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Imperdibles de la 55 muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional
Publicado el 08 - Nov - 2013
 
 
Da inicio la 55 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca. Se proyectarán 22 largometrajes que ofrecen un panorama bastante vasto del mejor cine internacional y nacional del 2013. - ENFILME.COM
 
 
 

 

Como ya es tradición, la Cineteca Nacional inaugura su anual Muestra Internacional de Cine con otra de las películas restauradas del acervo de Gabriel Figueroa del que Fundación Televisa es dueño. Hace dos años, lo hizo en el Auditorio Nacional con Los olvidados (Luis Buñuel, 1950); el año pasado fue en las entonces recién reabiertas y renovadas instalaciones de la Cineteca con Macario (Roberto Gavaldón, 1960), ahora lo hace con una perla del cine mexicano, Distinto amanecer, que nos provoca esperar, aún con más ansias, la ya anunciada, aunque no develada sorpresa del 2014. Mientras tanto, y como es buena costumbre, con un puñado de 21 películas (sin incluir Distinto…) la Muestra ofrece un panorama bastante vasto del mejor cine internacional y nacional del 2013 y algunas del 2012. Con gusto, entre todo el equipo, las iremos reseñando para ustedes y lo que escribimos pueden verlo, junto con sus respectivos horarios, abajo. Las que no hemos visto hasta ahora, tienen, mientras son reseñadas, trailer. Les recomendamos ver absolutamente todas, pero si el tiempo, como suele pasar, no es bondadoso con ustedes, iremos poniendo una calificación a cada una para contribuir en la difícil y no siempre tan gustosa tarea de tener que elegir.

SOR (@SofOchoa)

 

Distinto amanecer  

(Dir. Julio Bracho, 1943)

★★½

Pedro Armendáriz interpreta a un especie de luchador social con tintes de detective secreto, cuyo cómplice acaba de ser asesinado. Es seguido por un hombre de anteojos que parece estarlo llevando a un callejón sin salida. La buena suerte –que abunda en este filme– lo pone por casualidad frente a Julieta (Andrea Palma) y a su esposo, el pobre escritor Ignacio Elizalde (Ignacio Galán), unos compañeros de clase en la juventud con quienes compartía ideales sociales, y con Ignacio, el gusto por la misma mujer. Ellos lo ayudan a ejecutar una misión peligrosa y de suma importancia para el futuro de los sindicatos mexicanos, y los tres forman un triángulo amoroso que permiten que cuando Julieta camina a la mitad de una calle del centro histórico de la Ciudad de México, confundida, en una mañana, Gabriel Figueroa haga de las suyas con un encuadre y una secuencia inolvidables que Emilio Maillé rescató para el afiche de su documental sobre el mítico cinematógrafo, y para el documental mismo, Miradas múltiples, (2012). Pero no todo en el filme alcanza esa conmovedora tesitura. Más bien, a la distancia, resulta en general dotado de un humor involuntario que, a pesar de sus valores de producción, se acentúa por los melodramáticos y rígidos diálogos de Xavier Villaurrutia, las actuaciones acartonadas, la torpe y esquemática dirección, y los continuos fuera de foco.

SOR (@SofOchoa)

 

 

Joven y bella

(Jeune et jolie, Dir. François Ozon, 2013)

★★★½

Hay un resquicio en la mente de las mujeres que permanece inaccesible para los hombres y que les produce una imaginativa curiosidad: los mecanismos de su deseo sexual. Como Buñuel en Belle de jour (1967), en Jeune et jolie François Ozon explora los de una joven y bella –aquí adolescente– que recibe su despertar sexual muy a la Ozon, con una mezcla de inocencia, sensualidad, misterio y perversión. Después de perder la virginidad durante un verano con un joven prácticamente desconocido, sin crear el más ligero lazo afectivo, decide convertirse en prostituta. Su muy bien remunerada profesión tiene repercusiones en su familia, que parece ser demasiado normal como para tener a un miembro con inclinaciones tan poco burguesas. Como es costumbre de Ozon, el ostentoso regodeo en sus atmósferas de thriller pérvido repercute negativamente en el desarrollo de sus personajes y de la historia. Aunque con Marine Vacth de protagonista, su monstruo sexual entrará sin problemas a la lista de las femme fatales inolvidables del cine.

SOR (@SofOchoa)

 

 

Gloria 

 (Dir. Sebastián Lelio, Chile-España, 2013)

★★★★ 

*Imperdible

El cine suele posar su mirada en los niños, en los adolescentes, en los jóvenes, en los llamados adultos contemporáneos, incluso en los ancianos, pero rara vez se interesa por escudriñar la vida de quienes han dejado ya el último arañazo de juventud pero aún se resisten a formar parte de las filas de la senectud. Gloria, el filme, lo hace; con enorme respeto, con genuino interés y también con franca resolución. Paulina García es Gloria, y sin su carisma, su belleza y su arrebatadora personalidad, además de la naturalidad de su talento, este filme difícilmente habría trascendido de la forma en que lo consigue. Su interpretación la hizo merecedora del Premio a Mejor Actriz en la pasada Berlinale. Gloria es una chilena, cincuentona, divorciada, con dos hijos mayores (hombre y mujer), tremendamente atractiva y joven de espíritu. Su generación es, probablemente (al menos en Latinoamérica) la primera en la que, a esa edad, sigue habiendo individuos (hombres y mujeres) que se niegan a asumir de forma sumisa la capitulación de vivir la vida como se les antoje; sin necesidad de ceñirse a las enlamadas hormas de comportamiento habituales en la sociedad. Gloria es un alma libre. Es como una adolescente tardía que rechaza con energía el paso a la adultez, que digo a la adultez, a la vejez. Disfruta ir a bailar sola (a clubes de mayores de cincuenta), ligar, tener sexo, emborracharse, fumarse un porro, y al mismo tiempo trabajar, llevar su casa, sufrir desilusiones, fungir como abuela y cantar; le gusta mucho cantar. Goza de ser ella, como es, apasionada y decidida. Pero como ocurre con todo pionero, no termina siendo fácil, ni en nichos abiertos a estas innovaciones en los códigos sociales, encajar plena y armónicamente con el entorno. Por lo general, suele haber un punto de fractura; un estigma donde se resquebraja la docilidad con que, idealmente, un ser como Gloria encajaría en la realidad que lleva de forma asumida. La intolerancia del tiempo, los vestigios del pasado, la incapacidad de algunos de sus contemporáneos para comprometerse a fondo con esta negación a resignarse, y en ocasiones, también, la realidad misma, hacen tambalear a Gloria, poniendo en predicamento, incluso, su dignidad. Ella, sacudiéndose, se yergue para, sometiéndose a las bondades y desdichas que sus decisiones le ocasionen, seguir viviendo.  Qué filme tan comprometido es Gloria; y qué forma tan amorosa y delicada con que su director, Sebastián Lelio, la ha llevado del brazo.

AFD (@SirPon)

 

 

La postura del hijo

(Pozitia copilului, Dir. Calin Peter Netzer, 2013)

★★★★ 

*Imperdible

 La conocida ‘nueva ola rumana’ (encabezada por Cristi Puiu, La muerte del señor Lazarescu, 2005; y por Cristian Mungiu, 4 meses, 3 semanas, 2 días, 2007) solía fijar su mirada en temas concernientes a la clase trabajadora. Calin Peter Netzer retoma el realismo puro de aquellos para abordar su historia en Child’s Pose (si bien con una cámara mucho más nerviosa), pero elige revisar un caso de la clase privilegiada de su país. El irresponsable y atenido junior, treintón, de un matrimonio muy bien conectado en las esferas políticas de Rumania, atropella a un jovencito humilde por andar ejecutando valentonadas en la carretera. Pese a la áspera y grosera forma como es tratada por su niño, y la probada culpabilidad que tuvo en el accidente, la madre, una arquitecta articulada y ostentosa (estupenda interpretación de Luminita Gheorghiu), moverá lo que sea necesario para evitar que pise la cárcel. El director comentó en el Q&A que principalmente le interesaba diseccionar esa extraña relación entre madre e hijo, y sí, lo hace de manera penetrante, además de modular paulatinamente las reacciones humanas de los involucrados hacia la compasión; pero también, aunque Netzer aclarara que no era su intención, Child’s Pose, ganadora del Oso de Oro en la Berlinale de este año, permite ver una Rumania manejada por una clase social y política formada por ‘nuevos ricos’ corruptos y con pocos escrúpulos o sin ellos. ¿Les suena familiar?

 AFD (@SirPon)

 

 

De tal padre, tal hijo

(Like Father, Like Son, Dir. Hirokazu Koreeda, 2013)

★★★★

*Imperdible

El drama sigue a dos familias que descubren que sus hijos, actualmente de seis años, fueron intercambiados al nacer en el hospital, de manera que cada uno crece con la que no es su familia biológica. A partir de esta revelación, decisiones conmovedoras sobrevienen sobre la naturaleza versus crianza, los padres y la identidad. Ambas familias deberán a poner a prueba su templanza y principios morales hasta que afloren los verdaderos sentimientos.

Like Father, Like Son de Hirokazu Kore-eda (Kiseki, 2011) se sitúa en la época contemporánea y está estructurada de una manera progresiva, cronológica, sin sobresaltos ni sorpresas. La atmósfera serena de la cinta la dota de una cadencia suave durante las escenas del primer encuentro entre las familias, los juegos, los diálogos, las interacciones entre los niños y sus nuevos padres se van sucediendo de manera natural. El cineasta consigue un retrato delicado del tema filial y del mundo adulto que se ve convulsionado por los quiebres de la infancia. La película fue una de las grandes favoritas a la Palma de Oro del pasado Festival de Cannes. Aunque no ganó el principal galardón sí se llevó el Premio del Jurado, además de una Mención Especial del ecuménico comité encabezado por Steven Spielberg.

 

VSM (@SofiaSanmarin)

 

 

Érase una vez yo, Verónica 

(Dir. Marcelo Gomes, 2012)

★★★

El filme arranca con voz en off (parece estar de moda) con imágenes de lo que parece una orgía en una playa brasileña. Verónica (Hermilla Guedes), la protagonista, cavila acerca de la importancia que tiene el sexo en su vida, en un escalón bastante más alto que el de la propia búsqueda del amor. Sin embargo, también, en su escala de prioridades ocupan un sitio preponderante tanto su carrera, la medicina psiquiátrica, como el cuidado de su padre, que ya es viejo, es muy bonachón y cariñoso con ella, pero está delicado de salud. Verónica tiene una grabadora de voz que utilizaba para estudiar pero, ahora que se ha graduado y pensaba jubilarla, le sirve a manera de diario. A través de ella intenta explicarse su constante insatisfacción, sus temores, sus sueños, aspiraciones y, claro, sus deseos. El realizador, Marcelo Gomes captura con suavidad y mucha intimidad la forma en que trabaja la mente de esta psiquiatra, que no termina de entender muy bien quién es ella misma (supongo que como la mayoría de los humanos) y que sin embargo debe ayudar a otros a hacerlo. Por momentos el filme parece reiterativo y la historia se estanca, no avanza, pero apoyada en el encanto de las interpretaciones de Verónica y su padre y en un muy cadencioso soundtrack (que, por cierto, incluye el tema, eh, ‘Verónica’ del buen Victor Yturbe ‘El Pirulí’), consigue cerrar, en forma circular el filme, con un tono optimista que, para Gomes, representa regresar a esa secuencia de la playa, aunque esta vez teniendo un tono más de camaradería y distensión.

AFD (@SirPon)

 

 

La casa de la radio 

 (Dir. Nicolas Philibert, Francia, 2013)

★★★★

*Imperdible

La Maison de la radio (Dir. Nicolas Philibert, 2013)

De amanecer a amanecer, Nicolas Philibert, director del conmovedor documental Ser y tener (2002), hace un homenaje a la colosal Radio France, una estación pública de Francia, asentada en París, que está por cumplir cuarenta años de edad. Muestra con cándida cercanía las actividades de un atractivo puñado de profesionales del sonido desempeñando sus específicas tareas con un grado de entrega y perfección que podría parecer imperceptible al oído común, pero Philibert se encarga de que veamos y apreciemos la diferencia. Una editora corrige lo mismo puntos y falta de información en un guión que la entonación plana al leer del joven aprendiz; otra mujer hace repetir a un locutor una y otra vez las mismas frases literarias sobre la muerte para que la entonación, aunque está bien en las primeras lecturas, sea perfecta; lo mismo con la grabación en vivo de un trío y una cantante de ópera: “estuvo bien, pero seamos perfeccionistas”; un músico ha dedicado su vida entera, desde la niñez, a construir instrumentos musicales con piezas recicladas, coloca con ternura unas ligas de plástico en una maquinaria para que sirvan de cuerdas, mientras sopla suavemente en la boquilla de una trompeta que desemboca en una burbuja de agua; un hombre se esconde en el bosque mientras graba y escucha, paciente, los sonidos que el ambiente produce; el legendario guionista de cine, Jean-Claude Carrière, con la soltura de sus palabras, provoca que imaginemos los sonidos de un París ya desaparecido siglos atrás… resulta inimaginable por la abismal diferencia respecto al actual… De repente, un ruido que retumba a través del muro, que nosotros, los espectadores, percibimos hasta que vemos en pantalla a los profesionales paralizados en sus tareas, detiene las actividades de toda la estación, pues si continuaran trabajando con esa mancha sonora, ensuciaría su trabajo…

 

Este ‘detrás de micrófonos’ es una lección sobre los alcances del refinamiento sonoro, en una multitud de ramos –no solo la música–, pero, sobre todo, de la pasión y meticulosidad con la que cualquier actividad debe ser realizada para obtener el mejor resultado y estar a la altura de una institución que le permite a cientos de personas desarrollarse con salud y dar a conocer sus talentos. Philibert honra a todos estos profesionales y, claro, a Radio France, predicando con el ejemplo.

SOR (@SofOchoa

Horarios:

Sala Lido:   

Domingo 1 de diciembre 14:00, 17:00, 20:00 hrs.

Sala Nellie Campobello CCD:  

Lunes 2 de diciembre 16:00, 18:00, 20:00 hrs.

 

Solo Dios perdona

(Only God Forgives, Dir. Nicolas Winding Refn, 2013)

★★★1/2

Only God Forgives, de Nicolas Winding Refn, es un thriller asentado en Bangkok que se centra en Julian (Ryan Gosling), un capo de la droga, quien huyó de la justicia en Estados Unidos y en la actualidad dirige un club de boxeo tailandés para cubrir el tráfico de drogas. Su madre es la cabeza de una vasta organización criminal que acaba de arribar para repatriar el cuerpo de su hijo favorito, Billy, hermano de Julian, y asesinado por haber matado a una joven prostituta. Julian recibe el encargo por parte de su madre de vengar la muerte de su hermano, pero un policía desquiciado y con poderes sobrenaturales está siguiendo todos sus movimientos.

Only God Forgives es una película narrada en slow motion y puro avant garde audiovisual. Se trata de un melodrama que retoma la típica historia de venganza y lucha como espejismo de una realidad sórdida y violenta, donde niñas preadolescentes son violadas e incluso asesinadas en un paraíso turístico internacional. La violencia es ceremonial, gráfica y estilizada en ese mundo amoral. Cada gesto se convierte en ritual; cada destino, prefigurado. Los personajes trascienden la individualidad y se convierten en arquetipos: el vengador (Gosling) demasiado paralizado por el miedo y la duda de tomar medidas, temor de su propia capacidad para el mal, el guerrero con su propio código moral rígido. La violencia innata y los instintos primitivos de venganza únicamente pueden ser frenados por ese componente sobrenatural y espiritual que el propio título de la cinta se encarga de recordarnos: Dios o un enviado divino, un ángel exterminador que se ocupará de las fechorías de esa familia disfuncional y psicópata. Only God Forgives es un estudio alucinatorio de la culpa y una visión de lo que podría ser el purgatorio como castigo para un hombre atrapado en el infierno.

VSM (@SofiaSanmarin)

Horarios:

Sala Lido:  

Lunes 2 de diciembre 14:00, 17:00, 20:00 hrs.

Sala Nellie Campobello CCD   

Martes 3 de diciembre 16:00, 18:00, 20:00 hrs.

 

 

Jazmín Azul

(Blue Jasmine, Dir. Woody Allen, 2013)

★★★★ 

*Imperdible

La bella e impecable pero a la vez neurótica Jasmine (Cate Blanchet) acaba de perderlo todo: su vida ostentosa, su matrimonio perfecto. Afectada por el revés monetario y emocional –a causa de los negocios fraudulentos de Hal, su exmarido (Alec Baldwin)–, se refugia en el modesto departamento de Ginger (Sally Hawkins), su generosa hermana menor que reside en San Francisco. Horrorizada por la condición de obrera de Ginger, Jasmine se niega a aceptar su nueva realidad, y la evade ingiriendo calmantes y alcohol que acaban haciendo mella en la conciencia ya de por sí quebrantada de la mujer. La maníaca y temblorosa Jasmine deambula entre la realidad y la fantasía. ¿Es una víctima o el arquitecto de su propia desgracia?.  

Woody Allen dibuja en Blue Jasmine una tragicomedia sobre las desventuras de una socialité neoyorquina venida a menos. Explora los delgados límites de la negación y la realidad. El mundo delirante de la protagonista se nos presenta intercalando momentos del presente con el pasado, ágiles flashbacks que nos explican las razones de la condición actual de la protagonista. El personaje decadente de Jasmine tiene elementos de la Melinda Robicheaux de Melinda and Melinda (2004) de Allen, una mujer infeliz y desequilabrada, exesposa de un supuesto artista que termina estafándola, que debe reiniciar su vida con la ayuda de una amiga multimillonaria. Cate Blanchett da una de sus mejores interpretaciones, excepcional a la cabeza del reparto. Con diálogos hilarantes, en boca de una clase alta neoyorquina de yuppies es uno de los filmes más incisivos y divertidos de los últimos 20 años de la carrera de Woody Allen.

VSM (@SofiaSanmarin)

 

 

Amor índigo 

(Mood Indigo, Dir. Michel Gondry, 2013)

★★★

Esta nueva película del director Michel Gondry, basada en la célebre novela del músico y escritor Boris Vian, La espuma de los días (1946), narra las aventuras de Colin (Roman Duris), un joven millonario y excéntrico que vive feliz junto a su amigo y cocinero Nicolás (Omar Sy). El mejor amigo de Colin es Chick (Gad Emaleh), un devoto seguidor del filosófo Jean-Sol Partre (parodia del autor de El ser y la nada [1943], Jean Paul-Sartre). Su idolatría llega a tanto que es adicto a unas pastillas que inducen a un estado mental supuestamente parecido al del escritor francés. Incluso hay un jarabe que induce al existencialismo. En una fiesta, Colin conoce a Chloé (Audrey Tatou), una chica adorable con la que queda encantado. En un breve lapso de tiempo se enamoran y después de seis meses la pareja se casa. Durante la luna de miel, mientras duermen, ella se traga un nenúfar, una flor que se aloja en su pulmón derecho. A partir de aquí la trama pasa de la luminosidad a la oscuridad. La pareja tiene que afrontar un duro golpe como la enfermedad, la carencia, el dolor y, finalmente...

Michel Gondry apuesta por una estética cálida y burlesca que asombra en sus primeros minutos, aunque agotadora a la larga. La animación en stop-motion, las pantallas partidas y escenarios que se transforman según el estado de ánimo de los protagonistas, son la principal herramienta del director para bordear la novela de Vian. El director francés se encuentra particularmente interesado en  materializar el universo imaginario del autor (naves espaciales camufladas de nubes, timbres que cobran vida en forma de escarabajos, zapatos y mesas que caminan por sí mismos) que plasmar la tragedia de sus personajes. A pesar del competente cuadro actoral que también incluye al versátil Sy y al comediante Elmaleh las interpretaciones devienen frías y caricaturescas. Es en la segunda mitad de la historia que el director logra impregnar con su imaginería fúnebre la dulce y triste historia de Chloe y Colin. 

VSM (@SofiaSanmarin)

Horarios:

Viernes 29 de novimebre 12:00, 15:00, 18:00 hrs.

Sala lido:

Miércoles 4 de diciembre 14:00, 17:00, 20:00 hrs.

Sala Nellie Campobello CCD:

Miércoles 4 de diciembre 16:00, 19:00 hrs. 

 

Piedad 

(Pieta, Kim Ki-duk, 2012)

★★★★ 

*Imperdible

Kim Ki-duk inició su carrera con filmes en los que llevaba al extremo la violencia; tanto la física como la psicológica. Posteriormente, también demostró ser capaz de filmar películas reposadas, contemplativas y de profundidad espiritual. La realidad es que al director surcoreano le gusta explorar las orillas opuestas del comportamiento humano, en ocasiones dentro de un mismo trabajo, incluso al interior de un mismo personaje. Es el caso de la polémica Pietá, ganadora del León de Oro en Venecia, en 2012, vilipendiada por una parte de la crítica internacional. Kim Ki-duk ha demostrado ya que puede aspirar con éxito a la creación de imágenes bellas; que la exaltación estética evidencia la búsqueda humana de trascendencia. Pietá elige abordarla desde una especie de realismo social afeado, por momentos incluso parecería descuidado, con la intención de subrayar la degradación en la que ha quedado atascado un hombre con profundas heridas y resentimientos.

Gang-Do (Jung-Jin Lee) trabaja como cobrador para una mafiosa empresa prestamista, pero su estilo para exigir los pagos es de una brutalidad escalofriante. Recorre el barrio bajo en el que habita y donde se encuentran los talleres a cuyos encargados, tras su imposibilidad de pagar, los mutila (utilizando la propia maquinaria de trabajo con la que desempeñan su oficio) para, con el dinero que les dé el seguro, le liquiden su deuda. Es implacable y parece gozar su crueldad. Hasta que se aparece en su vida una mujer que clama ser su madre, arrepentida por haberlo abandonado al nacer, asumiendo la culpa por el daño que le ocasionó y terminó convirtiéndolo en el monstruo que es. 

El título del filme hace obvia alusión a la célebre obra de Miguel Ángel y con ella pueden leerse referencias a elementos cristianos como los conceptos de la culpa y el perdón. Y el planteamiento le permite a Kim Ki-duk amplificar su exploración sobre los insólitos y misteriosos caminos en los que en ocasiones puede encontrarse la redención del ser humano. 

AFD (@SirPon)

Horarios:

Cinemas Teresa:

Sábado 30 de noviembre 12:00, 14:00, 16:00, 18:00 hrs.

Sala Lido:   

Viernes 6 de diciembre 14:00, 17:00, 20:00 hrs.

Sala Nellie Campobello CCD:  

Sábado 7 de diciembre 16:00, 18:00, 20:00 hrs.


 

Paraíso: Esperanza 

(Paradies: Hoffnung, Dir. Ulrich Seidl, Austria-Francia-Alemania, 2012)

★★★★ 

*Imperdible

Con este filme se cierra la trilogía de Ulrich Seidl, uno de los realizadores más intransigentes, serios y talentosos del cine europeo actualmente. En Paraíso: Amor vemos a una mujer cincuentona que vive con su obesa hija dándole algunas indicaciones antes de dejarla en casa de su tía, mientras ella viaja de vacaciones a África a darle vuelo al amor, o cuando menos al ejercicio práctico y físico de éste. En Paraíso: Fe, seguimos a la tía, que tras dejar a la sobrina en un campamento de verano, se refugia en su casa y en su religión, que más bien es una sombra fanática y tétrica del catolicismo, típica en una sociedad tan estricta e inflexible como la austríaca. En Paraíso: Esperanza, entramos junto con la niña (hija de la madre protagonista del primer tercio de la obra) al campamento para niños con sobrepeso al que la mandó su progenitora, quizá para ayudarla a comer mejor, a conseguir amistades, pero sobre todo para librarse de ella. En el campamento la mayoría de los adolescentes son hijos de divorciados, productos de una sociedad indiferente hacia ellos, de un núcleo familiar roto o inexistente, de una comunidad que los rechaza por no adherirse a sus patrones de belleza, ni a la cultura del esfuerzo que se requiere para alcanzarla (la publicidad nos lo recuerda a diario) y así ser aceptado y hasta admirado. Amor, Fe y Esperanza son voluntades, virtudes, valores que se convierten en pilares sobre los que supuestamente se cimienta la vida de las personas, al menos en la cultura judeocristiana de Occidente. Pero si en las primeras dos partes de la trilogía el título termina siendo un burdo sarcasmo sobre el mal uso que se le da a ambas expresiones, la forma en que su significado ha sufrido una desviación en el entendimiento colectivo, en Esperanza se ilumina, aunque sea de manera tenue, el pesimismo con el que Seidl observa la descomposición de la sociedad que conoce, y por consiguiente el alma de quienes la habitan. Dentro del mundo que le gusta componer al realizador, mezcla de la herencia de su pasado documental con la precisión para encuadrar un mundo rigurosamente coreografiado, normalmente cuanto queda planteado en los primeros minutos de Esperanza garantizarían ominosas señales de catástrofes por suceder. En cambio,  las relaciones ahí desarrolladas terminan convirtiéndose en pruebas fehacientes de que, cuando se trata de seres humanos situados en condiciones apremiantes, es su capacidad de actuar como, eso, como humanos, la que hace que sus actos sean impredecibles.

AFD (@SirPon)

 

 Los insólitos peces gato

 (Dir. Claudia Sante-Luce, 2013)

★★★½ 

Claudia Sante-Luce debuta con el pie derecho con Los insólitos peces gato, una historia sencilla, de bajo presupuesto, que da muestras desde las primeras escenas de su esencia sentimental. Vivimos la historia a través de los ojos de Claudia (Ximena Ayala), una joven meditabunda y solitaria que trabaja en un supermercado como promotora de salchichas. Afectada por una apendicitis descuidada se interna de urgencias en un hospital público de Guadalajara. Durante su estancia conoce a Martha (Lisa Owen), su vecina de cama y enferma terminal, con la que simpatiza desde los primeros minutos. La mujer vive acompañada de su caótica y amorosa familia monoparental, sus cuatro hijos que varían en edad de la adolescencia a los veinte años, en el cuarto de la clínica.

Con los días, la chica va estrechando lazos con la jefa de familia y con el peculiar clan. Este encuentro y la serenidad de Martha, ofrecen a la vida sombría de Claudia una segunda oportunidad. Para la primera, encarar la soledad y un sentido de pertenencia que no había tenido en aquella ciudad; para la segunda, planificar el futuro de su prole pronta a quedar huérfana.

Claudia Sainte-Luce entrega un relato claustrofóbico pero encantador sobre la familia y la mortalidad. Un guión modesto que destaca por la luminosa fotografía de Agnes Godard (Beau Travail, 1999). Los insólitos peces gatos recibió el Premio de la Crítica Internacional (FIPRESCI) para la Sección Descubrimiento del Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) 2013.

VSM (@SofiaSanmarin)

Horarios:

Cinemex Reforma:  

Domingo 1 de diciembre de 2013 12:30, 14:30, 16:40, 18:40, 20:40, 22:40 hrs.

Cinemas Teresa:   

Lunes 2 de diciembre de 2013 12:00, 14:00, 16:00, 18:00 hrs.

Sala Lido domingo 8 de diciembre de 2013 14:00, 17:00, 20:00 hrs.

Sala Nellie Campobello CCD Lunes 9 de diciembre de 2013 16:00, 18:00, 20:00 hrs.

 

La vida de Adèle

(La vie d’Adèle, Dir. Abdellatif Kechiche, 2013)

★★★★½ 

*Imperdible

La vie d’Adèle aparenta ser un filme sencillo sobre el descubrimiento del amor, las mieles de su desarrollo, sobre su poder transformador y sobre la sobrecogedora tristeza que nos embarga con desesperación cuando éste termina y que permanece embadurnada de ternura aún tiempo después, cuando la ruptura ya se ha superado.

Pero esta historia escapa al peligroso y sumamente atractivo lugar común (debido a la repetición de fórmula con la que generalmente el cine, sobre todo de Hollywood, aborda estas historias), gracias a las perfectamente orquestadas actuaciones de las jóvenes Léa Seydoux y Adele Exarchopoulos, al empeño del director Abdellatif Kechiche en serle fiel a la perfección de los detalles, en querer mostrar la vida de Adele en toda la complejidad de lo cotidiano, a la profundidad de los personajes que vemos crecer y cambiar con el paso del tiempo, a tener en el centro una pareja de lesbianas que, a pesar de serlo y tener que enfrentar así, en su diferencia, al mundo, a la familia, viven el amor en plena igualdad a una pareja heterosexual, y también a sus largas, explícitas y pasionales escenas sexuales que enamoraron a la crítica desde su estreno en el Festival de Cannes cuando ganó la Palma de Oro.

 SOR (@SofOchoa)

Horarios:

Cinemex Reforma:

Lunes 2 de diciembre 12:30, 15:35, 18:40, 21:45 hrs.

Cinemas Teresa:

Martes 3 de diciembre 12:00, 17:00 hrs.

 Sala Lido:   

Lunes 9 de diciembre 16:00, 19:30 hrs.

Sala Nellie Campobello CCD:   

Martes 10 de diciembre de 2013 16:00, 19:30 hrs.

 

Liv & Ingmar

(Dir. Dheeraj Akolkar, 2012)

★★★★

*Imperdible

Definitivamente, una de las parejas más cautivantes en la historia del cine ha sido la del director Ingmar Bergman y la actriz (y después directora) Liv Ullmann. La tormentosa relación inició cuando, al conocerla, Ingmar escribió con ella y Bibi Andersson en mente la, en mi opinión, mejor película que jamás se haya hecho: Persona (1966). A partir de entonces, nunca más se separaron. Primero, porque de inmediato se enamoraron, dejaron a sus respectivos esposos de aquel entonces, se fueron a vivir juntos y tuvieron una hija. Después, porque pese a que su vida en común fue tempestuosa, incluso violenta, y efímera, su amistad fue amorosa, leal y permanente, hasta la muerte de Ingmar. Además, durante todos esos años, los de amantes y los de amigos, no dejaron de trabajar juntos (filmaron diez películas, entre ellas obras maestras como Shame, 1968; Hour of the Wolf, 1968; y Cries and Whispers, 1972). El documental, que evidentemente es visto más desde la perspectiva de Liv (en parte basada en su autobiografía Changing, de 1977), aprovecha el encanto de la fenomenal actriz, su articulación verbal, la evocación de sus recuerdos y la fuerza de sus ojos azules y mezcla con tino el caudal de sensacionales imágenes de archivo a las que tuvo acceso el director, con la presencia de Liv desde la famosa casa de la isla de Faro que Bergman construyó para ellos, en la que se quedó a vivir para siempre y en la que Liv, pese a que al rompimiento tuvo que abandonar, filmó su enérgico filme Trolösa (2000), basado en un guión de Bergman.

El documental es emotivo, rico en anécdotas (genial la de la fabulosa secuencia de Shame), y quizá es el testimonio que mayor acceso a la intimidad de estas dos grandes figuras del cine ha tenido. Pero quizá la ausencia de Ingmar pudo haber sido compensada con más secuencias de él dirigiéndola, o mayor peso al momento de rescatar la manera en que se daba su relación creativa desde la génesis de los proyectos. De cualquier forma, se trata de una película que ningún fan de Bergman, de Ullmann, o del buen cine debería perderse.

AFD (@SirPon)

Horarios:

Cinemex Reforma:  

Martes 3 de diciembre 12:30, 14:30, 16:40, 18:40, 20:40, 22:40 hrs.

Cinemas Teresa:   

Miércoles 4 de diciembre 12:00, 14:00, 16:00, 18:00 hrs.

Sala Lido:  

Miércoles 11 de diciembre 14:00, 17:00, 20:00 hrs.

Sala Nellie Campobello CCD:

Miércoles 11 de diciembre 16:00, 18:00, 20:00 hrs.

 

 

El rey del erotismo

(The Look of Love, Dir. Michael Winterbottom, 2013)

★★★½

Protagonizada por Steve Coogan, The Look of Love de Michael Winterbottom es extrañamente desapasionada. La vida de Paul Raymond (Steve Coogan), el hombre conocido como "El Rey del Soho” que amasó su fortuna vendiendo sexo a la Gran Bretaña a través de clubs de striptease y revistas de contenido softporn como Men Only, es narrada con sentimentalismo y poco contexto. Su ascenso se muestra inexorable: es un hombre de espíritu empresarial y sensacionalista, que con firmeza siempre busca la mayor rentabilidad de sus espéctaculos y con quien –a medida que su saldo bancario y propiedades se hinchan– vemos el crecimiento del gusto del público por el porno cada vez más explícito. The Look of Love es también, la historia de su hija, Debbie Raymond (Imogen Poots), una muchacha que forzadamente busca seguir los pasos de su padre pero termina sumergiéndose en su sórdido mundo de cocaína, champán y frustración.

Como la mayoría de las películas de Winterbottom, The Look of Love se queda en la superficie. Ésta es una superficie glamurosa, entretenida, musical (tienes que checar el soundtrack), con el magnífico Soho de Londres como escenario principal, y un hombre monstruoso en toda la extensión de la palabra en el centro (con las mujeres, con los negocios, el dinero, sus empleados, con sus amores y con sus hijos, con su propio pasado). Y aunque las preguntas difíciles están repasadas (su relación con su primer hijo, a quien conoce cuando el pequeño ya es adulto; la separación de su esposa de su hija; el haber sido abandonado por su amor; todo su pasado; pasajes importantes en la vida de Debbie, como la separación de su esposo; su necesidad de presumir), ninguna es abordada con el riesgo y la valentía que un hombre del poder de Raymond ameritaba.  A las montañas de cocaína, las hordas de strippers y a su avasallante éxito les hace falta tensión dramática, por lo que conforme el relato avanza éste es cada vez más episódico y así, cuando llega el drama lo hace convertido, más bien, en superficial tragedia.

JAR (@franzkie_)

Escuchen el soundtrack de El rey del erotismo 

 

 

Las horas muertas

(Dir. Aarón Fernández, 2013)

★★★

Las horas muertas es una coproducción entre Francia y España que narra la historia de un amor ocasional. El relato se sitúa en la costa de Veracruz, en un modesto motel en el que Sebastián, un joven de 17, años funge como administrador. En la rutina de los días conoce a Miranda, una clienta habitual que va allí para encontrarse con un amante que casi siempre la deja esperando. Durante esos tiempos muertos y en ese entorno extravagante, Sebastián y Miranda se encuentran y da comienzo un fugaz juego de seducción.

Las horas muertas es el segundo largometraje de Fernández tras (Partes usadas, 2007). Una sugerente propuesta que bucea en la confrontación de las pasiones y lo inevitable de los impulsos del corazón. Una historia agradable y agradecida en su abrazo de la sencillez estructural.

 VSM (@SofiaSanmarin)

 

Berberian Sound Studio: La inquisición del sonido 

 (Dir. Patrick Strickland, Reino Unido, 2012)

*Imperdible

★★★★1/2

En la década de los setenta, Gilderoy  –británico y notable ingeniero de sonido– llega a Italia para trabajar bajo las órdenes del productor Franceso Coraggio en El vértice ecuestre, filme dirigido por Giancarlo Santini. Sin saberlo, el afable, tímido e  ingenuo especialista en sonido, se involucra en un proyecto sobre brujas, duendes, violaciones, mutilaciones y torturas. Las sádicas acciones no son vistas en pantalla, sólo escuchadas y representadas mediante una amplia y creativa gama de sonidos y voces. Gilderoy es un experto que no sólo genera efectos sonoros –aplasta frutas y vegetales para simular mutilaciones y sangrientas decapitaciones– sino que también graba los diálogos y los gritos de las protagonistas para manipularlos y dotarlos de suspenso y horror. La hermética atmósfera generada al interior del estudio Berberian Sound y las tensiones laborales entre productor, técnicos y actrices confunden a Gilderoy, quien –acostumbrado a trabajar en otro tipo de proyectos en su país– comienza a sumergirse en una espiral infernal cercana a la locura adentrándose al verdadero horror del sonido.

En su segundo largometraje, el inglés Peter Strickland parte de una premisa literaria que Franz Kafka empleó en El castillo: un hombre que es contratado para realizar un trabajo al interior de un espacio, cuyos propietarios no le explican con exactitud el sentido de su labor. Una vez que el extranjero llega a otro país descubre otro mundo; insólito, cruel, distinto al idilio que vivía en casa, y quizá, a pesar de su crueldad y horror, mucho más honesto y cercano al mundo real. Berberian Sound Studio: La inquisición del sonido es un thriller psicológico que en su juego metatextual rinde homenaje al diseño de sonido, la sincronización de éste con la imagen y su importancia para involucrar a los espectadores. También es un homenaje al género ‘giallo’ aquel lleno de sadismo, violencia sexual, sangre y horror explícito cuyos máximos exponentes son los italianos Mario Bava y Dario Argento. Y por último es una obra con guiños al Club Silencio de Mullholand Drive de David Lynch y a la fragmentación explícita del filme empleada por Ingmar Bergman en Persona.

LFG (@luisfer_crimi)


 

 

Perros perdidos 

(Dir. Tsai Ming-liang, Taiwán-Francia, 2013)

★★★

La moderna ciudad de Taipéi sirve como escenario para que un padre se gane la vida en las calles sosteniendo unas vallas y carteles que anuncian la venta y renta de lujosos departamentos. Al final de su jornada laboral, se reúne con su hijo e hija quienes deambulan por ríos, bosques, calles y supermercados para obtener muestras gratuitas de alimentos y poder sobrevivir. Cada noche, la familia se reúne para cenar, cepillarse los dientes, limpiarse en baños públicos y refugiarse en edificios abandonados, y dormir juntos en el mismo colchón abrazando fuertemente una cabeza de col.

Tsai Ming-liang recurre a escasos diálogos y largas tomas con planos fijos para reflejar la pesadumbre de los olvidados. Aquellos que viven en los márgenes del progreso; mientras el centro es lujoso, la periferia es un vertedero de perros callejeros. El retrato fluctúa entre la desesperación y la esperanza –esta última representada en un hipnótico mural sobre un paisaje idílico que es admirado por el protagonista–, y que muestra lo difícil y fastidiosa que resulta la existencia para muchos.

LFG (@luisfer_crimi)

 

¡Somos lo mejor! 

 (Dir. Lukas Moodysson, Suecia, 2013)

*Imperdible

★★★★

Hartas de sus respectivas familias y de sus compañeras de clase, las pequeñas Bobo y Klara encuentran un centro recreativo donde, por accidente, descubren un pequeño espacio donde una banda de metal realiza ensayos musicales.  Entusiasmadas con la idea de hacer algo distinto, las niñas de 13 años –sin conocimientos previos sobre instrumentos musicales– invitan a Hedvig, una tímida niña cristiana que sabe tocar la guitarra, para formar una banda de punk y demostrar que, más que un género musical, el punk es una postura ideológica que no ha muerto.

A partir de su gusto musical por bandas como Ebba Grön y KSMB, el realizador sueco Lukas Moodysson realiza una adaptación de la novela gráfica Never Goodnight, de su esposa Coco Moodysson, para retratar, en la ciudad de Estocolmo de 1982, a un grupo de niñas que, mediante su actitud desenfadada e inocente rebeldía, buscan invertir su tiempo en la elaboración de pequeños discursos de protesta acompañados por ritmos monótonos de una guitarra, un bajo y una batería, y que logran consolidarse no como una gran banda, pero sí como una sólida y sincera amistad.

LFG (@luisfer_crimi)

Entrevista con Lukas Moodysson

 

 

Los perversos 

 (Les salauds, Dir. Claire Denis, Francia-Alemania 2013)

*Imperdible

★★★★

No abundan los directores que, como Claire Denis, puedan cambiar drásticamente la temática a auscultar y el tinglado estilístico con que abordarlo en cada nueva película. Revisen su filmografía y lo mismo verán cavilaciones sobre el glorioso pasado de Francia con ecos en historias personales en desgracia; estudios de la naturaleza pasional del canibalismo; observaciones sobre la fragilidad de los destinos aparentemente anhelados; cuestionamientos alrededor de la obcecación por preservar un mundo que se ha derrumbado… por sólo mencionar algunos. Y, sin embargo, siempre es fácil reconocer su mirada, su voz, su temple, a través de algunos tropos, variadas obsesiones, ciertos gestos, recurrencias en la forma y en el fondo. Menos directores, aún, ocupan el espacio de la pantalla fílmica como ella lo hace. Y es capaz, siempre, de filmar con sensualidad única hasta los momentos menos sensuales de sus historias. 

Los perversos es un filme complejo y bestial, con una trama intrincada y plagada, además, de espinosos temas de dimensión moral. La perversión, invitada permanente en las películas de Denis, no sólo en su vertiente sexual, sino en casi cualquier acepción ocupa, como el título en español evidencia, un lugar preponderante en esta historia. Perversos son no únicamente a quienes obviamente hace referencia el filme; todos los involucrados lo son, de una u otra forma. Vicent Lindon es Marco, un marinero que regresa a París al ser enterado del suicidio de su mejor amigo y cuñado. Progresivamente irá advirtiendo, al tiempo en que enamora a su hermosa vecina, Raphaëlle (Chiara Matroianni), del grado de implicación de su esposo en la catástrofe que infligió a la familia de su hermana. Desde la secuencia inicial, sugestiva con toques oníricos y líricos, la realizadora francesa imprime el tono enigmático, con toques de thriller, que desarrollará a lo largo de este valiosa película, en la que la cámara siempre está inquietantemente próxima a los personajes, y la habitual música de los Tindersticks ilustra la ambigüedad de todo cuanto atestiguamos. Los perversos es infinitamente superior a varias de las cintas que compitieron por la Palma de Oro en Cannes, a pesar de haber sido relegada a la Quincena de los Realizadores.

Horarios:

Sábado 30 de noviembre de 2013
Sala 10 : Luis Buñuel , Cineteca Nacional: 12:00 16:30 21:00 hrs.

Domingo 1 de diciembre de 2013
Sala 10 : Luis Buñuel , Cineteca Nacional: 14:15 18:45 hrs.

Lunes 2 de diciembre de 2013
Sala 1 : Jorge Stahl, Cineteca Nacional: 12:00 16:30 21:00 hrs.

Martes 3 de diciembre de 2013
Sala 1 : Jorge Stahl, Cineteca Nacional: 14:15 18:45 hrs.

Lunes 9 de diciembre de 2013
Cinemex Reforma: 12:30 14:30 16:40 18:40 20:40 22:40 hrs.

Martes 10 de diciembre de 2013
Cinemas Teresa: 12:00 14:00 16:00 18:00 hrs.

Viernes 20 de diciembre de 2013
Sala Lido: 14:00 17:00 20:00 hrs.

Sábado 21 de diciembre de 2013
Sala Nellie Campobello CCD : 16:00 18:00 20:00 hrs.

 

Club Sándwich 

(Dir. Fernando Eimbcke, 2013)

*Imperdible

★★★★

El director mexicano -ganador del premio al Mejor Director en el Festival de San Sebastián por esta cinta- sigue centrando su mirada en los adolescentes y cuenta una historia de descubrimiento de la sexualidad en un escenario ideal: un hotel en temporada baja. Una madre soltera –con tendencia al síndrome de Yocasta- debe enfrentar el primer noviazgo de su único hijo adolescente –con complejo de Edipo- con el que tiene una relación muy particular. El arribó de una grácil jovencita romperá con los planes y armonía de la familia. La tragedia de aceptación por parte de la progenitora es presentado en un tono cómico-dramático.

Club Sándwich tiene un ritmo pausado, contemplativo y diálogos escasos que son intervenidos por bromas ágiles y situaciones que terminan por volverse hilarantes, como la inolvidable secuencia de baile sexy por parte de la bella y rolliza jovencita. La cinta se convierte a lo largo de la trama en un verdadero divertimento visual. Dos personajes sostienen el metraje: María René Prudencio Lucio Giménez, hijo del actor Daniel Giménez Cacho.

VSM (@SofiaSanmarin)

Sábado 30 de noviembre de 2013
Sala 10 : Luis Buñuel , Cineteca Nacional: 14:15 18:45 hrs.

Domingo 1 de diciembre de 2013
Sala 10 : Luis Buñuel , Cineteca Nacional: 12:00 16:30 21:00 hrs.

Lunes 2 de diciembre de 2013
Sala 1 : Jorge Stahl, Cineteca Nacional: 14:15 18:45 hrs.

Martes 3 de diciembre de 2013
Sala 1 : Jorge Stahl, Cineteca Nacional: 12:00 16:30 21:00 hrs.

Martes 10 de diciembre de 2013
Cinemex Reforma: 12:30 14:30 16:40 18:40 20:40 22:40 hrs.

Miércoles 11 de diciembre de 2013
Cinemas Teresa: 12:00 14:00 16:00 18:00 hrs.

Sábado 21 de diciembre de 2013
Sala Lido: 14:00 17:00 20:00 hrs.<

 
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