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10 formidables películas de terror de la década de 1930, según el British Film Institute
Publicado el 13 - Jun - 2018
 
 
El cine de terror no comenzó en la década de 1930, o en Hollywood, pero es donde tuvo su gran oportunidad. La década anterior había visto una serie de producciones de ambos lados del estanque que se dispusieron a provocar escal - ENFILME.COM
 
 
 

El cine de terror no comenzó en la década de 1930, o en Hollywood, pero es donde tuvo su gran oportunidad. La década anterior había visto una serie de producciones de ambos lados del estanque que se dispusieron a provocar escalofríos en la audiencia, y el género encontró su primera megaestrella en Lon Chaney con adaptaciones de The Hunchback of Notre Dame (1923) y The Phantom of the Opera (1925).

Ambas películas resultaron ser grandes éxitos para el superproductor Carl Laemmle, lo que llevó a su graduación al puesto de jefe de producción en Universal en 1928. En busca de una propiedad que pudiera replicar su éxito, Laemmle se hizo con los derechos de Drácula de Bram Stoker, que poco antes había sido un éxito en Broadway.

Una sensación de taquilla, la película resultante de Tod Browning convirtió al húngaro Bela Lugosi en una estrella, preparando el escenario para una gran cantidad de imitadores. El horror pronto demostró ser una licencia para imprimir dinero, con Laemmle obteniendo derechos literarios para hacer adaptaciones, estableciendo una unidad central de producción con directores nuevos.

Uno de esos directores fue el emigrante británico James Whale, responsable de lo mejor de la carrera Universal. Frankenstein (1931), The Invisible Man (1933) y Bride of Frankenstein (1935) están justamente considerados entre los primeros puestos del catálogo de Universal, pero es solo ahora que su único atípico ha sido restaurado y reconsiderado.

Tan ingenioso y macabro como cualquiera de sus hermanos más famosos, The Old Dark House (1932) ve a Whale subvertir y satirizar el subgénero de la casa embrujada, incluso mientras ayuda a inventarlo. Es una maravilla técnica que echa un vistazo irónico a los tropos de terror incluso antes de que fueran tropos. Pueden imaginarse a los responsables del exceso de horror postmoderno de finales de los 90 frente a una película que llegó hace nueve décadas, incluso antes de que hubiera cualquier cosa para deconstruir

La década de 1930 fue realmente la edad de oro del horror. Aquí hay 10 de los mejores filmes para empezar…

 

Frankenstein

Dir. James Whale, 1931

Drácula puede haber impulsado el auge del horror de los años 30, pero es el Frankenstein de James Whale el que ha resistido la prueba del tiempo como la primera obra maestra del momento. Con la excepción de tal vez Mickey Mouse o el vagabundo de Chaplin, es difícil pensar en una creación más icónica en los anales del cine del siglo XX que en el monstruo de cabeza plana y cuello cerrojo de Boris Karloff. Tomado de una exitosa adaptación teatral en lugar de directamente de la novela de Mary Shelley, la película triunfa sobre el Drácula de Browning en virtud de la cámara itinerante de Whale y el diseño expresionista. Al igual que Shelley, sus simpatías recaen en la criatura, y la película sigue en pie casi 90 años después como la campeona perenne del cine del otro.

 

Dr. Jekyll and Mr. Hyde

Dir. Rouben Mamoulian, 1931

Tenemos suerte de que esta adaptación definitiva del clásico de Robert Louis Stevenson sobreviva en absoluto. Cuando MGM lanzó su propia versión, dirigida por Spencer Tracy una década más tarde, compraron y destruyeron todas las copias disponibles de la película de 1931. La película del emigrante armenio Rouben Mamoulian ya era la novena adaptación, la más antigua data de 1908. Es una maravilla debido al innovador trabajo de efectos especiales y las escenas de transformación aparentemente capturadas sin un corte. Sigue siendo sorprendentemente violento nueve décadas después, con su contenido sexual espeluznante que necesita recortes sustanciales cuando se volvió a publicar a finales de aquella década. Mamoulian va a la ciudad con sus toallitas de pantalla dividida y tomas en primera persona, lo que implica al público en los experimentos de Jekyll sobre los aspectos gemelos de la psique.

 

Vampyr

Dir. Carl Theodor Dreyer, 1932

Si hay una película en esta lista que le garantice pesadillas, es esta primera obra sonora del maestro danés Carl Dreyer. La primera película en el Reino Unido en recibir un certificado 'H' (por terrorífico: "Películas que pueden asustar u horrorizar a niños menores de 16 años"), Vampyr fue adaptado por su director a partir de un par de cuentos de J Sheridan Le Fanu. Originalmente concebido como una película muda, antes de filmarse en versiones francesas, alemanas e inglesas al mismo tiempo, su uso del sonido es primitivo en el mejor de los casos, aunque no es nada importante. Las imágenes son lo que está aquí, a través de las cuales Dreyer esculpe un inquietante mundo de sueños más en deuda con el cine experimental y surrealista que con el horror estadounidense de la época. Las sombras no unidas a su fuente, la película de marcha atrás y las superposiciones desencarnadas contribuyen al diseño formal alucinante, grabado a través de gasa por el director de fotografía de La Pasión de Juana de Arco, Rudolph Maté.

 

Freaks

Dir. Tod Browning, 1932

Si fue un shock en 2017 ver una película como mother! de Darren Aronofsky lanzada por un estudio importante, puede estar seguro de que la reacción atónita de los fanáticos y críticos fue aún superior con Freaks de Tod Browning. Con un recorte de casi un tercio luego de una desastrosa prueba de selección, luego sacada de la distribución por completo (estuvo prohibida durante 30 años en el Reino Unido), Freaks terminó efectivamente con la carrera de su director, que había ganado un reinado suelto luego del éxito de Drácula. "No hay excusa para esta película", escribió un crítico de la época. El metraje cortado puede perderse, pero la versión de lanzamiento disponible de Freaks ha madurado hasta convertirse en un estado correctamente canonizado. Browning se inspiró en su propia juventud itinerante con un circo secundario para su historia de amor, traición y venganza, elaborando una obra maestra humanista que sigue siendo confrontativa sin excusas hasta el día de hoy.

 

Island of Lost Souls

Dir. Erle C. Kenton, 1932

Mientras que Dr. Jekyll and Mr. Hyde de Paramount había sido montado como una producción de prestigio, no hay duda de que el subsiguiente esclarecimiento literario del estudio es algo por el estilo. Inspirado en The Island of Dr. Moreau de H.G. Wells, el filme es tan fantásticamente perverso como lo es el horror precodificado. Filmado por el gran cinefotógrafo Karl Struss (ganador del primer Oscar en la categoría de fotografía por su trabajo en Sunrise de F.W. Murnau), Simon Callow lo describe en el Blu-ray esencial de Masters of Cinema como una película que parecía venir "de otro lugar". Charles Laughton es el Dr. Moreau, el más loco de los científicos locos y el chico del cartel del género para la transferencia psicótica de impulsos sexuales deformados y reprimidos. Prohibido en el Reino Unido a través de todos los intentos de liberación hasta 1958, sus horrores darwinianos tienen una gama subversiva que va desde la vivisección hasta el canibalismo, hasta su sorprendente conclusión violenta.

 

King Kong

Dir. Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack, 1933

La apuesta de RKO por vencer a Universal en su propio juego dependía de ir a lo grande, y los monstruos de las películas no son mucho más grandes -al menos en reputación- que Kong. La idea original de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack de convocar al legendario hechicero de efectos especiales de Lost World (1925), Willis O'Brien, para dar vida a la habitante gruñón de Skull Island, fue un éxito. Como muchos de sus contemporáneos, King Kong siguió la plantilla temática de "los humanos son los monstruos reales", convirtiendo al simio gigante en una figura trágica e incluso romántica. Depende de los espectadores modernos decidir exactamente cuán dudosas son sus políticas raciales. Las secuencias de Skull Island pueden ser totalmente problemáticas (y no resueltas por Peter Jackson en su versión de 2005), pero hay una alegoría en juego en el secuestro, exhibición y posterior alboroto del isleño que está en desacuerdo con las lecturas directas de la fantasía colonial.

 

The Black Cat

Dir. Edgar G. Ulmer, 1934

La estatura de Bela Lugosi como testaferro del estallido del horror puede haber fallado tras el giro estelar de Karloff en Frankenstein, pero The Black Cat lo enfrenta cara a cara por primera vez con su adversario profesional. La muerte se cierne sobre la película de Edgar G. Ulmer; la historia de dos recién casados ​​estadounidenses que quedan atrapados en el castillo de adoración a Satanás de Hjalmar Poelzig (Karloff). Una maravilla arquitectónica, el dominio sorprendentemente modernista de Poelzig es típico de la audacia estilística de Ulmer: esta es también una de las primeras películas en utilizar un guion bajo de música en todas partes. A pesar de la presencia del nombre de Edgar Allan Poe en los materiales promocionales, Ulmer admitió fácilmente que había comprado los derechos del trabajo del autor para otorgarle un prestigio literario. De hecho, aquí hay poco que se parezca a la historia de Poe. Sin embargo, eso no importa cuando se enfrentan a una mezcla tan hábil de tropos de género.

 

Bride of Frankenstein

Dir. James Whale, 1935

Era obvio que Universal querría sacar provecho del monstruoso éxito de Frankenstein con una secuela. Al principio, el director James Whale no estaba interesado, pero luego aprovechó la oportunidad para doblar el subtexto apenas velado de la película original. Probablemente el más grande de los ciclos de películas de terror de la década de 1930, Bride of Frankenstein se erige como un texto icónico en los anales del cine queer, un asalto sin complejos a los valores conservadores y heteronormativos, entregado con inmaculado ingenio. No es difícil imaginarse a Whale y su Dr. Pretorius (Ernest Thesiger) carcajeando con estruendo por lo que habían logrado pasar de contrabando tanto a peces gordos como a audiencias del estudio. Dejando a un lado el contenido temático, se trata de una película de superficies seductoras, que avanza hacia la escena final, que ve al monstruo ganar, y ser rápidamente rechazado por su compañero. Nace otro ícono cinemático: la novia inmortal interpretada por Elsa Lanchester.

 

Mad Love

Dir. Karl Freund, 1935

Karl Freund es mejor recordado por su extraordinario trabajo como director de fotografía. Filmó algunas de las grandes imágenes alemanas de la era del cine mudo, incluida The Last Laugh (1924) para F.W. Murnau y Metropolis (1927) para Fritz Lang. Su trabajo detrás de la cámara en Dracula de Tod Browning lo llevó a dirigir The Mummy para Universal en 1932, su primer largometraje después de una docena de cortos. Antes de regresar exclusivamente a la cinefotografía, Freund presentó una de las grandes películas de terror de 1930 con Mad Love. En uno de sus papeles más emblemáticos, Peter Lorre interpreta al Dr. Gogol, un cirujano que reemplaza las manos de un pianista herido con las de un asesino, todo con el fin de acercarse a la esposa del hombre. Lorre muestra una simpática figura como el loco y desaprensivo médico, pero es la deslumbrante dirección de Freund (junto con la magistral cinefotografía de Gregg Toland) la que lo eleva de la gótica película B a una de las obras maestras del expresionismo.

 

The Hunchback of Notre Dame

Dir. William Dieterle, 1939

Con su deslumbrante recreación del París del siglo XV, The Hunchback of Notre Dame fue una de las producciones más caras de RKO. Desde las calles atestadas de gente hasta el imponente conjunto de la catedral, construido por el diseñador de producción de Citizen Kane, Van Nest Polglase, es una de las visiones más deslumbrantes de la Europa medieval que adorna la pantalla. Mientras Maureen O'Hara deslumbra como Esmeralda, Quasimodo de Charles Laughton es la atracción principal, lo que le otorga al biógrafo Simon Callow su mayor actuación. En el malvado disgusto de Frollo (Cedric Hardwicke) por la comunidad gitana de París, no es difícil leer la ira de Dieterle y Laughton contra el levantamiento nazi y la naturaleza venenosa de la autoridad religiosa. The New York Times lo llamó un "espectáculo raro", pero - 80 años después - The Hunchback of Notre Dame parece una súplica siempre poderosa para el trato humano de las comunidades de inmigrantes.

 

Trad. EnFilme

Fuente: British Film Institute

 
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