Es raro que una película no tenga varias capas; el cine a menudo se utiliza como una ventana a la sociedad, la cultura, la filosofía y la teología. Directores y escritores empujan sus pasiones y puntos de vista en los proyectos que llevan a cabo, a veces esto se deja como un mensaje sutil, aunque algunos de estos pensamientos se convierten en el punto focal de la película, insertando estas ideas a la integridad general y la fuerza de la película.

Cuando una película funciona como una alegoría, este significado más profundo se convierte en parte integral del filme; películas como ésta son a menudo surrealista o metafóricas, mientras que las películas que incorporan un significado alegórico pero evitan que se apodere de la película, tienden a ser mucho más realistas. Ambos estilos son potentes y están llenos de una cantidad infinita de profundidad para explorar.

Abajo te compartimos una lista de 10 filmes que se convirtieron en alegorías de problemas sociales y políticos.

1. 1984 (Michael Radford, 1985)

1984 es una adaptación de la novela de George Orwell del mismo nombre y cuenta la historia de Winston Smith (interpretado por John Hurt) a medida que avanza su vida confinado dentro de un mundo distópico donde el "Gran Hermano siempre está mirando".

La alegoría de la película no es sutil, Orwell construyó 1984 para representar una visión marxista plenamente efectiva del comunismo y la 'Marea roja del comunismo’ era un miedo particularmente dominante en el momento de la construcción de la novela. La vida de Winston es desalmada, la compasión está prohibida y la emoción real está etiquetada como "crimen de pensamiento" con sólo un pequeño diario personal de su vida altamente ilegal como un ejemplo de individualidad.

2. Metropolis (Fritz Lang, 1927)

Metropolis representa una distopía futurista que integra las cuestiones, aún relevantes, del hombre frente a la máquina y la lucha de clases. Los protagonistas de la película, Maria y Freder, luchan contra la gran alienación entre sí debido a las separaciones de clase.

La ciudad está sumergida en el caos conforme la clase alta se empeña en mantener la división de clases, mientras Freder trata desesperadamente de unir las dos, formando una mediación entre la clase obrera y la clase alta aristocrática. Es un claro mensaje de la revolución industrial, bien establecido en este pináculo del cine mundial.

3. Fight Club (David Fincher, 1999)

Fight Club sigue la historia de un materialista insomne ​​y deprimido, conocido como el Narrador (Edward Norton). El Narrador vive una vida llena de productos y pasa su tiempo libre ordenando muebles caros de los catálogos para completar aún más su vida. Después de conocer a Tyler Durden (Brad Pitt) en un vuelo, se establece una turbulenta amistad y club. La película no sólo cuenta con un giro icónico e inesperado, ya que es una burla de la dependencia de la sociedad contemporánea y el énfasis perpetuo en un modo de vida materialista.

Fincher muestra a sus espectadores lo "estúpido y sin sentido" de su existencia mientras compran productos basados ​​en marcas y viviendo exclusivamente para el consumo. Se pone de relieve el gran poder que las marcas tienen sobre la sociedad y utiliza la película para empujar la necesidad de reducir el poder de los negocios en la vida cotidiana.

4. Spirited Away (Hayao Miyazaki, 2001)

En Spirited Away, Chihiro (Rumi Hiiragi) ve como sus padres se transforman rápidamente en cerdos después de robar la comida de los espíritus. Aunque es una película para niños, hay un significado mucho más oscuro detrás de ella; como el mismo Miyazaki ha revelado, la película es una alegoría de la industria sexual japonesa, principalmente aquella de los niños que son esclavizados sexualmente.

Chihiro firma un contrato en el que se declara a sí misma como propiedad de Yubaba y cambia su nombre, algo mucho más siniestro con el conocimiento revelado previamente en la mente, y procede a bañar a los clientes adineraos. A pesar de que nunca se le llama explícitamente para sexo, el personaje Sin Cara es un espíritu rico e influyente que con frecuencia ofrece sus grandes sumas de dinero para algo que se desconoce. Miyazaki también confirmó que es una oferta de sexo.

5. A Clockwork Orange (Stanley Kubrick, 1971)

Este clásico de Kubrick, adaptación de la novela de Anthony Burgess, refleja la historia de un adolescente agresivo y sádico que vive en una distopía cuyas reglas, orden y sociedad no están claras, pero las tendencias de Alex hacia la violencia, sin duda lo son. En la interpretación de Kubrick, el director observó que Burgess estaba usando su escritura para representar la importancia creciente de la violencia en la cultura juvenil, presentando a Alex (Malcolm McDowell) como el epítome de todo lo que estaba mal con la cultura.

La película concluye con su anti-héroe siendo elogiado como una víctima; Kubrick señala la forma horrible en el que la sociedad encubre sus errores y abraza sin luchar lo que no puede controlar. La violencia prevalece, Alex gana una victoria agridulce y el gobierno toma su oportunidad de quedar bien a pesar de la inmoralidad.

6. Aliens (James Cameron, 1986)

En Aliens, donde Ellen Ripley (Sigourney Weaver) se asocia con una multitud de infantes de marina dirigidos por el cabo Dwayne Hicks (Michael Biehn) para acabar con una colonia de alienígenas, Cameron formó la película como una alegoría de la guerra de Vietnam. Es fácil ignorar este significado ya que los extraterrestres son mucho más amenazantes que la población actual de vietnamitas, pero Cameron tenía la intención de representar a los soldados americanos en la guerra con las tácticas, armamento, actitud y personajes.

Cameron muestra un significado más profundo del imperialismo con la actitud moralmente superior de los infantes de marina, aunque esta actitud se disuelve cuando los marines no pueden competir con los xenomorphs; ¿su conclusión? Deciden destruirlos.

7. The Seventh Seal (Ingmar Bergman, 1957)

The Seventh Seal es la historia existencialista de un caballero (Max von Sydow) desilusionado de los conceptos de fe, religión y Dios, que regresa a su hogar para descubrirlo a merced de la muerte negra. Antonius Block reta a la Muerte a un juego de ajedrez y en el proceso se adentra en oscuros pensamientos acerca de filosofía y la vida.

La película es una herramienta de Bergman para hacer que los espectadores consideren la legitimidad de la religión y la fe como poderes superiores; es una alegoría de que esta idea en sí misma es un concepto más que una ocurrencia y que es extremadamente potente en este sentido. Vemos a través de Antonius qué tan cruel puede ser la vida, qué lenta puede ser, y qué tan improbable es que exista un dios.

8. Enemy (Denis Villeneuve, 2013)

Enemy es la adaptación de la novela El Doble de Javier Guillón y sigue la vida de dos hombres físicamente parecidos, Adam Bell y Anthony Clair (ambos interpretados por Gyllenhaal). Aunque sus rostros son idénticos, los dos hombres tienen personalidades contrastantes.

Aunque en la superficie la adaptación de Villeneuve de un clásico para floja, el director busca explorar los conceptos filosóficos del subconsciente y la identidad, pero también utiliza el filme como una poderosa y confusa alegoría que representa la vida bajo la constante observación y la paranoia que plaga el siglo XXI.

9. The Master (Paul Thomas Anderson, 2012)

Freddie Quell (Joaquin Phoenix) es un veterano de guerra alcohólico, sexualmente frustrado y enfermo mentalmente sin sentido de dirección o propósito en la vida. Conoce a The Master (Phillip Seymour Hoffman), el carismático líder de la secta y su mujer manipuladora (Amy Adams) que atraer a Freddie en su web.

Anderson no hizo ningún secreto que su película era una alegoría de la Cienciología y la mentalidad débil de la gente común. La rabia de la iglesia fue inmensa, pero el mensaje consiguió transmitirse. La película no tiene trama real, sólo es una secuencia de experiencias que destacan cómo las potentes esperanzas de la gente y la imaginación pueden ser presa de la religión.

10. District 9 (Neill Blomkamp, 2009)

Una historia de refugiados clara con un relato de ciencia-ficción, Blomkamp dedica la película a los refugiados de guerra en un esfuerzo por señalar a la sociedad cómo los seres humanos son crueles con los necesitados. Multinacional United es una empresa encargada de la supervisión del Distrito 9, un campo de refugiados para los extranjeros que buscan un lugar lejos de su planeta moribundo, pero cuando un trabajador de MNU (Sharlto Copley) recibe un virus de uno de los aliens y comienza a alterarse en ellos, su punto de vista sobre su especie cambia para siempre.

El mensaje es claro, pero a menudo es ignorada por los espectadores conforme la raza humana en su conjunto se ve representada como maliciosa y cruel.

CRM (@carociwa)

Fuente: Taste of Cinema