanente temblor en las manos y complicaciones para respirar. Él asegura que tiene 19 años, y que vive en el 11 de marzo de 1975; su cuerpo habita el presente, pero su mente está acorralada en el pasado, en una fecha importante de la historia de Portugal. Aquel día, el general António de Spínola encabezó un intento de golpe de Estado, que terminó fracasando y fortaleciendo a la oposición. En la vida real, Ventura marchó por las calles de Lisboa, y después se refugió en una zona de arbustos. La decadencia del cuerpo es el resultado de las promesas incumplidas de aquella revolución; el descuido y maltrato contra la población migrante; los resultados de llevar toda una vida de pobreza extrema sometiendo el cuerpo a extenuantes jornadas laborales.  Ventura transita pasajes subterráneos, se pasea dentro y fuera de distintas habitaciones, llega a una sala de hospital donde recibe tratamiento. Todos esos sitios parecen ser las zonas ocultas y reprimidas de su mente que conocemos a lo largo del filme. En una de las mejores escenas de la película, Ventura comparte el reducido espacio de un elevador con la “estatua viviente” de un soldado metálico; este es el momento de la verdad que se remonta al origen de su trauma, a la fuente de sus miedos, a la angustiante tortura provocada por los sucesos históricos enmarcada por la perturbadora pieza musical “Aparición de la Iglesia eterna” de Olivier Messiaen.

Cavalo dinheiro (2014), dirigida por Pedro Costa, abre con una serie de fotografías de Jacob Riis –sobre las comunidades pobres y migrantes de Estados Unidos a principios del siglo XX– para plantear una poderosa denuncia de la injusticia racial y social en Portugal y en la Europa moderna. El filme es, también, un nuevo pináculo en el arte de Costa; el rigor formal con el que construye cada plano –cámara fija, lento desplazamiento de los actores, inquietantes sonidos provenientes del fuera de campo, la arquitectura como guía para enmarcar a los personajes, los intensos claroscuros que recuerdan la pintura de Caravaggio y Georges de la Tour, la sensación de texturas – arroja al espectador a una atmósfera silenciosa y sombría donde la memoria, los deseos, los traumas y la supervivencia se conjugan en una tierra de nadie, en un espacio espectral que incluye pasado y presente.

LFG (@luisfer_crimi)

 

Ahora México

La maldad

Dir. Joshua Gil, México, 2015.

★★½

Rafael (Rafael Gil Morán) y Raymundo (Raymundo Muñoz Delgado) son dos campesinos mayores de edad que viven en Izúcar de Matamoros, Puebla, y  han sido amigos durante las últimas décadas. Rafael es un músico y poeta que ha escrito un guión de cine donde narra la historia de su vida  mediante 12 canciones. Él pretende realizar la película como una especie de venganza personal y emocional contra la mujer que lo abandonó. Por su parte, Raymundo vive deprimido porque está enfermo y sabe que pronto morirá; la idea del suicidio lo acecha a cada instante, pero se acerca a su mejor amigo en búsqueda de apoyo económico y consuelo. No obstante, Rafael abandona y traiciona a su amigo en el momento crucial para viajar a la ciudad de México y buscar el financiamiento que requiere para su película.

Después de trabajar en el departamento de fotografía de Japón (2002) de Carlos Reygadas y estudiar cine bajo la dirección de Patricio Guzmán y los hermanos Quay, el cineasta mexicano, Joshua Gil, realiza su ópera prima, La Maldad (2015). El filme funciona mucho mejor como experimentación estética que como una sólida propuesta narrativa. La conformación de varios de los planos reflejan la nimiedad del hombre ante la enormidad de la naturaleza recordándonos que sólo somos seres arrojados al mundo; el filme abre con un voraz incendio sobre los cultivos del campo, una metáfora del infierno que se aproxima sobre los dos protagonistas del relato. Gil está mucho más interesado en proponer una experiencia cinematográfica visceral que logre –mediante los paisajes rurales captados por el cinefotógrafo, César Salgado, y el diseño sonoro de Sergio Díaz– crear una atmósfera perturbadora asociada a la soledad y al vacío existencial del ser humano. Aunque bien ejecutada, está es una fórmula que imita directamente el arte de Carlos Reygadas –incluso hay una escena muy similar que recuerda el obscuro cielo acechado por los truenos de Post Tenebras Lux (2012)–. La inclusión de un agitado contexto social, el repudio y descontento de gran parte de la población hacia el actual presidente, Enrique Peña Nieto, luce más como un capricho del director que como una acertada contextualización o análisis de la situación sociopolítica del México contemporáneo.

LFG (@luisfer_crimi)

 


Competencia Internacional

La corte

Dir. Chaitanya Tamhane, India, 2014

★★★½

Situada en la India contemporánea, La corte (Court) sigue el periplo de dos personajes que en una sociedad regida por leyes poscoloniales y anquilosadas se niegan a abandonar aquello que les apasiona. El primero, Sharmila Pawar (Usha Bane), un poeta, músico, cantante y maestro octogenario, que expresa a través de su arte su descontento contra el orden establecido. El segundo, Vinay Vora (Vivek Gomber), un joven abogado de clase alta que defiende a las víctimas de ese sistema judicial, incluso con sus propios recursos económicos. Pawar (Usha Bane) es acusado de provocar el suicidio de un obrero por el contenido contestatario de las letras de sus canciones. A partir de esta acusación absurda inicia el peregrinar de Pawar por los tribunales de Nueva Delhi, exhibiendo en cada audiencia un sistema de justicia arcaico que vulnera a los ciudadanos. Con jueces y defensores públicos más interesados en que se cierren los casos para poder volver a sus labores cotidianas. La mayor parte de la película se desarrolla en los tribunales, con el poeta encarcelado, una y otra vez, y su joven abogado demostrando lo ilógico de las pruebas y acusaciones contra su defendido. Frente a los acontecimientos y los personajes, la película empuja al espectador a tomar distancia a través de secuencias contemplativas, casi sin close-ups. Un antidrama con una estructura narrativa ramificada donde la distancia se vuelve parte de la historia. El sistema judicial y sus disfuncionalidades es el punto de partida de La Corte, un notable retrato de la India, en el que Tamhane muestra un fragmento de estos héroes contemporáneos, aparentemente insignificantes, a través de los que se representan  los problemas de cada clase social de ese país que limita la libertad de expresión, la falta de acceso universal a la educación, lo que impide la aparición de cambios que lleven a la recuperación de un sistema defectuoso.

VSM (@SofiaSanmarin)

 

Jauja

Dir. Lisandro Alonso, Argentina – Dinamarca – Francia – México - Estados Unidos – Alemania – Brasil - Países Bajos, 2014

★★★★½

El punto de arranque de Jauja son unas líneas sobre la leyenda de Jauja, una Atlántida continental de la que se cree ninguna persona logró regresar. La historia se sitúa durante el periodo colonizador de la Pampa de finales del siglo XIX. En esa zona del desierto de la Patagonia, Gunnar Dinesen, un ingeniero militar danés (Viggo Mortensen) comanda un grupo de soldados que debe enfrentar a una tribu indígena, los Cabeza de Coco. En su viaje se hace acompañar por su bella hija adolescente, Ingeborg (Viilbjørk Malling Agger). Dinessen procura mantener alejada a su primogénita de la presencia del obsceno teniente Pittaluga. Sin embargo, sus esfuerzos son en vano ya que ella ha comenzado un romance secreto con un joven soldado al que llaman El Corto. La chica y El Corto huyen y el angustiado padre inicia entonces la búsqueda de Ingeborg por la inhóspita región patagónica.

El militar resuelve seguir a caballo el rastro de su amada hija en un periplo donde se no solo se enfrentará a las dificultades de la naturaleza sino también a experiencias místicas que lo conducen a la muerte. En Jauja la estética visual es una de las protagonistas, con paisajes bucólicos y un realismo casi documental que devienen en una atmósfera poética y onírica; una construcción filosófica sobre la fragilidad del ser humano ante lo desconocido.

VSM (@SofiaSanmarin)

 

Amour fou

★★★★

Dir. Jessica Hausner, Austria, Luxemburgo, Alemania

Inspirada en el doble suicidio del poeta romántico alemán Heinrich von Kleist y su compañera Henriette Vogel en 1811, Amour Fou (2014) de Jessica Hausner navega entre el cine histórico y la comedia romántica, con una narrativa sutil e inteligente, extremadamente estilizada. En Amour fou no abundan los besos apasionados o las cenas bajo la luz de una vela, sino las conversaciones que indagan en el significado del amor verdadero mientras se toma el té o después de escuchar una sonata. Heinrich (Christian Friedel), un joven poeta alemán de la nobleza berlinesa del siglo XVIII, de personalidad narcisista y egoísta, suele frecuentar esas reuniones en las que deja claro su desencanto del mundo. Heinrich quiere morir pero no solo. Durante los último meses ha buscado convencer a las mujeres de las que se enamora de matarse con él. Después de sus múltiples fracasos que incluyen a su prima María, centra su atención en Henriette Vogel (Birte Schnoeink), una joven señora y madre de temperamento apacible, que se siente atraída por los poemas de Heinrich —que idealizan el amor imposible—, y a quien poco a poco él consigue deslumbrar. Pero sus argumentos de que la perfecta felicidad se alcanza con la muerte conjunta del amado, no convencen a Henriette. Al poco tiempo una enfermedad desconocida quebranta la salud de la mujer. Quien comienza a sopesar la posibilidad de la propuesta del hombre.

En Amour fou, cada secuencia tiene un acabado pictórico gracias al manejo de la luz natural,  los vestuarios, los tapices perfectamente ordenados y calibrados —de manera que incluso el perro de la familia Vogel parece haber vestido sus mejores galas—. A través de esta dramaturgia escénica, Hausner consigue confinar a los personajes en sus palacios, lánguidos y ociosos prestos a la depresión, en busca de una respuesta final.

VSM (@SofiaSanmarin)

Los dueños

Dir. Adilkhan Yerzhanov, Kazakhstan, 2014

★★½

Después de la muerte de la matriarca de la familia, tres hermanos —John (Aidyn Sakhaman), el mayor, Yerbol (Yerbolat Yerzhan), el de en medio y el artista imitador del clan, y la pequeña Aliya (Aliya Zainalova)— se mudan a un pueblo de Kazajistán, con la idea de llevar una vida más tranquila. Sin embargo su breve estancia en aquella aldea les deja claro que ningún lugar está libre de la maldad de los hombres y la corrupción de las autoridades. En pequeña escala, los hermanos vivirán una serie de vejaciones infringidas por los habitantes del lugar y los parientes del jefe de la policía local, recelosos de los recién llegados. Los tres se amurallan en su casa —herencia de su madre— e intentan camuflajear su realidad con juegos y danzas de occidente. Yerzhanov rodea a la película de florituras surrealistas para agudizar la tragedia de los protagonistas, quienes van perdiendo todo lo material y lo espiritual. El estilo naif que envuelve la narrativa de Los dueños evoca la atmósfera y diálogos de películas como Tuvalu (1999) o Luna Papa (1999).

 VSM (@SofiaSanmarin)

 

Yo, de quien no sé nada

★★★

Dir. Pablo Sigg, México, 2014.

¿Cómo descifrar los rostros de los retratos borrosos que cuelgan en las paredes? ¿Cómo saber si la voz de una antigua narración es la de Samuel Beckett? ¿De qué manera aproximarse a la esencia de la obra del dramaturgo irlandés? Todos estos son los retos impuestos por el ensayista y artista visual mexicano, Pablo Sigg, en su más reciente filme titulado I, of Whom I Know Nothing (Yo, de quien no sé nada, 2014). Pero la búsqueda a todas esas respuestas también es tarea del director, quien nos invita a conocer a John Calder, protagonista del filme que en la vida real fue el editor británico de Beckett, y que, cuando se retiró del negocio, se trasladó a Montreuil, un pueblo al este de París. Instalado en las oficinas y sótano de un edificio construido después de la guerra, Calder vive lleno de libros y objetos antiguos. Aquí es donde Pablo Sigg mantuvo conversaciones con él para filmarlo, y también en Londres, donde se reunió con Billie Whitelaw, una de las actrices que participó en varias puestas en escena de las obras de Beckett. Más que indagarlos directamente, Sigg les permite que se expresen libremente para observar detenidamente los espacios y cuerpos, y poco a poco entender el minimalismo y el pesimismo presente en la obra del escritor europeo. El director mexicano recurre a abruptas pausas –cortes a fondos negros– para permitirle al espectador pensar sobre lo dicho anteriormente por alguno de los colaboradores de Beckett. Pero, además de ser una obsesiva búsqueda por comprender las metáforas de la existencia humana que empleaba el dramaturgo; I, of Whom I Know Nothing es el retrato de dos personas viejas y cansadas, mucho más cercanas a la muerte, que habitan espacios fantasmales y que anhelan volver a ver a su compañero que disfrutaba escuchar la obra de Franz Schubert en un viejo tocadiscos. El ritmo lento, el humor involuntario, y la angustia de las imágenes borrosas conforman la atmósfera de los protagonistas que parecen salidos directamente de las páginas del escritor irlandés en un filme que se construye sobre una extensa y larga labor de investigación previa por parte del director. En realidad no se revela ningún secreto del escritor, pero esas imágenes brumosas y a veces fuera de foco logran capturar el desánimo que habita en muchos de los textos de Beckett.

LFG (@luisfer_crimi)

A Proletarian Winter's Tale

Dir. Julian Radlmaier, Alemania, 2014

★★★½

Tres jóvenes obreros georgianos deben limpiar un castillo en Brandemburgo, previo a una gala en la que se reunirán los intelectuales, artistas y diplomáticos más destacados del mundo para presenciar la exhibición de la pieza de arte conceptual “El agujero negro flotante”. Las jerarquías sociales están claramente marcadas en la figura de los proletarios, sus jefes, y el dueño del castillo. A la espera de que la celebración termine y ellos puedan de nuevo limpiar el lugar, los colegas gastan su tiempo tomando alcohol y contando a su manera anécdotas históricas sobre el proletariado y sus luchas sociales, ociosidad interrumpida por los ataques de ira repentinos de su superior (Lars Rudolph). La cinta deviene en una sátira política y una mofa a las posturas intelectualoides. Los grandes, vacíos y majestuosos salones sirven de referencia al pasado glorioso y nostálgico de Europa, y a la vez como metáfora de la inutilidad de esos monumentales edificios desprovistos en la actualidad de un uso práctico.

VSM (@SofiaSanmarin)

 


Bajo nubes eléctricas

★★★

Pod Elektricheskimi Oblakami, Dir. Aleksey German Jr., Rusia – Ucrania – Polonia, 2015

El joven ruso Aleksey German Jr. tuvo que pausar la producción de esta película, que inició en 2011, por la muerte de su padre, y por trabajar, junto con su madre, en la edición de How To Be A God, la obra póstuma de su progenitor. Bajo nubes eléctricas también está atravesada por la muerte de un padre que desata diversos nudos narrativos: sus hijos descubren un pasado aberrante, un edificio colosal del que era dueño queda en pausa, un grupo de empresarios japoneses quiere comprar el elefante blanco, lo que colapsaría la carrera de un joven arquitecto, los hijos del difunto millonario no tienen idea de cómo construir un futuro. Los segmentos que integran la película están unidos por un paisaje helado, de nieve y sol filtrado por una película grisácea de melancolía y desolación. Los travellings de planos medios, melódicamente coreografiados, los paisajes abiertos que parecen salidos de una ciencia ficción minimalista, la entrada y salida de diversos y curiosos personajes, imbuyen al filme en una especie de carnaval de la soledad y la desesperanza, una alegoría del estado actual del golpeado espíritu ruso. Pero los diálogos y la acción, en un tono que quiere ser poético quedándose muchas veces en lo cursi, no alcanzan los valores visuales de la película, que a falta de profundidad acaban arrastrados por la intención.  Bajo nubes eléctricas es un monstruo que no termina de salir de su cueva.

SOR (@SofOchoa)

Blanco Fuera, Negro dentro

Dir. Adirley Queirós, Brasil, 2014

★★

A ritmo de Hip Hop y cumbias, Marquim, el locutor de una radio clandestina prepara una bomba de música, junto a Sartana, su amigo y víctima también de un acto de tintes racistas cometido por la policía local en una de las zonas marginadas de Brasilia, Ceilândia. Ambos buscan de ese modo tomar venganza por la injuria del pasado que los dejo marcados de por vida: el primero quedo paralítico y el segundo, perdió la pierna izquierda. A la par un hombre viaja del futuro, en un distante 2078, con la misión de detener a los terroristas y salvar de ese modo a los habitantes de la ciudad. Entre el documental y la ficción, Blanco fuera, negro dentro, toma a la música como alegoría de sublevación y como herramienta de venganza. La danza, esa figura que los brasileños lograron convertir en resistencia con el lenguaje del cuerpo.

 VSM (@SofiaSanmarin)

 

No todo es vigilia

★★★★

Dir. Hermes Paralluelo, España-Colombia, 2014.

Mientras Antonio (Antonio Paralluelo), un hombre de 84 años, lleva días hospitalizado; su fiel compañera, Felisa (Felisa Lou), de 82, deambula lentamente por los espacios solitarios del hospital. Él tiene el deseo de dejar atrás las enfermedades y las revisiones médicas para mudarse a un asilo en compañía de su esposa; ella teme por la salud de Antonio. Cuando ambos vuelven a casa, reciben la notificación de ser aceptados para trasladarse a una residencia de ancianos, sin embargo el apego que sienten por su hogar los hace recordar las bellas experiencias que vivieron ahí, en Muniesa, un pueblo de la provincia de Teruel. No todo es vigilia (2014) muestra el frágil estado de salud de dos ancianos que tienen complicaciones para cuidarse mutuamente. La residencia se les presenta como una amenaza, como la posibilidad de perder su rutina y depender de otros. Mezclando ficción y documental, el realizador español, Hermes Paralluelo (Yatasto, 2011), sigue con una cámara fija, un ritmo pausado y un ojo respetuoso y distante, los parsimoniosos pasos de sus abuelos que temen la llegada de la muerte en dos espacios específicos: el hospital y la casa. El primero es dotado de una frialdad apabullante capaz de aniquilar anhelos y esperanzas; el segundo, posee el espíritu de El ángel exterminador (1962) de Luis Buñuel, un aura invisible que les impide salir de su hogar. En una clara alusión a la postura filosófica de No todo es vigilia la de los ojos abiertos(1928) de Macedonio Fernández, los protagonistas del relato sueñan despiertos, no por el delirio o la demencia, sino por su tierna imaginación y capacidad de recordar sus años de juventud.

LFG (@luisfer_crimi)

 

Piel de serpiente

Snakeskin, Dir. Daniel Hui, Singapur-Portugal, 2014.

★★★½

A partir del establecimiento de un escenario ficticio, ubicado en San Francisco en  2066, el joven realizador Daniel Hui, parte de un tiempo futuro para reconstruir la historia de su país, Singapur, a partir de un discurso narrado por múltiples voces. El único sobreviviente de una misteriosa secta es el encargado de hilvanar y contextualizar las imágenes cinematográficas que le dejó uno de sus amigos, considerado el líder de aquel grupo. Apelando y cuestionando los mitos fundacionales de su país, Piel de serpiente (2014) se apoya en tres ejes para desprender sus cuestionamientos en torno a los conceptos de identidad y nación: la relación del cine y la historia, las imágenes found footage como memoria histórica y la evolución de los espacios arquitectónicos a lo largo del tiempo. Las imágenes, la mayoría de ellas enfocadas a mostrar la dinámica y concentración urbana, poseen una carga onírica y una sensación de desesperanza. El filme es una compleja idea poética sobre el viaje en el tiempo, la importancia de preservar las fuentes históricas y la constante tensión entre distintos pueblos y razas que habitan un mismo lugar.

LFG (@luisfer_crimi)

 

Ella regresa el jueves

Ela Volta Na Quinta, Dir. André Novais, Brasil, 2014.

★★★

El director brasileño, André Novais, emplea una puesta en escena austera y una simplicidad en los diálogos para anclar a sus espectadores en el principio que rige todo el filme: la cotidianidad.  Específicamente, conocemos a María José y Norberto, que han estado casados por 35 años y que viven en Contagem, en las afueras de Belo Horizonte. Su matrimonio está en aprietos; situación que también lleva a sus dos hijos a preguntarse sobre el futuro de sus respectivas relaciones con sus novias. El cineasta decide retratarse a sí mismo en su círculo familiar; los planos de larga duración permiten percibir el desasosiego, el hastío y la confusión de los cuatro integrantes de la familia al grado de mostrar que, a veces, sus vidas son absurdas, sin sueños ni esperanzas. 

LFG (@luisfer_crimi)

 

Ming of Harlem: Twenty One Storeys in the Air

Dir. Phillip Warnell, Reino Unido, Estados Unidos, Bélgica

★★★★

Phillip Warnell se inspira en la verdadera historia de Antoine Yates, un habitante de Harlem que vivió por varios años en su departamento junto a un tigre de bengala llamado Ming, y el lagarto Al, y cuyo caso se hizo público a raíz del ataque de Ming a Antoine en 2003. La historia provocó una serie de protestas de organizaciones protectoras de animales que alegaban maltrato animal, mientras que Yates argumentaba que las razones por las que mantuvo tanto tiempo a los animales era amor. La anécdota tomo dimensiones asombrosas hasta desembocar incluso en una película: Ming of Harlem: Twenty One Storeys in the Air. Warnell toma elementos del documental para fabular sobre la fascinación de los depredadores sobre los seres humanos. Los recuerdos de Yates se transforman en un estudio poético de la naturaleza y su ferocidad, a través de un texto del pensador contemporáneo Jean-Luc Nancy. De ese modo, el realizador recrea el cautiverio del tigre y el lagarto en aquel apartamento, las circunstancias en las que vivían el trigre y el lagarto.

 VSM (@SofiaSanmarin)

 

 
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