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2º Distrital
Publicado el 11 - Ago - 2011
 
 
  • Del 27 de mayo al 5 de junio, 2011. Distrito Federal. Distrital ha  adquirido una personalidad más juvenil e  independiente.  - ENFILME.COM
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Texto: Sofía Ochoa (@sofochoa) / Mini críticas: Sofía Ochoa y staff enfilme

Del 27 de mayo al 5 de junio, 2011. Distrito Federal.

 DIY (hazlo tú mismo)

Con solo dos años de vida, Distrital ha logrado definirse. En una de las temporadas más calurosas que se recuerden del Distrito Federal, se presentaron alrededor de 90 películas que, a excepción de las pertenecientes a la selección del IMCINE, son totalmente de origen independiente. Las cuatro sedes –Cinemas Lumiere Reforma, CCU Tlatelolco, Cine Lido en la Condesa y la Cineteca Nacional– son acaso un reflejo de esta independencia. En un inicio, algunas salas de Cinemex estaban contempladas, pero unos días antes de la inauguración la alianza se derrumbó como recordatorio del espíritu taquillero que la exhibidora ya había mostrado cuando acabó con el festival más importante de la Ciudad de México en su momento, el FICCO.

Distrital, aunque originado de aquél –Paula Astorga, actual directora de la Cineteca Nacional, fue la directora fundadora del FICCO y, solo el primer año, de Distrital–, ha adquirido una personalidad más juvenil e independiente. Me atrevería a decir que su público ideal, más que meros cinéfilos, son, en primer lugar, gente que sueña con hacer cine a los márgenes –y la fortuna– de Hollywood, y, en segundo, gente con aspiraciones creativas.

Este año, la fiesta de inauguración fue en los Estudios Churubusco. Después de que David Di Bona, director del festival, agradeciera a los asistentes y, especialmente, a Paula Astorga, se proyectó Finisterrae, del español Sergio Caballero, ganadora del premio Tiger en el Festival de Rotterdam. La película es un absurdo viaje de dos fantasmas –se sabe que son fantasmas por la sábana blanca con dos hoyos que llevan encima– por el camino de Santiago. Con claras referencias al cine de Apichatpong Weerasethakul (su productor, Luis Miñarro, también produjo Tío Boonmee), busca hacer lúdico el cine contemplativo. El éxito de esta película depende totalmente de su humor. Está hablada en ruso, por ejemplo, no por necesidad sino para sonar como una película extranjera. Es la burla por la burla. Como el Dumb and Dumber del cine de autor. La película hizo reír a algunos asistentes durante la función y discutir: o les encantó o les pareció insoportable.

Durante la fiesta, actores, directores, organizadores y público convivieron. Era difícil distinguir a los unos de los otros. Este no es un festival de glamour y caras famosas, sino de esfuerzos hormiga y convivencia petit comité. Y música, que fue tan importante como lo es para su ciudad sede, cada vez más tupida de conciertos. En la inauguración puso música Julián Plascencia de Disco Ruido. En general, la selección musical en sus eventos huyó de las cumbias, el género típico de esta clase de convivencias fílmicas, e hizo eco de los gustos del grueso de su público, jóvenes que cuando prenden el radio escuchan Reactor o Radio Ibero.

Cine y música

Uno de sus eventos más vistosos fue la musicalización en vivo del tríptico The Three Grace(s), tres historias casi mudas de horror con estética salida de una Vogue ochentera, protagonizadas por mujeres altas, muy blancas y delgadas, siempre de vestido o falda y de gestos gélidos. Abundan las hachas, los cuchillos y la sangre fría. El horror funciona una de tres veces. Quizá sea extenuante verla sin musicalización, pero con Adult, el dúo dance punk de Detroit atrás de los teclados y en los micrófonos fue una noche especial a pesar de los exabruptos previos a la función –fallas de sonido que hicieron que los músicos se levantaran de sus puestos y pusieran a los técnicos a trabajar.

De las nueve secciones de Distrital, Cuadrante, la dedicada a la música, tiene que ser una de las más importantes en términos de público. El año pasado en la misma sección se presentó I Need That Record (2008) sobre la muerte masiva de las tiendas de discos independientes en Estados Unidos. Este año, Sound It Out parece su continuación íntima e inglesa. La última tienda de viniles usados es el alma de Teeside, una pequeña comunidad en Inglaterra. Al menos así se ve a través de los testimonios de los clientes que recurren a Tom, el dueño, para que los ayude a diseñar el soundtrack de sus vidas. La cinematografía, la producción y la dirección corren a cargo de Jeanie Finlay. Es visiblemente barata y disfrutable.

Esperando a los Bitles, de los mexicanos Diego Graue y Raymundo Marmolejo, fue otro de los puntos altos del Festival. Durante su premiere en la Cineteca, la fila para entrar daba la vuelta al recinto. Este dinámico y gracioso documental recorre la bitlemanía mexicana a través de las historias de los más fervientes fanáticos del cuarteto de Liverpool. La inevitable regionalización de la música de estos británicos por parte de las bandas mexicanas de la época y el anhelo de los fanáticos mexicanos por un mundo Beatle que sigue vivo gracias a sus reliquias, hacen de este filme un documento nostálgico, llegador y con mucho sentido del humor.

The Ballad of Genesis and Lady Jaye es la que peor encaja en esta sección y, quizá por eso, está cerca de ser la mejor. Su directora, una pequeña fotógrafa francesa, Marie Losier, que estuvo presente en la primera función, durante siete años siguió a Genesis y su novia Lady Jaye por sus giras con la banda COUM, a petición de la peculiar pareja. Ella sola fotografió y filmó lo que creía sería un documental de música. Durante la edición, que debió ser muy parecida a un calvario, la historia de amor saltó del material. La devoción entre Genesis y Jaye traspasa cualquier frontera, incluso la de sus propios cuerpos. Juntos decidieron crear una nueva especie, los pandróginos, y fundar un imperio creativo con el amor como su eje. La directora pudo haberle dado un tratamiento morboso, pero su cuidado y respeto es tal que resultó en una honesta reflexión sobre la naturaleza del amor. Hermoso y, hacia el final, desgarrador.

Otros meridianos

Como promete, cumple. Muy pocas películas de Distrital podremos verlas de nuevo en salas. Para quien la cartelera de autor de la Ciudad le parezca demasiado comercial o prefiera rentar en Videódromo u obtener su selección de la red, Distrital ofrece ver títulos de países con poca presencia cinematográfica en México y difíciles o imposibles de conseguir en línea.

El desgastadísimo “menos es más” de Mies Van de Rohe sale ganando en 48, título que se refiere al número de años que duró la dictadura portuguesa del siglo pasado. Mediante fotografías tomadas el primer y –en algunos casos– último día del encarcelamiento de varios civiles y sus testimonios con voz en off, Sousa Dias analiza la crueldad, la desesperanza y la fortaleza que solo conocemos cuando vivimos en la mierda y queremos sobrevivir. La sencillez de su hechura, una cara tras otra desvaneciéndose en pantalla, despierta preguntas sobre si este es un trabajo apropiado para la pantalla grande. Tras hora y media y varios rostros que dejan de ser eso, un rostro, para convertirse en una historia de heroísmo individual; la explotación de la simplicidad paga.

Alejada de toda la parafernalia carnavalesca brasileña, Riscado es una historia de amor platónico entre una actriz y su director –amor que trascendió la pantalla. El director y la protagonista no pudieron viajar a México porque estaban a punto de ver nacer a sus gemelos. Bianca es una joven que sueña con ser actriz y se gana el pan de todos los días trabajando como volantera, edecán o disfrazándose de alguna famosa para eventos especiales. La historia empieza a caminar en la cuerda floja de la complacencia y el melodrama cuando conoce a un director que le propone hacer una película sobre su vida con ella como protagonista. La música, el color, los cambios de formato y, sobre todo, el excelente trabajo actoral de Karine Teles, permiten que el acto sea terminado sin catástrofes, salvo por la dolorosa e incómoda identificación con el personaje.

No es una obra maestra, pero sin duda fue una de las más queridas del festival. Los amores imaginarios del muy joven quebequense Xavier Dolan (21) retrata a una pareja de jóvenes ensimismada, aburrida, obsesionada con la moda, simple pero pretenciosamente complicada, desesperada, sola, narcisista, infantil, frustrada y equivocadamente hedonista. ¿Suena familiar? Dos amigos, Marie y Francis, se enamoran de Nicolas, un adonis que se dedica a ser guapo, y compiten por conquistarlo. Para lograrlo, se dedican a ser guapos. Los desencuentros cada vez más acelerados son interrumpidos por intervalos en los que las sensaciones musicales y visuales (a través de la saturación del color) son explotadas a la fácil, como en un comercial. Es fácil entender por qué la gente puede amar esta película. También, por qué puede empalagar fácilmente.

The Arbor, de la artista inglesa Clio Barnard, fue otro clímax del festival. Reinterpreta la vida y obra de la escritora, drogadicta y madre Andrea Dunbar. Su herencia literaria y su condena social son dilucidadas por sus hijos y sus allegados, de quienes escuchamos las voces pero no vemos las caras pues son interpretados por actores. La perpetua y meticulosa sincronización de labios nos hace conscientes del esfuerzo detrás de su realización pero no nos pierde de su devastadora historia.

México

La selección mexicana tuvo el éxito que no suele tener en taquilla comercial. Como sucede recientemente, el documental acaparó las pantallas sobre la ficción. Morir de pie, de Jacaranda Correa, repitió los aplausos que obtuvo en su estreno –y donde ganó como Mejor Documental– en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara. El trabajo retrata la batalla personal de Irina Layevska, un hombre que se convirtió en mujer a través de una operación de cambio de sexo. Atada a una silla de ruedas a causa de un accidente en automóvil, cambió su lucha política por una lucha personal en contra de la discriminación al lado de Nelida, su pareja sentimental. Presentes durante la función, el público les reconoció el temple que poseen para superar grandes obstáculos.

Los otros californios de César Talamantes documenta con paciencia y fascinación la vida de los rancheros del desierto sudcaliforniano. La cámara no siempre es firme, pero la organización del trabajo puede desmentir esa frase que dice que los mexicanos son unos güevones. Los personajes son gente de a de veras, curtidísima, pero también con anhelos que muchos espectadores seguramente comparten.

Con una sensibilidad exquisita, El lugar más pequeño de Tatiana Huezo relata la historia del pueblo de Cirquera, El Salvador, y sus habitantes, que, a pesar del dolor y el trauma, se han sobrepuesto a la guerrilla que terminó con la vida de muchos de sus seres queridos. Complementadas por imágenes del espacio y un diseño sonoro lleno de atmósferas naturales, las desgarradoras narraciones de los lugareños llevan el hilo conductor de la trama.

Afortunadamente también se presentó la ficción Vete más lejos Alicia, filmada con un estilo cercano al del documental –sin un guión previo, pues. Cuando habla de su primer largometraje, Elisa Miller dice que es sólo un ejercicio. Así parece durante la primera parte de la película, pero conforme avanza saca la madera de directora. El intento por huir de los clichés indies, del “dejar que la vida pase frente a la cámara” dejándola pasar, es claro. La –no falsa– poesía y feminidad de las imágenes dibujan sutilmente el perfil de esta adolescente, Alicia, que viaja a Argentina y que sufre porque está convirtiéndose en adulta y, lo que es casi lo mismo, descubriendo la soledad. La película la presentó Fernando Eimbcke frente a una sala llena.

Fin

No hubo ceremonia de clausura. No había por qué, pues en Distrital no se entregan premios. Lo más parecido a una fue la proyección del documental Hit Me With Music, del español Miquel Galofré. El repaso que hace del dancehall –este género musical jamaiquino, heredero del reggae– a través de entrevistas y rodaje de bailes, incluido el fogoso pseudo copulatorio daggering, sirvió de preparativo para el coctel posterior (ya en la fiesta, a todos se nos olvidó la parte política de la película; tanto baile es el escape de la violencia y la miseria económica y educativa a la que están destinados los habitantes de los guetos) en el que la música hizo eco de la proyección.

La moderada pero suficiente concurrencia de esta fiesta fue solo la cereza en el pastel de un festival que dio respuesta a una duda presente entre quienes apoyamos el cine independiente: ¿existe en el DF un público moderadamente masivo para el producto de esta industria? Sí lo hay y parece crecer. Las salas casi llenas en la mayoría de las funciones lo comprueba.

En contraparte, queda la duda de si el público ideal, la juventud que rehúye a las oficinas y busca hacer cine para sobrevivir o, si no lo necesita, pasar el tiempo, tiene las herramientas para crear algo que amerite el boleto del espectador. El amateurismo que denotan muchas de las películas en esta cartelera conllevan cierto peligro: parece demasiado fácil, lo que no necesariamente implica el alentador “tú puedes hacerlo”.

 
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