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10 notables debuts en Estados Unidos de directores británicos, según el British Film Institute
Publicado el 22 - May - 2018
 
 
Tentados por estrellas más conocidas, presupuestos más grandes y paisajes más majestuosos, los cineastas ingleses -Alfred Hitchcock, Ridley Scott, Steve McQueen y Lynne Ramsay, entre otros- han sentido el atractivo de filmar en territ - ENFILME.COM
 
 
 

Una conmovedora historia de caballos, penurias y angustia, Lean on Pete (2017) es la nueva película de Andrew Haigh, director inglés de los aclamados Weekend (2011) y 45 Years (2015). Cuenta con Charlie Plummer como un adolescente solitario que se muda a una polvorienta ciudad de Oregón y se tropieza con el mundo de las carreras de caballos. Después de entablar una amistad con un caballo llamado Lean on Pete, los acontecimientos trágicos llevan al niño a robarlo y emprender un viaje hacia el este en el épico paisaje estadounidense.

A pesar de que ya se había ganado su estilo estadounidense con su serie de HBO, Longing, establecida en San Francisco, Lean on Pete es la primera película de Haigh en suelo estadounidense, siguiendo un rastro que muchos cineastas del Reino Unido han hecho antes que él. Tentados por estrellas más conocidas, presupuestos más grandes y paisajes más majestuosos, los cineastas ingleses -Alfred Hitchcock, Ridley Scott, Steve McQueen y Lynne Ramsay, entre otros- han sentido el atractivo de Norteamérica.

 

Rebecca

Dir. Alfred Hitchcock, 1940

Veinticuatro películas en su carrera, el joven maestro del suspenso de Gran Bretaña fue atraído a Hollywood para rodar Rebecca, un romántico thriller psicológico. Hecho bajo contrato con el productor David O. Selznick, esta historia de una mujer atormentada por el recuerdo de la primera esposa muerta de su marido se establece en la costa de Cornualles, pero se filmó en Big Sur y Palos Verdes en California. Al igual que muchos directores del Reino Unido antes y después, Hitchcock se encontró trabajando con su mayor presupuesto y los valores de producción más altos hasta esa fecha, y en 130 minutos, Rebecca también era su película más larga. Pero esas 5,000 millas no hicieron nada para reducir el toque de Hitchcock, y el resultado el suspenso fue tan fino como sus mejores películas británicas.

 

Sweet Smell of Success

Dir. Alexander Mackendrick, 1957

En este ardiente cine negro de finales de los 50, el director Alexander Mackendrick deja al descubierto el lado sórdido de Manhattan con Tony Curtis interpretando a Sidney Falco, un agente de prensa a sueldo del brutal columnista J.J. Hunsecker (Burt Lancaster). Un escocés en Nueva York. Mackendrick se había hecho famoso en casa con comedias como Whisky Galore! (1949) y The Ladykillers (1955), aunque fue The Man in the White Suit (1951) la que dio la mejor advertencia sobre la mordaz sátira de esta película. También se transmite por el Atlántico su gusto por el rodaje de la ubicación: Sweet Smell of Success está plagado de lugares reales, incluidos Broadway, Queensboro Bridge y Times Square en hora punta. El resultado es una fascinante vista de los visitantes de Nueva York a fines de los años cincuenta.

 

Point Blank

Dir. John Boorman, 1967

Después de una serie de documentales para la televisión británica, el cineasta nacido en Shepperton, John Boorman, hizo la transición a Hollywood con la historia de un criminal del inframundo (Lee Marvin) en una misión para recuperar una tonelada de efectivo que le fue robada. Boorman estaba fascinado con la arquitectura modernista de la costa oeste, y eligió filmar en lugares que le parecieron particularmente difíciles. En una pantalla panorámica épica, filmó una intersección de los pasos elevados de LA y, en una de las escenas más célebres de la película, una pasarela terminal en el Aeropuerto Internacional de San Francisco, donde seguimos el personaje de Marvin, sus pasos resuenan fuertemente mientras el tiro cruza y retrocede entre la terminal y su esposa en casa.

 

The Man Who Fell to Earth

Dir. Nicolas Roeg, 1976

Nicolas Roeg ya había inspeccionado texturas de otros mundos al oeste de Londres (Performance, 1970), el interior de Australia (Walkabout, 1971) y Venecia (Do not Look Now, 1973) cuando hizo su debut en los Estados Unidos con esta rareza de ciencia ficción de culto protagonizada por David Bowie como un alien humanoide que llega a la Tierra para obtener agua para su planeta moribundo. El filme fue característicamente ingenioso, llevando la sensibilidad visual embriagadora de Roeg y sus zoom-pads, cortes de salto y reflejos de lente a los polvorientos paisajes de Nuevo México. A través de su cámara, América se ve desde una perspectiva propiamente alienígena, en una paleta de colores azules que da a la película un toque surrealista y clínico. Al igual que otros autores europeos que aterrizan en Estados Unidos (piense en Michelangelo Antonioni con Zabriskie Point o Wim Wenders en París, Texas), Roeg vio el país con un par de ojos nuevos, lo que resultó en una visión teñida de asombro y escepticismo.

 

Memento

Dir. Christopher Nolan, 2000

Nacido en Westminster, Christopher Nolan filmó su debut como director en Londres en 1998, después de solo £ 3.000. Fue en la parte posterior del éxito crítico de la película que finalmente reunió un presupuesto de4.5 millones de dólares para su primera película estadounidense y su gran éxito, Memento. Filmada en Los Ángeles y escrita por su hermano Jonathan, la película sigue a un hombre con amnesia anterógrada (Guy Pearce) que utiliza notas garabateadas, polaroids y tatuajes para cazar al hombre que asesinó a su esposa. En una jugada increíblemente ambiciosa para su primera película en los Estados Unidos, Nolan eligió desafiar al público contando la historia al revés, dando a los espectadores una prueba de la perspectiva fracturada y confusa del protagonista. Sin embargo, dio sus frutos, y Nolan estableció con éxito el terreno para más películas que tejen historias complejas y acciones en el entretenimiento cerebral. Memento fue un éxito de taquilla y recibió una nominación de la Academia por su guion. El resto es historia.

 

Birth

Dir. Jonathan Glazer, 2004

Tras su debut en la escena con Sexy Beast (2000) y una serie de videos musicales aclamados por la crítica, el cineasta nacido en Londres, Jonathan Glazer, puso un pie en Manhattan para rodar Birth, un drama asombroso sobre un niño que intenta convencer a una mujer (Nicole Kidman) que él es su esposo muerto. Mientras que muchos cineastas británicos tienden a ser más grandes y más ruidosos en sus debuts en los Estados Unidos, Birth en realidad atenúa la osadía visual de Sexy Beast, creando algo que es más sutil y distintivo en el proceso. Por ejemplo, la escena de apertura de un corredor encapuchado en un nevado Parque Central. Filmada por Harris Savides en una toma larga desde atrás, y acompañada por el inquietante puntaje orquestal de Alexandre Desplat, su inquietante belleza es suficiente para provocar escalofríos en su espina dorsal. Después de esto, Glazer solo ha hecho una película más, Under the Skin (2013), en Escocia, del 2013, y aún está por ver si volverá a sentir el atractivo de EE. UU.

 

Scott Pilgrim vs. the World

Dir. Edgar Wright, 2010

Para el director nacido en Dorset y responsable de la serie cómica de finales de los 90, Spaced, el clásico zombie apocalíptico Shaun of the Dead (2004) y la comedia desenfrenada de policías Hot Fuzz (2007), la transición a Hollywood era inevitable, incluso si parecía ser algo típicamente británico sobre su humor y puntos de referencia. El salto fue hecho con aparente facilidad, sin embargo, con Scott Pilgrim vs. the World, una parodia de comedia con Michael Cera como el vagabundo que lucha contra los siete exnovios malvados de su nueva novia. Incorporando pantalla dividida, cámara lenta, corte paulatino y colores vibrantes, el estilo enérgico de Wright alcanza alturas vertiginosas, reforzado por un presupuesto de $ 90 millones. Wright produjo, dirigió y coescribió el guion nítido, convirtiendo el lenguaje visual de la fuente original en un cine emocionante y allanando el camino para los efectos visuales de su reciente éxito, Baby Driver (2017).

 

We Need to Talk about Kevin

Dir. Lynne Ramsay, 2011

Después de la gran aclamación por sus dos primeras cintas, Ratcatcher (1999) y Morvern Callar (2002), hubo silencio en el campamento de Lynne Ramsay durante casi una década. Pero la directora nacida en Glasgow regresó triunfalmente en 2011 con este drama ambientado en los Estados Unidos, adaptado del libro de Lionel Shriver sobre el alejamiento emocional de una madre de su difícil hijo. Trabajando con más dinero y estrellas de renombre, We Have to Talk, Kevin todavía muestra la misma confianza firme y la sensibilidad ferozmente imaginativa que le dio nombre a Ramsay. Está lleno de imágenes atrevidas ya menudo desconcertantes: esa pintura roja que salpica como sangre en la casa de la familia; Tilda Swinton de pie frente a hileras y filas de sopa de tomate en un supermercado, que permanecen en la mente mucho tiempo después. Su carrera ha continuado su fase estadounidense más recientemente con el thriller de venganza brutal You Were Never Really Here.

 

Shame

Dir. Steve McQueen, 2011

Habiendo estallado en la escena cinematográfica con Hunger (2008), su drama minimalista sobre la huelga de hambre de 1981 de Bobby Sands, la primera película estadounidense del artista británico Steve McQueen, ganador del premio Turner, fue muy esperada. Con Shame, el cineasta nacido en Londres aterrizó en Nueva York para capturar una historia desgarradora de las luchas de un adicto al sexo con la intimidad. Significativamente, McQueen continuó con el mismo productor (Iain Canning) y el director de fotografía (Sean Bobbitt) de su primera película, explicando que era como una banda que volvía a estar junta para otro álbum. A pesar de la configuración muy diferente, es un álbum con una estética similar a la de Hunger, que comprende las mismas tomas largas inquebrantables y otra actuación deslumbrante de Michael Fassbender. McQueen se quedó en los Estados Unidos (y ganó un Oscar en el proceso) para hacer 12 Years of Slave (2013), pero cada vez que instala su cámara, su firma única queda estampada en cada fotograma que filma.

 

American Honey

Dir. Andrea Arnold, 2016

Después de su adaptación muy inglesa, muy azotada por el viento de Cumbres borrascosas en 2011, Andrea Arnold tocó las carreteras bañadas por el sol de América. La road movie de la directora nacida en Dartford sigue a una adolescente (Sasha Lane) que se une al equipo de ventas de una revista itinerante y queda atrapada en un torbellino de bebida, drogas y amor en la carrera. Rodada en un viaje de 12,000 millas con actores en su mayoría no profesionales, American Honey vuelve a tener esa frescura de perspectiva que acompaña a una cineasta europea intrigada por el romance y la libertad que ofrece un tramo abierto de la autopista estadounidense: en la inmensidad de un país 40 veces más grande que Inglaterra. Es una película estadounidense que solo Arnold podría haber hecho, desde su uso característico de la relación de aspecto 4:3 hasta su característica sensibilidad a la naturaleza, como el momento tranquilo en que el personaje de Lane queda hipnotizado por las ondas en la plácida superficie de un lago. En momentos como estos, sientes la maravilla y la curiosidad de Arnold sobre esta tierra extranjera.

Trad. EnFilme

Fuente: British Film Institute

 
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