En este espacio compartiremos nuestras impresiones sobre cada uno de los largometrajes que integran la selección oficial en competencia Ahora México de la 7ª edición del Festival Internacional de Cine UNAM.

Casa Roshell

Dir. Camila José Donoso, México/Chile, 2017.

★★★★

Casa Roshell es un espacio que cobra vida durante las noches; se trata de un lugar donde las normas de género se aniquilan y los hombres asisten con plena libertad para transformarse en mujeres sin pena ni temor, sin ser juzgadas ni discriminadas; un refugio para los hombres que fuera de él no pueden travestirse o que incluso tienen miedo de hacerlo. La realizadora chilena Camila José Donoso posee un ojo hábil y pertinaz para mostrar pacientemente cómo funciona este club nocturno de la Ciudad de México; su mirada es respetuosa y honesta, no juzga ni lanza prejuicios, al contrario, la cámara arropa con elegancia, tolerancia, sinceridad y amabilidad a estos hombres que desean asumir una personalidad completamente nueva aprendiendo a caminar, vestirse y hablar apropiadamente como mujeres. El filme comienza lentamente documentando de manera meticulosa el proceso de la transformación; conforme la noche avanza, se intensifica la música, el baile y la camaradería, evidenciando así un sentido genuino de comunidad. La directora logra romper todos los estereotipos del travestismo –aquellos asociados a la violencia de género, la discriminación o la femineidad– para centrarse en la fraternidad, la festividad y cuestionamientos existenciales en torno a la identidad, la apariencia, la transformación y el cuerpo.

LFG (@luisfer_crimi)

Esa era Dania

Dir. Dariela Ludlow, México, 2016.

★★★

Borrando los límites entre la ficción y el documental, la cineasta mexicana, Dariela Ludlow (cinefotógrafa de No quiero dormir sola y Los bañistas), se aproxima a la joven Dania –familiar de la realizadora– para mostrar las peripecias y dificultades que implica la maternidad adolescente, así como el retrato de una joven que sólo quiere escapar de su realidad mediante la inmersión en las redes sociales. La protagonista se dirige a la cámara para hablar de lo difícil que es su vida; sus actitudes vinculadas a la apatía, el enojo y la pereza sólo muestran a una mujer con pocas (o nulas) ganas de salir adelante, pero sin ninguna manipulación melodramática que pueda despertar lástima o pena. Aunque el guión es endeble debido a que el filme se construye a partir de la selección del material recopilado y el arduo trabajo de edición de Miguel Schverdfinger, el filme destaca por la manera arriesgada en que la directora recurre a varios formatos y soportes –el dispositivo móvil y portátil se convierte en pieza clave de la narrativa y del aspecto visual del filme– para aludir a las nociones de ‘multipantalla’ de Gilles Lipovetsky y explorar la manera en que opera el culto a lo hipervisual en la actualidad.

LFG (@luisfer_crimi)

Zeus

Dir. Miguel Calderón, México, 2016.

★★★½

Después de desarrollar la mayor parte de su trabajo en los terrenos de la fotografía, la instalación y el video, Miguel Calderón –perteneciente a la generación de artistas visuales, incluyendo a Yoshua Okón y Artemio Narro, que fundó La Panadería (un espacio de arte alternativo instaurado en 1994 en la Ciudad de México)– incursiona en el cine con Zeus (2016), filme de ficción que sagazmente introduce el tema de la cetrería para desarrollar un relato donde los crueles mecanismos de supervivencia animal son equiparados a las agresivas y malsanas conductas que los seres humanos adoptan para vincularse entre ellos, específicamente cuando los juegos de manipulación, egoísmo, sobreprotección e indiferencia entre madre e hijo salen a la luz. Los encuadres muy marcados y los límites muy bien definidos de cada cuadro, incluso cuando la cámara está en movimiento, responden a la formación del realizador, pero también a la visión del cinefotógrafo Matías Penachino (Halley, 2012), quien configura una sensación de intimidad siguiendo los pasos del protagonista y creando un par de atrayentes y perturbadoras imágenes oníricas donde la madre y el halcón se vinculan a partir del deseo y la muerte.

LFG (@luisfer_crimi)

3 mujeres (o despertando de mi sueño bosnio)

Dir. Sergio Flores Thorija, Bosnia-Herzegovina/México, 2016.

★★★★ 

Filmada en la ciudad de Sarajevo, 3 mujeres es una película que se caracteriza por un riguroso realismo, una cuidadosa puesta en escena, planos fijos de larga duración, pocos cortes,  pocos desplazamientos de cámara,  el uso de la luz natural, el empleo de la música diegética y la participación de actrices no profesionales para trazar tres historias de vida donde se conjugan las esferas de lo social y lo existencial en un marco conservador e intolerante. Además de hacer referencia al enorme éxito que tienen las telenovelas en aquel país europeo, Sergio Flores Thorija, quien estudió en Film Factory –escuela fundada por el cineasta húngaro, Béla Tarr–, introduce sutil y eficazmente otros dos elementos pertenecientes a la cultura mexicana (Frida Kahlo y Los Ángeles Azules) en un contexto que sigue padeciendo los estragos de las guerras suscitadas en la década de 1990, donde, rompiendo con los exagerados tropos del melodrama, viven tres mujeres que no se asumen como víctimas de la sociedad y buscan ingeniosas maneras para superar sus conflictos.

LFG (@luisfer_crimi)

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