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Películas sobre Hollywood
Publicado el 22 - Abr - 2016

 
 
Top10: A lo largo de los años, un puñado de cineastas han tomado Hollywood como tema central en sus filmes para cuestionar las ventajas, locuras, crueldades, debilidades, vilezas y satisfacciones de inmiscuirse en la perversa maquinaria de l - ENFILME.COM
por Luis Fernando Galván

Además de ser un distrito de Los Ángeles, Hollywood es mayormente asociado a una de las industrias de entretenimiento más famosas del mundo. Hollywood, como industria cinematográfica y como sistema de estudios, es objeto de deseo de jóvenes ingenuas aspirantes a actrices, escritores llenos de ambiciones que aparentan modestia y directores dispuestos a conquistar el universo de las celebridades. A lo largo de los años, un puñado de cineastas han tomado Hollywood como tema central en sus filmes para indagar sobre las ventajas, locuras, crueldades, debilidades, vilezas y satisfacciones de inmiscuirse en la perversa maquinaria de los sueños.

Sullivan's Travels
Dir. Preston Sturges, Estados Unidos, 1941.

Cansado de producir comedias ligeras, el director de Hollywood, John L. Sullivan (Joel McCrea), decide realizar O Brother, Where Art Thou?, una película socialmente responsable  que, en un tono serio, aborda  el sufrimiento humano y el significado de la pobreza. Después de ser criticado por sus productores, quienes lo describen como un hombre que no sabe nada sobre las dificultades de la vida, Sullivan recorre el país disfrazado de vagabundo. En el camino, él conoce a una hermosa y joven aspirante a actriz (Veronica Lake) que está dispuesta a colaborar en su nuevo proyecto. Preston Sturges confecciona una sátira sobre Hollywood al cuestionar la verdadera vocación de un director que vive sumergido y agobiado en una industria que sólo le permite realizar comedias entretenidas, aunque él busca fervientemente salirse de ese costal. Se trata de uno de los primeros filmes que se detiene a pensar en las pretensiones e ilusiones falsas que la industria del cine pretende transmitir. Aunque Sullivan’s Travels puede leerse como una defensa del escapismo de Hollywood –específicamente cuando el protagonista observa cómo los convictos olvidan su miseria cuando están viendo una película de Disney– Sturges lanza un agudo cuestionamiento: ¿qué es más importante para un público con problemas? ¿recibir un serio mensaje de compromiso social o aceptar la invitación de una sonrisa sana y sincera?

Sunset Boulevard
Dir. Billy Wilder, Estados Unidos, 1950.

Joe Gillis (William Holden) es un irresponsable guionista en quiebra que se detiene en una mansión en ruinas para esconderse de sus acreedores. La casa le pertenece a Norma Desmond (Gloria Swanson), una antigua estrella del cine mudo que le pide a Joe escribir un nuevo guión para su regreso triunfal al cine. A partir de ahí, los personajes se sumergen en una red sombría y posesiva de delirios oscuros y pesadillas. El filme de Billy Wilder es uno de los relatos más oscuros sobre el “detrás de escenas” de Hollywood en el que se abordan temas como el autoengaño, el vacío espiritual y emocional, el precio de la fama, la codicia, el narcisismo y la ambición. El estado de ánimo de la película se establece rápidamente como decadente y perverso mediante el uso de un narrador póstumo: un hombre muerto flotando boca abajo en una piscina en Beverly Hills. Con un amargo y cáustico ingenio, y entretejiendo la realidad, la ficción y el sueño, Wilder expone las corruptas y devastadoras redes de un nuevo Hollywood que se construye sobre el studio system que pretende aniquilar cualquier resto del viejo Hollywood, incluyendo a sus leyendas mudas que sufrieron los estragos de la llegada del cine sonoro.

Singin’ in the Rain
Dir. Stanley Donen y Gene Kelly, Estados Unidos, 1952.

Don Lockwood (Gene Kelly) es un exitoso y apuesto galán de cine; él es la máxima estrella del cine mudo que vive una relación superficial con otra diva: la glamorosa y atractiva Lina Lamont (Jean Hagen). Sin embargo, cuando él conoce a Kathy Selden (Debbie Reynolds), una joven aspirante actriz, se da cuenta que quiere explorar nuevos territorios en su carrera, y está dispuesto a hacer filmes sonoros con Kathy, específicamente musicales. Codirigida por el cineasta Stanley Donen y el coreógrafo Gene Kelly, el filme es una experiencia encantadora, elegante y muy agradable con varias canciones memorables y coreografías ejecutadas de manera magistral. Antes del éxodo masivo en el que Hollywood adaptó varias puestas en escena de Broadway a la pantalla grande, Cantando bajo la lluvia se consolidó como la película musical más querida y famosa de todos los tiempos porque –entre otras razones– fue concebida directamente para ser una obra cinematográfica. El filme fluye de manera orgánica, con la música integrada a la narración del relato y al crecimiento de los personajes que cantan y bailan de manera natural para expresar sus emociones. Debido a la época en que está ambientada la historia (1927), el filme posee un ingenioso uso del color que ayuda a satirizar con humor el pánico que se desató en la industria del cine durante el periodo de transición –del cine silente al sonoro–

L.A. Confidential
Dir. Curtis Hanson, Estados Unidos, 1997.

La atractiva apertura del filme –ambientado en Los Ángeles a principios de los años cincuenta– es narrada por Sid Hudgens (Danny DeVito), quien edita la revista Hush-Hush y soborna a un policía llamado Jack Vincennes (Kevin Spacey) para conocer las detenciones de las celebridades; Jack es fotografiado con sus víctimas desafortunadas y es famoso por ser el hombre que atrapó al actor estadounidense, Robert Mitchum, por fumar marihuana. Esta adaptación cinematográfica de la novela de James Ellroy es un thriller sórdido que muestra la ola de corrupción y miseria moral de la ciudad de Los Ángeles: la violencia entre bandas criminales, la brutalidad policial, el racismo, el escándalo sexual, los encubrimientos, las traiciones, los mafiosos, las drogas, las prostitutas y una que otra estrella de cine forman parte de este complejo mosaico urbano donde tres representantes de la ley muy diferentes: el cínico y corrupto Jack Vincennes; el policía honesto Ed Exley (Pearce); y Bud White (Crowe), el brazo fuerte y agresivo de la ley, se ven envueltos en una intriga criminal. El filme contrasta los enfoques para proceder con la justicia de cada uno de los protagonistas y evidencia sus volátiles psicopatologías. Como el nexo emocional está Lynn Bracken (Kim Basinger), una atractiva rubia atrapada en una red de deseos masculinos. En última instancia, Hollywood es sólo una pieza de este complejo cosmos llamado Los Ángeles.

Barton Fink
Dir. Ethan Coen y Joel Coen, Estados Unidos, 1991.

Antes de consolidarse, los Coen invirtieron mucho tiempo ofreciendo sus proyectos a todos aquellos ejecutivos y productores que, atrás de sus fastuosos escritorios, fuman puros, actúan de manera vulgar y ven a los otros como suplicantes despreciables. Los guionistas y escritores que llegan a las oficinas de estos hombres deben estar dispuestos a firmar un pacto con el diablo. A partir de esta forma de pensar de Ethan y Joel, los Coen confeccionan un relato ambientado en 1941, donde el bienintencionado dramaturgo de Broadway, Barton Fink (John Turturro), intenta instalarse en una modesta habitación de hotel para escribir un guión cinematográfico sobre el luchador Wallace Beery. El proyecto le ha sido encomendado por  Jack Lipnick (Michael Lerner), el excéntrico magnate de Hollywood que está a cargo de Capitol Pictures. El problema es que Fink entra en un caso grave de bloqueo del escritor. Su única esperanza, al parecer, es tomar inspiración de las pláticas que tiene con su compañera escritora (Judy Davis) y de su vecino (John Goodman), un jovial vendedor de seguros que es visto por Fink como paradigma vivo del ‘hombre común’. Los giros narrativos tortuosos que forman parte del sello distintivo de los Coen se presentan en este filme: el relato marcha como una extraña mezcla de drama psicológico, la excéntrica sátira, la parodia inventiva y la comedia negra hasta una fantasía con tintes de pesadilla que conduce a una visión desesperanzadora sobre una humanidad condenada a la ruina y con un Barton Fink incapaz de influir en los acontecimientos ya sea con su arte o con su fuerza.

The Player
Dir. Robert Altman, Estados Unidos, 1992.

Griffin Mill (Tim Robbins) es un alto ejecutivo de Hollywood que se dedica a reunirse con guionistas y escritores para conocer sus ideas y proyectos. Él se encarga de darle luz verde u obstaculizar por completo cualquier nueva propuesta. Cuando comienza a recibir una serie de amenazantes cartas, Griffin cuestiona sus labores y su seguridad. Mediante el uso de los habituales tropos de Hollywood, él deduce que un aspirante a escritor que lo visitó en varias ocasiones es el hombre que le ha lanzado las amenazas. Después de encontrarse con su peligroso acosador en una sala de cine –donde se proyecta El ladrón de bicicletas–, Griffin, en un arranque de ira, lo mata. Agobiado por su acto, el productor es presa del pánico y hace todo lo posible por encubrir su crimen aunque sea demasiado tarde para evitar caer en una espiral de paranoia. The Player es un película basada en Hollywood que juega con las certezas y expectativas del espectador. Los personajes de Altman son muy conscientes de la industria del cine. Ellos, inmiscuidos y comprometidos en el negocio, están íntimamente conectados con las complejidades que implican las negociaciones entre productores y guionistas, entre ejecutivos y directores. En última instancia, Altaman logra hacer un homenaje a Hollywood, pero sin olvidar su mirada punzante, una que se construye a partir de la autoconciencia, la parodia y la metarreflexión.

Mulholland Drive
Dir. David Lynch, Estados Unidos, 2001.

Después de sufrir un accidente automovilístico, una joven (Laura Harring) pierde la memoria y decide esconderse en una casa. Al poco tiempo se relaciona con la sobrina de la propietaria ausente (Naomi Watts), una joven recién llegada a Los Ángeles que tiene la esperanza de convertirse en actriz. Mientras tanto, un cínico y lascivo director de cine (Justin Theroux) se inmiscuye en una serie de conflictos con peligrosos mafiosos que tratan de influir en la elección de la actriz principal para su nuevo filme, Sylvia North Story. Mulholland Drive muestra cómo la ambición desmedida por lograr el estrellato conduce a una fatídica espiral de las frustraciones. Mediante la introducción de elementos oníricos que aluden a la maldad y la codicia, y el uso de varios desvíos en la narrativa que pretenden confundir al espectador cuando éste no tiene certeza si se trata de una pesadilla, Lynch problematiza la cuestión de la identidad evidenciando cómo, al interior de Hollywood, funciona una perversa maquinaria que construye nuevas personas, personajes, estrellas y celebridades; basta recordar que el verdadero nombre de Marilyn Monroe era Norma Jean Baker, o que John Wayne se llamaba Marion Robert Morrison.

Adaptation
Dir. Spike Jonze, Estados Unidos, 2002.

El filme narra las dificultades a las que se enfrenta el guionista de Hollywood, Charlie Kaufman (Nicolas Cage), al momento de realizar la adaptación cinematográfica de The Orchid Thief, un libro escrito por la periodista Susan Orlean (Meryl Streep) que se centra en John Laroche y un grupo de seminolas que se dedican a la caza furtiva de extrañas especies de orquídeas en la reserva estatal Fakahatchee, en el sur de Florida. Todos los obstáculos y complicaciones que se le cruzan en el camino a Kaufman desembocan en una serie de inseguridades y miedos que afectan su vida personal y la manera en que se relaciona con la gente, especialmente, con las mujeres. Dirigido por Spike Jonze y escrito por el propio Kaufman, Adaptation es un filme metatextual que retrata a un guionista que decidió salir de su zona de confort para demostrar que puede existir como escritor imaginativo dentro de Hollywood y que no sólo transcribe la realidad, sino que la cuestiona y la parodia. A lo largo del filme existe una referencia constante a Hollywood como contexto y sistema de producción en el cual se elabora el guión. Kaufman retoma personas del mundo real y los introduce al mundo de la ficción (Susan Orlean, Robert McKee y él mismo). El guionista se burla de sí mismo como artista y persona, y cuestiona su entorno, incluyendo las convenciones de Hollywood, las reglas de Robert McKee y las posturas de los productores que sólo buscan repetir formular y reciclar historias que han funcionado a lo largo de los años.

The Artist
Dir. Michel Hazanavicius, Francia/Estados Unidos, 2011.

Ambientada en el Hollywood de los años veinte,  El artista se centra en un héroe trágico, George Valentin (Jean Dujardin), un afamado actor de cine que en 1927, debido a la llegada del sonido, su carrera peligra. El filme muestra la caída de una estrella; George pierde su casa, su esposa y su sirviente. Su verdadera tragedia comienza cuando Tears of Love, su primera película como productor-director-actor se estrena el mismo día que el exitoso debut de Peppy Miller (Bérénice Bejo), una actriz cuya carrera se encuentra en pleno ascenso. George debe levantarse por sí mismo, de lo contrario, está destinado a convertirse en una reliquia de la era silente del cine. Uno de los grandes atractivos de El artista consiste en que Hazanavicius emplea con sabiduría, atención, cariño y respeto todos los trucos y gestos del cine mudo, principalmente en el ritmo musical que acompaña las vicisitudes del protagonista a lo largo del relato. Oscilando entre la magia, la autoconsciencia y el anacronismo, el filme es un nostálgico homenaje a los inicios de Hollywood, a las dinámicas del cine mudo y al nacimiento del cine sonoro.

Maps to the Stars
Dir. David Cronenberg, Canadá/Alemania/Francia, 2014.

Agatha (Mia Wasikowska), alejada de su familia por ocasionar un accidente con fuego, regresa a Hollywood para trabajar como asistente de Havana (Julianne Moore), una actriz obsesionada con obtener el papel de un remake que su madre protagonizó varios años atrás. La joven, que aún mantiene las cicatrices del incendio, es una especie de ficha de domino a partir de la cual la vida de los demás termina por resquebrajarse, incluyendo la de su padre (John Cusack) y hermano (Evan Bird). El filme es una macabra sátira que aborda las perversiones y patologías asociadas a los que pertenecen a la fábrica de los sueños conocida como Hollywood, así como las exigencias y los vicios de la industria. El guión, escrito por el novelista Bruce Wagner, posee un caótico y turbio sentido del humor, principalmente al inicio del filme, basado en la ignorancia y frivolidad de las celebridades (una actriz que considera “cool” conocer al Dalai Lama; un actor que confunde el SIDA con el linfoma no-Hodgkin; y otro actor que presume que una de sus seguidoras está dispuesta a comprar su excremento sin importar el precio). Wagner, un hombre que trabajó para el hotel Beverly Hills como conductor de limusina, se nutre de observaciones y de las experiencias que vivió cuando trasladaba a las estrellas para examinar burlonamente las trivialidades de Hollywood. Y aunque Cronenberg entiende el tono burlón del guión, hace que el filme oscile entre el humor descarado, las risas nerviosas y las atmósferas de horror.

 
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