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10 extraordinarios filmes de 1998, según el British Film Institute
Publicado el 16 - Ene - 2018
 
 
1998 fue un año en el que aparecieron las primeras películas de directores que veinte años después son referentes del cine contemporáneo, incluido Christopher Nolan (con Following), Darren Aronofsky&a - ENFILME.COM
 
 
 

1998 fue un año cuando los titanes de la industria se enfrentaron. Era la hora pico para ese extraño fenómeno en el que dos filmes sobre el mismo tema llegan a los cines en rápida sucesión.

Así, Antz, de DreamWorks, fue antena a antena con A Bug's Life, de Pixar; los dramas históricos de la era isabelina Elizabeth y Shakespeare in Love obtuvieron una gran cantidad de premios; Steven Spielberg y Terrence Malick, que regresaron del desierto, ambos ofrecieron escenas épicas de la Segunda Guerra Mundial (Saving Private Ryan y The Thin Red Line, respectivamente), y -en la mayor batalla de taquilla de todos ellos- Armageddon se topó con película del apocalipsis por asteroides Deep Impact.

Sin embargo, lejos de las grandes bestias de Hollywood, también fue un año en el que aparecieron las primeras películas de directores que veinte años después son referentes del cine contemporáneo, incluido Christopher Nolan (con Following), Darren Aronofsky (con Pi), Denis Villeneuve (con August 32nd on Earth), Lukas Moodysson (con Show Me Love) y Abderrahmane Sissako (con Life on Earth). En muchos sentidos, sin embargo, el debut como director más impresionante del año fue The Apple, el filme iraní sorprendentemente original hecho por Samira Makhmalbaf a la tierna edad de 17 años.

 

After Life

Dir. Hirokazu Koreeda, 1998.

El querido Hirokazu Koreeda, ahora reconocido por los dramas familiares al estilo de Ozu, como Still Walking (2008) y I Wish (2011), demostró por primera vez su estilo humano con dos extraordinarios lanzamientos de la década de 1990: el devastador Maborosi de 1995 y After Life, lanzado tres años después. Este último se asemeja a una especie de análogo Black Mirror, con ecos de Brazil (Terry Gilliam, 1985) y The Good Place (Michael Schur, 2016). Está ambientado en un purgatorio comercial donde los funcionarios burocráticos se encuentran con los recién fallecidos para determinar su memoria “más significativa y valiosa”, que se representa como película y se revive por la eternidad. Esta premisa profundamente filosófica acumula una profundidad suave, planteando preguntas sobre el proceso de recordar, la naturaleza del cine y los límites de la imaginación. Pero es la humanidad de Koreeda la que brilla a través de una estética deliberadamente mundana: su dominio de los actores (muchos de los cuales no eran profesionales) y el raro don de la ligereza aseguran que el tiempo que pasa con After Life proporcione un recuerdo para atesorar.

 

The Big Lebowski

Dir. Ethan Coen y Joel Coen, 1998.

Puede ser una sorpresa saber que la comedia clásica de identidad equivocada de los hermanos Coen se abrió tanto a modestos retornos de taquilla como a revisiones igualmente decepcionantes en 1998. Pero, 20 años después, The Big Lebowski se convirtió en el epítome de la película de culto, con su propio festival anual de superfan, Lebowski Fest, que se celebra desde 2002 y una corriente aparentemente interminable de memes y mercancías derivadas de su diálogo irresistiblemente cotizable. El cuento sobre Jeff 'The Dude' Lebowski, quien es confundido con un millonario con el mismo nombre, es una obra maestra de comedia ridícula respaldada por brillantes actuaciones, en particular John Goodman. La película está llena de momentos memorables, desde nihilistas alemanes vestidos de cuero que destrozan el apartamento del Dude con bates de béisbol y arrojando hurones (¿o marmotas?) en su baño.

 

Central Station

Dir. Walter Salles, 1998.

Desde su deslumbrante apertura de estilo documental en la Estación Central de Río, hasta una conclusión inesperada en el sertón árido, la película de Walter Salles es tanto un retrato neorrealista del estado de la nación como un drama insólito de pareja extraña. Siguiendo la relación entre Dora de mediana edad (Fernanda Montenegro), una escritora que sirve cruelmente a los analfabetos pobres, y Josué (Vinícius de Oliveira), un niño de nueve años en peligro de convertirse en una estadística de niños de la calle, el filme viaja a lo largo de una variedad de caminos inesperados en la búsqueda para encontrar al padre de Josué. Además de una composición impresionante -una peregrinación religiosa proporciona un tour de force a la luz de las velas-, la fuerza de la película radica en las actuaciones de Montenegro (una destacada actriz de teatro brasileño) y de Oliveira (un niño descubierto por Salles en el aeropuerto de Río).

 

Divorce Iranian Style

Dir. Kim Longinotto y Ziba Mir-Hosseini, 1998.

Al igual que todas las películas de Kim Longinotto, Divorce Iranian Style está poblado de mujeres que destilan fuerza e inspiran esperanza frente a la opresión. La película narra las disputas legales de las parejas mientras negocian los sistemas legales laberínticos de un tribunal de divorcio en Teherán. Los personajes femeninos combativos sin duda desafían el estereotipo occidental de las mujeres iraníes como víctimas cobardes. Massy quiere un divorcio con el argumento de que su esposo tiene problemas sexuales; Ziba, una joven de 16 años, quiere irse porque su marido de 38 años le mintió sobre su edad; y Jamileh solo quiere darle una lección legal a su esposo.

 

Eternity and a Day

Dir. Theo Angelopoulos, 1998.

Aunque no es el primer título de la película que se viene a la mente cuando se piensa en el trabajo de Theo Angelopoulos, Eternity and a Day es una obra maestra que invita a la reflexión. La tercera película de la llamada "trilogía de fronteras" del cineasta griego, es un relato sobre el estado y la apatridia; la mortalidad y la juventud. Bruno Ganz interpreta a un autor avejentado que se reconcilia con su inminente muerte y mientras tanto rescata y se hace amigo de un niño refugiado albanés perdido. Acomodado en recuerdos melancólicos de su vida y aparentemente enamorado de la juventud y la promesa del niño, el hombre viaja con él en un extraño viaje a la frontera entre Grecia y Albania. Con el típico paso majestuoso de Angelopolous y la fascinación por los paisajes temperamentales, esta es una obra de arte de lentísima combustión del más alto calibre. En el Festival de Cine de Cannes, en 1998, se presentaron extraordinarios filmes como Festen, The Idiots, Velvet Goldmine y Fear and Loathing in Las Vegas, pero fue Eternity and a Day la que tomó la Palma de Oro.

 

Flowers of Shanghai

Dir. Hou Hsiao-hsien, 1998.

¿Hay una escena de apertura más seductora y audaz en el cine de la década de 1990 que la toma ininterrumpida de ocho minutos con la que comienza Flowers of Shanghai? Al observar el jolgorio y la alegría en la mesa en una 'casa de flores' en la China del siglo XIX, la cámara se desplaza sobre la mesa, moviendo lentamente la mirada hacia un lado y hacia allá para beber en la escena dorada. Su deriva es hipnótica, estableciendo el ritmo medido para este drama típicamente lento pero intoxicante del maestro taiwanés Hou Hsiao-hsien. Durante la dinastía Qing, las casas de flores eran establecimientos tipo burdel donde los caballeros podían buscar compañía femenina y amistad, si no necesariamente sexo. La película de Hou rastrea un puñado de tales enlaces, trazando las ondas de afecto, los celos y el escándalo que se producen entre los visitantes masculinos y sus cortesanas.

 

Out of Sight

Dir. Steven Soderbergh, 1998.

Uno de los talentos más grandes de Steven Soderbergh es la forma en que convierte lo que debería ser el género típico en películas únicas y más personales que van por la cuerda floja entre la corriente principal y la casa de arte. Out of Sight es un buen ejemplo: tras un atraco fallido, Jack Foley (George Clooney), un elegante atracador de bancos, es detenido y encarcelado. En prisión estudia un plan de fuga para el que cuenta con la ayuda de su socio Buddy Bragg (Ving Rhames). Pero, durante la huida, se ven obligados a tomar como rehén a Karen Sisco (Jennifer Lopez), una agente federal muy propensa a sentirse atraída por los criminales que debe capturar. Inteligente, sincera y palpablemente erótica, Out of Sight ha resistido los últimos 20 años mucho mejor que muchas otras películas de crimen de finales de los 90. El director ha vuelto al tema de los atracos y los robos varias veces desde entonces, pero este ofrece algo más: un romance soderberghiano distintivo.

 

Rushmore

Dir. Wes Anderson, 1998.

En el papel, la historia del estudiante precoz Max Fischer (Jason Schwartzman) parece ser otro aburrido cuento de madurez acerca de personas blancas presumidas y ricas. Fischer es un estudiante de la Academia Rushmore, donde se destaca en actividades extracurriculares pero tiene un historial académico espantoso. Schwartzman es encantador como el pretencioso, pero de alguna manera simpático Fischer, que cae en amor no correspondido con la maestra viuda Rosemary Cross (Olivia Williams) pero tiene un rival en su amigo: el empresario de mediana edad, Herman Blume (Bill Murray). Rushmore está repleto de lo que posteriormente sería el sello estilístico de Wes Anderson: sus característicos personajes excéntricos, pintoresco diseño de producción, planos simétricos y una intensa paleta de colores.

 

The Thin Red Line

Dir. Terrence Malick, 1998.

Nominada a siete premios Oscar, incluyendo mejor película y mejor director, The Thin Red Line pudo haber sido eclipsada por el convencional Saving Private Ryan de Steven Spielberg, también lanzado en 1998, pero sigue siendo una intrigante película de guerra por derecho propio. Al adaptar la novela autobiográfica de 1962 de James Jones sobre el conflicto de Guadalcanal durante la Segunda Guerra Mundial, el guionista y director Malick adopta su enfoque cinematográfico alucinante e impresionista, incluso cuando su elenco estelar (incluyendo a Nick Nolte, Jim Caviezel y Sean Penn) toma un ultra-real enfoque a sus roles. El resultado suele ser un tratado contemplativo, a veces visualmente serpenteante sobre los extremos del comportamiento humano. A diferencia de gran parte del trabajo más reciente del cineasta, sin embargo, encuentra una coherencia dramática e ideológica en una lista de actuaciones sólidas y su examen de los horrores de la guerra en la vida real, exhibidos con brutalidad visceral.

 

The Truman Show

Dir. Peter Weir, 1998.

Lanzado en los días en que la idea de transmitir nuestras intimidades parecía salvaje, The Truman Show, protagonizado por Jim Carrey, se centra en Truman Burbank, un hombre que, sin darse cuenta, ha sido la estrella de una telenovela de toda la vida, las 24 horas del día, los 7 días de la semana. Sellado en un estudio y rodeado de actores interpretando a su esposa, amigos y vecinos, Truman gradualmente se da cuenta de que su vida es una mentira, aunque acogedora, dirigida por el showrunner divino de Ed Harris. Carrey ha establecido un paralelismo entre la difícil situación de Truman y su propia vida en la burbuja de las celebridades. Para el resto de nosotros, las redes sociales son el lazo obvio. Al igual que Truman, la vida que llevamos es la vida registrada.

 

Trad. EnFilme

Fuente: British Film Institute

 
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