El London Film Festival abrió con el más reciente filme de Paul Greengrass, próximo a estrenarse en México, Captain Phillips. Tom Hanks interpreta al capitán de una embarcación estadounidense que es secuestrado por unos piratas somalíes.

Nosotros iniciamos el festival cruzando el Thames en pleno atardecer para llegar al BFI (British Film Institute) a ver una copia restaurada de La belle et la bête (1946) con motivo del 50 aniversario de la muerte de su director, Jean Cocteau.

La belle et la bete

Este filme en blanco y negro de 1946, tiene, como El rey Lear de Shakespeare, a tres hermanas y problemas de distribución monetarias como una parte importante de la narrativa. Bella no quiere casarse con el guapo Ludovico por cuidar a su padre, un viejo en bancarrota. Ella lleva la casa, pues sus hermanas se dedican a ostentar lo que no tienen. Un camino erróneamente tomado, permite que Bella se entregue a Bestia como prisionera para salvar a su padre de una muerte en sus garras. Ella se convierte en su consentida princesa, rodeada de lujos, objetos animados y soledad. Crece entre los dos opuestos un lazo que pronto que convierte en un amor hasta la muerte, a pesar de la fealdad de Bestia. La lección de la historia es evidente, noble y sencilla: el amor existe por encima de las apariencias. Cocteau le da vida a esta historia gótica con un fervor a la animación a partir de trucos en la edición, sobre todo, como cuando se forma un collar de perlas en la palma de Bestia, o (como en La sangre de un poeta) cuando Bella atraviesa una pared. Este estilo favorece la sensación de estar entre sueños. La iluminación es notoria, así como la impostación en los exagerados y coregráficos ademanes de los actores. Y todo culmina con un final feliz pero con toques algo retorcidos. 

SOR (@SofOchoa)

Sacro Gra

Todavía resplandeciente, apenas unas semanas después de haber ganado el prestigiado León de Oro, en el Festival de Venecia, justo en el día de apertura del London Film Festival, se ha presentado el filme, Sacro Gra, o sea, el Santo Grial. Incuestionablemente un título sarcástico, porque el objeto temático del documental (sí, en Venecia ganó un documental) es al anillo periférico que rodea la ciudad de Roma; la carretera urbana más extensa de todo Italia. Y montada sobre ella, el director Gianfranco Rosi aprovecha para presentarnos los diversos microcosmos (todos peculiares) que ahí conviven. Hay un poco de todo. Los ricos, en ausencia, mencionados por no habitar con frecuencia sus casas. Los clasemedieros (como nuevos ricos mexicanos) tributando el glorioso pasado del Imperio Romano, dejándose agasajar por una representación política lituana. Y muchos tipos de pobres: transexuales, teiboleras de bar con luz excesiva, padre anciano verborréico viviendo apretadamente con su hija, pescador de anguilas molesto por la situación imperante, y algunos más. Un agridulce caleidoscopio de los fastidiosa que es la vida. Lo ridícula y graciosamente triste que ésta es; lo tristemente ridícula y graciosa que, al mismo tiempo, también es. Pero a pesar del afinado ojo con que Rosi presenta cuanto ocurre en el perímetro de la suntuosa capital del antiguo imperio, y sin haber visto aún la mayoría de los filmes con los que compitió, el premio recibido en su propia tierra parece haber sido un exceso. Que el presidente del jurado haya sido el también italiano, Bernardo Bertolucci, puede apreciarse como una afortunada coincidencia…para Italia.

AFD (@SirPon)

Walesa: Man of Hope

El maestro Andrzej Wajda (Cenizas y Diamantes, 1958), sigue haciendo cine a sus 87 años. Y continúa haciéndolo con convicción, aunque quizá en esta ocasión dejó que le ganara el factor emocional. Walesa. Man of Hope bordea el tono panfletario, pero se mantiene alerta de captar no sólo las grandes virtudes de Lech Walesa (uno de los líderes fundamentales para entender la historia mundial de los últimos 40 años); también se preocupa por humanizarlo, arrojando alguna luz sobre la complejidad de su personalidad, siempre enmarcándolo con claridad en el inclemente momento político-social por el que atravesó Polonia (un país de por sí constantemente castigado por la historia) en las décadas de los setenta y ochenta. Walesa, un líder sindical (ligeramente diferente a los que tenemos en México), desde la pobreza y el genuino interés por mejorar las condiciones de vida de un pueblo oprimido por un regimen totalitario dirigido desde la Unión Soviética, aprovechando la figura y la fuerza del Papa polaco, Juan Pablo II, logró la revolución pacífica que liberó a su patria y comenzó el proceso de demolición de la Cortina de Hierro que subyugó durante largo tiempo a toda Europa del Este.

AFD (@SirPon)

Jeune et jolie

Hay un resquicio en la mente de las mujeres que permanece inaccesible para los hombres y que les produce una imaginativa curiosidad: los mecanismos de su deseo sexual. Como Buñuel en Belle de jour (1967), en Jeune et jolie François Ozon explora los de una joven y bella adolescente que recibe su despertar sexual muy a la Ozon, con una mezcla de inocencia, sensualidad, misterio y perversión. Después de perder la virginidad durante un verano con un joven prácticamente desconocido, sin crear el más ligero lazo afectivo, decide convertirse en prostituta. Su muy bien remunerada profesión tiene repercusiones en su familia, que parece ser demasiado normal como para tener a un miembro con inclinaciones tan poco burguesas. Como es costumbre de Ozon, el ostentoso regodeo en sus atmósferas de thriller pérvido repercute negativamente en el desarrollo de sus personajes y de la historia.

SOR (@SofOchoa)

Starred Up (Dir. David Mackenzie, Reino Unido, 2013)

★★★★

Con evidentes guiños a la tremenda Scum (1977-79), de Alan Clarke (con un muy joven, casi debutante, Ray Winstone) y, según el propio director, David Mackenzie (Young Adam, 2003), con Un condenado a muerte se escapa (1956), del maestro Robert Bresson, en la mente, el filme Starred Up acomete el que ya parece ser un género en sí mismo, el drama penitenciario. El título hace referencia al caso extraordinario en el que a un joven se le transfiera de la correccional a la cárcel para adultos en virtud (más bien en defecto) de su incapacidad para controlar un temperamento violentísimo. A Eric, el protagonista, se le asigna la misma cárcel en que se encuentra recluido su padre, a quien tiene tiempo sin ver y con quien nunca ha llevado la mejor de las relaciones. Starred Up está basada en las vivencias de Jonathan Asser, guionista que hace su debut con esta cinta, quien trabajó como terapista sobre el manejo de la ira en la prisión de Wandsworth, por lo que la película en todo momento se siente auténtica y escalofriantemente real; no sólo está cargada de brutalidad física, sino también emocional y verbal, a través de diálogos corrosivos, en un ‘cockney’ imposible de entender para un oído no acostumbrado. La cinta, de por sí contundente, con gran ritmo, filmada con ingenio y con aderezos oníricos en el montaje, alcanza la redondez gracias al criterio con que inserta apabullantes gestos de ternura y humanidad que, en un inicio, parecerían impensables y que lo terminan catapultanda a una dimensión que trasciende las recetas narrativas bajo las que se cocinan este tipo de filmes.

AFD (@SirPon)

Child’s Pose (Dir. Calin Peter Netzer, Rumania, 2013)

★★★★

La conocida ‘nueva ola rumana’ (encabezada por Cristi Puiu, La muerte del señor Lazarescu, 2005; y por Cristian Mungiu, 4 meses, 3 semanas, 2 días, 2007) solía fijar su mirada en temas concernientes a la clase trabajadora. Calin Peter Netzer retoma el realismo puro de aquellos para abordar su historia en Child’s Pose (si bien con una cámara mucho más nerviosa), pero elige revisar un caso de la clase privilegiada de su país. El irresponsable y atenido junior, treintón, de un matrimonio muy bien conectado en las esferas políticas de Rumania, atropella a un jovencito humilde por andar ejecutando valentonadas en la carretera. Pese a la áspera y grosera forma como es tratada por su niño, y la probada culpabilidad que tuvo en el accidente, la madre, una arquitecta articulada y ostentosa (estupenda interpretación de Luminita Gheorghiu), moverá lo que sea necesario para evitar que pise la cárcel. El director comentó en el Q&A que principalmente le interesaba diseccionar esa extraña relación entre madre e hijo, y sí, lo hace de manera penetrante, además de modular paulatinamente las reacciones humanas de los involucrados hacia la compasión; pero también, aunque Netzer aclarara que no era su intención, Child’s Pose, ganadora del Oso de Oro en la Berlinale de este año, permite ver una Rumania manejada por una clase social y política formada por ‘nuevos ricos’ con pocos escrúpulos y corruptos. ¿Les suena familiar?

AFD (@SirPon)

Papusza (Dir. Joanna Kos-Krauze y Krzysztof Krauze, Polonia, 2013)

★★★★

La historia de Papusza, como se le conocía a Bronislawa Wajs, es sumamente asombrosa, y la forma en que la cuentan Joanna Kos-Krauze y Krzysztof Krauze, los directores (desconozco si relacionados con los mexicanos que comparten apellido) la hace aún más fantástica. La mujer, gitana, vivía inmersa en las tradiciones de esa endogámica y misteriosa comunidad, errante por Polonia. Siendo apenas una muchachita fue obligada a casarse con uno de los líderes del grupo, se encargó de la educación de su hijo y no tuvo más que adaptarse a la vida que le tocó llevar. Pero Papusza, que desde niña mostró interés por la lectura y escritura (al principio le costó el repudio de su grupo; nunca una gitana de su clan lo había hecho), mostró dotes poéticos de calado. La poesía le otorgaba la libertad que le era negada en su comunidad; le permitía expandir los alcances de su mirada. Avatares distintos del destino terminaron convirtiéndola en una sensación de las letras en Polonia y, sin embargo, su vida siempre fue dramática y sufrida. Filmada de forma lírica en un purificado blanco y negro (que por momentos parece evocar a Béla Tarr), con la búsqueda constante del encuadre estético y eficaz, la película parece flotar por el tiempo, en un nebuloso ir y venir que permite contextualizar la historia a partir de los diferentes períodos políticos y sociales que vivió Polonia durante el pasado siglo.  Uno de esos encantadores descubrimientos de festival.

AFD (@SirPon)

The Congress (Dir. Ari Folman, Israel / Alemania / Francia, 2013)

★★★

En Waltz with Bashir (2008), Ari Folman usó la animación para retratar los fragmentos, llenos de fantasía e imaginación, que faltaban en su memoria de los hechos que padeció en la Guerra de Líbano a mediados de los ochenta. EnThe Congress, este formato lo usa con fines distópicos. Robin Wright, interpretada por Wright misma, es una actriz de edad mediana que firma un contrato en el que permite que se escanee su imagen para usarse como la productora Miramount desee, sin que la mujer envejezca, en los papeles que plazca. El contrato dura 20 años y le prohíbe volver a actuar. Una vez cumplido ese plazo, la industria del cine ha vuelto a revolucionar, y Wright acude a un congreso a las oficinas de la productora misma para ver qué nuevo trato tienen que ofrecerle. Para entrar, es obligada a beber una sustancia cuyo efecto es que todo lo perciba como una animación, y lo que percibe no es la realidad sino alucinaciones derivadas de su propia bioquímica… o algo así. Todo ocurre al borde de una revolución que está transformando el mundo. Aunque esta ciencia ficción –que cuestiona los cimientos de la industria cinematográfica más poderosa y con más repercusión en el imaginario cultural de todo el mundo– ataca con fuerza los cimientos de Hollywood, elstar system y la manera en la que los espectadores consumimos cine, la ambición de The Congress es tan desmedida que ni los acabados del guión, ni la calidad de la animación, logran alcanzar la vara altamente impuesta por el israelí.

SOR (@SofOchoa)

Teenage (Dir. Matt Wolf, E.U.A. / Alemania, 2013)

★★★★

Basado en el libro homónimo del escritor Jon Savage (England’s Dreaming, 1990), el director Matt Wolf crea un ensayo fílmico que aporta un collage de imágenes y sonidos a las voces de adolescentes europeos y estadounidenses. Desde principios del siglo XX, le da luz a sus ideales, sus sueños, sus deseos, y demuestra que han sido un importantísimo motor propulsor de cambio a lo largo de la historia. El documental cierra al final de la Segunda Guerra Mundial, cuando se inventa y consolida el término “teen-ager” y, con esto, los adolescentes más como un grupo de consumo que otra cosa. Con pietaje en blanco y negro, y recreaciones sobre personajes reales (como Brenda Dean, la primera junkie famosa en el Reino Unido), Teenage se consolida como un viaje en el tiempo guiado por la música de Bradford Cox (vocalista de Deerhunter). El trabajo de Wolf resulta divertido, arrobador y fuertemente reflexivo.

SOR (@SofOchoa)

The Zero Theorem (Dir. Terry Gilliam, E.U.A. / Rumania, 2013)

★★★

Cristoph Waltz interpreta a Qohen, un geek que trabaja para ManCom, creando la fórmula que define el propósito de la existencia en un programa que parece un tetris 2D bicolor, cuyos cuadritos se derrumban cuando él no logra balancear la ecuación. Él cree que la vida no tiene propósito y, al mismo tiempo, paradójicamente, vive esperando una llamada que le dictará qué hacer. Su casa es una antigua iglesia cristiana. Y la historia se sitúa en una atmósfera que oscila entre un futuro distópico y un presente fosforescente, ambos con tintes de comedia un tanto simplona. La cercanía temática y estilística de The Zero Theorem con Brazil (1985) es evidente; en el centro del filme hay un hombre abrumado por los males de su tiempo, en este caso, por la sobrecomunicación, producto de los avances tecnológicos, que deriva en la soledad. La energía y la determinación con la que The Zero Theoremfue hecho, derivó en un filme creativo y muy personal, pero esquemático y, a pesar de su inventiva y de sus intentos visionarios, rápidamente caduco.

SOR (@SofOchoa)

Ida (Dir. Pawel Pawlikowski, Polonia / Dinamarca, 2013)

★★★★½

Hace años, en el 2000, vi aquí en Londres Last Resort, un pequeño y emotivo filme sobre una mujer rusa que viajaba con su hijo a Inglaterra para encontrarse con su novio, pero nunca lo encontraba. Su director, Pawel Pawlikowski, polaco residente en Inglaterra, comentaba que nutrió de muchas de sus experiencias como inmigrante a una película que era melancólica y cruda, pero que también tenía fulgores de esperanza. 13 años después (dos filmes más en el inter) se presenta en el London Film Festival con la que bien podría ser la mejor película del festejo cinematográfico: Ida, uno de esos filmes que consagran carreras. En un afilado y puro blanco y negro, utilizando el formato 4:3, encuadrando con espaciosos aires en la parte superior de la toma (como queriendo acentuar lo lejano que nos queda el cielo), y escatimando los movimientos de cámara al máximo, Pawlikowski cuenta la historia de una sierva de Dios, a punto de tomar los votos (castidad, obediencia y pobreza), que en la Polonia de los sesenta emprende la búsqueda por sus orígenes de la mano de una tía que en sus mejores días tuvo poder político, y sigue siendo atractiva, libertina y extrovertida, pero que vive apabullada por los estragos del pasado…y del presente; anestesiándolos con vodka. Juntas rastrean las raíces judías de la monja, y el destino de sus padres. Un filme respetuoso, que reflexiona sobre la identidad y el poder de la fe, con alma refulgente. Incuestionablemente una de las mejores películas de este año; Ida representa la entrada de Pawel Pawlikowski a la élite de los grandes realizadores europeos de este momento.

AFD (@SirPon)

Sarah Prefers To Run (Dir. Chloé Robichaud, Canadá, 2013)

★★★

El debut de la canadiense Chloé Robichaud es un meticuloso retrato de su protagonista, Sarah (Sophie Desmarais), una joven y talentosa corredora a la que le ofrecen una beca para estudiar en Montreal y seguir corriendo. Su pasión es clara, pero el mundo a su alrededor no se orquesta a favor de ésta. Es ella la que tiene que luchar para que las cosas sucedan y, en el camino, las piedras que se le plantan le despiertan dudas porque obviamente no es una joven normal. Apenas puede dedicarle pensamientos a eventos que no tengan que ver con correr, y eso la hace más fría que misteriosa. Es esa frialdad lo que permea en el tono general de la película, más que la pasión por hacer las cosas.

SOR (@SofOchoa)

The Selfish Giant (Dir. Clio Barnard, Reino Unido, 2013)

★★★★

Clio Barnard pareció salir de la nada para estremecer a la escena fílmica británica con su ópera prima, la inventiva y conmovedora, The Arbor, que tuve la oportunidad de ver aquí, en el London Film Festival hace 3 años, invitado por Michael Nyman, pues su hija fue la encargada de la música del filme. Posteriormente, fue tal la resonancia que provocó la conjunción de una historia que estremece y la forma tan original en que la presentó, que The Arbor incluso se presentó en Distrital y Morelia, en México. Precedida de su exitoso paso por Cannes, The Selfish Giant, segunda obra de Barnard, se presentó en Londres, también obteniendo aplausos tanto en la crítica como en el público. Esta vez, la directora –adaptando libremente la obra homónima de Wilde– optó por una narración ortodoxa hasta cierto tramo de la película. Incluso pareciera formularia –dos niños pobres, juguetones, agresivos e impetuosos; buenos amigos que aprenden a robar cable y metal para vendérselo a un mercenario sin escrúpulos que se aprovecha de ellos y provoca que rivalicen–, pero que secuencia a secuencia siembra detalles, gestos y motivaciones psicológicas que en el desenlace se conjugan categóricamente para certificar que, además de Lynne Ramsay, Joanna Hogg y Andrea Arnold, en Clio Barnard el Reino Unido tiene ya cuatro directoras de élite en el cine mundial. La interpretación de los chamacos es extraordinaria.

AFD (@SirPon)

Abuse of Weakness (Dir. Catherine Breillat, Francia /Alemania, 2013)

★★★½

En Abuse of Weakness, como en todas sus películas, Catherine Breillatdispone de su autobiografía; como nunca, omite el sexo como tema central, y aborda un periodo literalmente enfermo de su vida. Después de sufrir un derrame cerebral, y pasar varios meses en rehabilitación para quedar semiparalizada (“con una parte del cuerpo muerta”, dice), Maud escoge, para protagonizar su siguiente película, a un expresidiario acusado de fraude. El hombre parece impresionado por la inteligencia de esta directora, interpretada por la magnífica Isabelle Huppert. Y ella recibe de él mucha –demasiada– atención, contribuye a que ría (lo cual es fundamental para ella), obtiene ayuda en los momentos de mayor vulnerabilidad (él y su familia la cuidan durante Navidad, cuando los hijos de Maud están fuera). Desarrollan una relación extrañamente cercana, familiar; incluso llegan a vivir juntos. Él saca ventaja y comienza a hacerla firmar cheque tras cheque, hasta endeudarla por más de un millón de euros. A favor del tono enigmático y ridículamente alterado de la película, Breillat es muy cuidadosa en dejar en la ambigüedad las causas psicológicas de esta estafa, aunque el título del filme sea decepcionantemente claro (uno esperaría una confesión más elaborada para una historia con relaciones de poder tan aparentemente complejas) y ella, en el Q&A después de la función, haya insistido en el papel que tuvieron los narcóticos y su evidente debilidad para que algo así sucediera en la realidad.

SOR (@SofOchoa)

The Last Impresario (Dir. Gracie Otto, Australia, 2013)

★★★½

Al referirse a Londres, quizá Michael White sea una de las personas más famosas e importantes de la ciudad, pero que poca gente conoce. Las celebridades lo describen como un ser humano cálido y amable, preocupado por la gente. Pero no sólo era una presencia obligada en las mejores fiestas y eventos sociales de la capital inglesa, también era un verdadero impresario,  uno de los mejores. Con una mente creativa e innovadora, produjo más de 300 películas, puestas en escena, musicales y espectáculos; llevó a Londres loshappenings, organizó las presentaciones de Pina Bausch y Yoko Ono, trasladó a Monty Python al cine, y creó The Rocky Horror Show. Cambió la escena cultural londinense para siempre. Con cerca de 45 entrevistas, fotografías y material fílmico, la ópera prima de Gracie Otto ofrece un placentero y ameno retrato de un hombre visionario y respetado por personalidades como Kate Moss, David Bowie, Mick Jagger, Jack Nicholson y Freddie Mercury, entre otros.

SOR (@SofOchoa)

Lifelong (Dir. Asli Özge, Turquía / Alemania, 2013)

★★★½

La directora Asli Özge ganó en 2009, con Men on the Bridge, el premio a la Mejor Película en el London Film Festival, en la que retrataba a la clase baja de Turquía. Con Lifelong, se enfoca en otra clase social a la que ella dice pertenecer. Una pareja de artistas (él arquitecto, ella artista plástica) habita una hermosa, minimalista, transparente y angosta (o angustiosa) casa, diseñada por él. Este tercer personaje nos permite sentir y ver los sueños de este matrimonio que aunque aparenta tenerlo todo (dinero, amor, una hija sana, profesiones escogidas con pasión y desarrolladas con salud) pende de un hilo. Con muy pocos diálogos, actuaciones minuciosas y obras de arte que se entremezclan en la trama como parte de una exposición de la mujer, descubrimos el paisaje sentimental de ambos.

SOR (@SofOchoa)

It’s All So Quiet (Dir. Nanouk Leopold, Holanda, 2013).

★★★½

Y sí que lo es. El filme holandés de Nanouk Leopold descansa en buena medida en el silencio. Su protagonista, Helmer (Jeroen Willems), es un cincuentón hosco y poco expresivo, que debe cuidar a su anciano padre, al que parece quedarle poco tiempo de vida. Viven en una granja, en el campo holandés, y su relación delata un pasado en común poco terso. Los días transcurren acrecentando tanto el deterioro de la salud del padre, como el sentimiento de soledad del hijo. No parece haber forma de reparar ni lo uno, ni lo otro. El filme, reposado y melancólico, adquiere además un atractivo adicional por el hecho que, lamentablemente, Willems falleció poco después de concluido el rodaje.

AFD (@SirPon)

Sixteen (Dir. Rob Brown, Reino Unido, 2013)

★★★

Este festival ha corroborado que la situación de la escena fílmica británica (llamarla industria quizá es todavía un despropósito) goza de buena salud. Dentro de la oferta hay un poco de todo, pero la balanza se inclina hacia la calidad, en sus distintos grados. Sixteen, por ejemplo, es un drama que apela al realismo y gracias a que acierta en los tonos y ritmos que lo hacen creíble es que el proyecto sale avante. El debutante, Rob Brown, cuenta la historia de Jumah, un chico que está por cumplir 16 años y vive en un fregado council estate del oeste londinense con su madre adoptiva, una inglesa. Sus padres, en Congo, no podían hacerse cargo de él. Jumah sufre feroces arranques de una ira que es incapaz de controlar, en buena medida debido a la violencia que padeció de niño en un país, cuyas constantes guerras exigen de la participación infantil, lo persigue como una sombra onerosa. Cuando Jumah presencia un asesinato en la calle, relacionado con el narcomenudeo de la zona, tendrá que decidir si prefiere seguirse metiendo en problemas o si opta por un silencio culposo. Por momentos el director parece adoptar un acento paternalista, pero la fuerza compasiva con que dota a sus personajes, y la estructura de thriller en que sustenta la historia, hacen de Sixteen un filme que inyecta un plus al típico ‘kitchen sink’ drama que este tipo de proyectos suelen ofrecer.

AFD (@SirPon)

Trap Street (Dir. Vivian Qu, China, 2013)

★★★★

Li Qiumung se dedica a mapear diferentes zonas de Beijing para una compañía de GPS. Hay una calle que le llama particularmente la atención. En esa calle, que su jefe le ha pedido borrar de sus mapas, ve por primera vez a Guan Lifen y se enamora por completo. Ella parece estar ausente, ser inalcanzable, pero él es persistente y, ayudado por la casualidad, logra llegar a ella. Pero en una ciudad como Beijing las sorpresas pueden estarse gestando al otro lado de la pared o partir de una cámara silenciosa que vigila desde un lugar oculto o con un objeto aparentemente inocuo, extraviado y encontrado por un desafortunado. Esta ópera prima de Vivian Qu muestra una Beijing cercana, asequible, pero fantasmal, llena de misterios que no permiten que el amor se desarrolle con inocencia.

AFD (@SirPon)

Weekend of a Champion (Dir. Frank Simon, Reino Unido, 1971)

★★★★

Llegamos a ver Weekend of a Champion cuando nos encontramos, de frente, con Simon Le Bon, vocalista y líder de Duran Duran. Nos habíamos conocido en México, así que nos saludamos y conversamos durante algunos minutos. Nos dijo que se encuentran en el estudio grabando lo que será el disco número 14 de la exitosísima banda británica, y dejó abierta la posibilidad de invitarnos la siguiente semana a la grabación. Simon se encontraba en el cine invitado por Sir Jackie Stewart, famoso campeón de la Fórmula 1, sujeto tributado en la película que veríamos. Se trata de un documental, dirigido por Frank Simon, filmado en 1971, que testimonia el encuentro entre el realizador, Roman Polanski, y el propio Stewart, durante el fin de semana del Gran Premio de Mónaco, cuando el corredor escocés era campeón del mundo. El filme nos permite adentrarnos no sólo al emocionante mundo del automovilismo (en sus prácticas, cavilaciones e instrucciones técnicas de Stewart, preparación mental, momentos íntimos con su hermosa mujer, Ellen, el glamour de Montecarlo y, por supuesto, la gran carrera), sino su relación con el director polaco, y la forma en que dos hombres exitosos, en la cima de su prestigio, conviven de forma cándida, amigable y simpática, con una cámara de por medio para dejar constancia del momento. El filme fue recientemente restaurado por Polanski, y le fue añadido una especie de epílogo, con ambos hombres sentados, hace unos meses, en la misma suite donde Stewart estuvo hospedado 41 años antes, acabando de ver aquel pietaje y, a partir de él, remembrando esos días y meditando sobre la forma en que han cambiado sus vidas, sus cuerpos, sus patillas, y la propia Fórmula 1. Concluida la proyección de la película, Sir Jackie Stewart (acompañado de su hijo, que fungió como productor de la cinta), ingenioso y muy simpático, nos compartió algunas anécdotas de su infancia, se burló de su propia dislexia y de lo tonta que es la gente de publicidad, además de transmitirnos la profunda satisfacción que le ha dejado una vida llena de fortuna, gracias –en buena medida– a un deporte que sigue amando y disfrutando.

AFD (@SirPon)

Exhibition (Dir. Joanna Hogg, Reino Unido, 2013)

★★★★

Un par de días antes vimos un filme turco, Lifelong, con tema y elementos sorprendentemente similares a Exhibition. La diferencia fundamental es que, en su tercera película, la directora británica Joanna Hogg termina por consolidar un estilo personalísimo, fácilmente detectable para quienes hemos seguido de cerca su carrera. Al igual que en su debut Unrelated (2007), y posteriormente en Archipelago (2010), Hogg toma una decisión que le ha resultado muy polémica en su propia tierra: retratar historias de gente de clase media-alta. Casi un pecado en un país con una rígida estratificación social, en el que los filmes suelen abordar las vidas de la clase trabajadora, o de la aristocracia, no de la insípida clase media. Hogg ha sido valiente en hacer lo que ella quiere, talentosa e inteligente para hacerlo de manera inventiva y punzante. Un matrimonio de artistas, londinense, habita un espectacular apartamento, hecho a la medida: estéticamente bellísimo, ideado para hacer de su vida una armonía permanente. En esos espacios transcurren sus días, se desenvuelve su relación, llena de afabilidad y respeto, cariño desgastado e inquietudes difíciles de asimilar y confrontar. Llevan muchos años juntos, casados y en esa casa. Aunque la adoran, deciden mudarse y al llevar a cabo el proceso, la estructura de la pareja se desequilibra. Para Joana Hogg el minimalismo es barroquismo. Apenas gestos, algunos movimientos, la idónea colación de la cámara siempre, la importancia de la luz y la compaginación que obtiene de las interpretaciones de sus protagonistas, actores no-profesionales (Ella, Viv Albertine, exguiarrista del grupo de punk, The Slits; Él, Liam Gillick, renombrado artista) se amalgaman para crear un cine muy a la Hogg (con destellos de Bresson), de incisiva auscultación psicológica. Un nuevo triunfo para esta mujer que se ha convertido en una de las voces más distintivas del cine británico.  

AFD (@SirPon)

Those Happy Years  (Dir. Daniele Luchetti, Italia, 2013)

★★★1/2

El humor siempre refresca el tono sobrio que suele dominar las películas de festival. En Those Happy Years, situada en la Italia de los setenta, cuando la liberación sexual y femenina estaban en el epicentro del torbellino de su juventud, el director Daniele Luchetti hace un divertido ejercicio semi autobiográfico y narra la historia de una familia de cuatro aquejada por los delirios de artista en conflicto del padre y los deseos de liberación de la madre, y sobrellevada por la complicidad y el amor de un par de niños que, como todos los niños, resultan encantadores espectadores, víctimas y solapadores de las locuras de sus padres. La elección de los cuatro actores principales, el glamour en las imágenes coloridamente encuadradas, la nostalgia y el profundo amor que retrata a pesar de los contratiempos, las peleas, las amenazas, los gritos, hacen que el espectador quiera ser cómplice de este deseo de Luchetti por recuperar en pantalla esos años felices y perdidos en un perturbado pero inolvidable pasado.

SOR (@SofOchoa)

The Past  (Dir. Asghar Farhadi, Francia, 2013)

★★★★★

Asghar Farhadi ganó el Oscar el año pasado con A Separation, un filme íntimo, sobre una pareja en proceso de separación, colmado de dilemas morales. En el corazón de The Past hay un triángulo desamoroso con una pareja ya separada que está por divorciarse (Ahmad (Ali Mosaffa) ha viajado de Irán a Francia para firmar los papeles que finalicen oficialmente su relación con Marie (Bérénice Bejo)) y otra que aunque está originándose parece haberse marchitado antes de nacer. Ahmad llega a una acogedora casa en ruinas, se reúne con las niñas con las que vivió y aprendió a querer y con el hijo pequeño de la nueva pareja de Marie, un hombre con su propia historia triste detrás de su actitud celosa de falso joven amante que apenas está aprendiendo a amar. El guión de Farhadi es matemático en sus cálculos; revela sorpresas casi inmediatamente después de que un problema ha sido planteado, como para no dejar que el espectador se acomode y obligarlo a estar atento de sus propios prejuicios y, al mismo tiempo, de sus propias limitantes para emitir opiniones seguras sobre las familias modernas, parchadas con remedos de otros proyectos fracasados, con los niños como principales víctimas y espejos de los errores de sus padres. The Past es un filme verbal, con la fuerza de las actuaciones dándole vida a esta bola de nieve arrasadora, que, como el pasado, crece sin reparos, sin detenerse, para devastar las de por sí complicadas vidas de quienes se han encargado de trazar el curso de este fantasma del que somos esclavos. 

SOR (@SofOchoa)

Blue is the Warmest Color (Dir. Abdellatif Kechiche, Francia, 2013)

★★★★½ 

La vie d’Adèle aparenta ser un filme sencillo sobre el descubrimiento del amor, las mieles de su desarrollo, sobre su poder transformador y sobre la sobrecogedora tristeza que nos embarga con desesperación cuando éste termina y que permanece embadurnada de ternura aún tiempo después, cuando la ruptura ya se ha superado. Pero esta historia escapa al peligroso y sumamente atractivo lugar común (debido a la repetición de fórmula con la que generalmente el cine, sobre todo de Hollywood, aborda estas historias), gracias a las perfectamente orquestadas actuaciones de las jóvenes Lea Seydoux y Adele Exarchopoulos, al empeño del director Abdellatif Kechiche en serle fiel a la perfección de los detalles, a la complejidad de los personajes que vemos crecer y cambiar con el paso del tiempo, a tener en el centro una pareja de lesbianas que, a pesar de serlo y tener que enfrentar así, en su diferencia, al mundo, a la familia, viven el amor en plena igualdad a una pareja heterosexual, y también a sus largas, explícitas y pasionales escenas sexuales que enamoraron a la crítica desde su estreno en el Festival de Cannes cuando ganó la Palma de Oro.

SOR (@SofOchoa)

Only Lovers Left Alive (Dir. Jim Jarmusch, Reino Unido, 2013)

★★★★

En primera instancia parecería que este filme de vampiros ha sido un mero divertimento para Jim Jarmusch, quien se ha solazado en la confección de un juego estilístico elegante y muy atractivo. Podría perdonarse a quienes se quedaran, de forma voluntaria o forzosa, en la epidermis del filme. Pero Only Lovers… invita a clavarle los colmillos y extraerle toda la savia que, eh, con sabiduría, ha esparcido este gran director norteamericano a lo largo y ancho de él. Adam (Tom Hiddleston) y Eve (Tilda Swinton) –sus nombres apenas el primer gag de una serie continua y gozosa de referencias históricas, musicales, fílmicas y culturales cargadas de fermentado y seco humor- forman una pareja de centenarios vampiros que buscan reunirse tras un tiempo de separación. Él es famoso músico que vive como ermitaño en Detroit, Estados Unidos, ayudado por un fanático que promete no decirle a nadie de su paradero y que le consigue cuanta excentricidad se le ocurre a Adam (por ejemplo, una bala con cabeza de madera). Ella vive en Tánger, Marruecos, pero viajará a Detroit para reunirse con Adam. Apenas empiezan a disfrutar el reencuentro cuando les cae el chahuiztle, en forma de la hermana de Eve, Ava (Mia Wasikowska), quien pervierte de tal forma el misterio de sus vidas y la tersa adecuación a los nuevos ritos vampíricos, que se ven obligados a modificar intempestivamente los planes con que inicialmente pensaban llevar a cabo este nuevo capítulo de sus vidas como amantes. Tom y Tilda hacen una pareja formidable (pese a lo que uno podría imaginar al pensarlos juntos), la música elegida por Jarmusch es suntuosa, la fotografía refinada, los encuadres inventivos y, por encima de todo, el recubrimiento existencial al momento de tratar el tema de la inmortalidad es profundo (constantemente salpicado de críticas a lo erróneo que suele ser el comportamiento humano) y al mismo tiempo divertidísimo. Una delicia de evento fílmico de Jim Jarmusch que, además, fue coronado con una sensacional fiesta en la que la sensual Yasmine Hamdan (que en la película tiene un momento almodovariano en el que Adam y Eve disfrutan su hipnótico canto en un bar de esquina en Tánger), presentada por Tom Hiddleston, nos deleitó interpretando con su banda seis encantadoras canciones. Después, Nick James, editor del Sight & Sound, nos presentó a Tom Hiddleston, quien pese a que en los últimos años (tras ser descubierto por Joanna Hogg, a quien días más tarde entrevistamos en Fitzrovia) se ha convertido en uno de los actores más codiciados del planeta, es un tipo afable y de gran trato. Tom, entre otras cosas, nos platicó que, pese a esa imagen de niño posh que lo dio a conocer (y que se desprende de su propia vida), no sólo interpreta a este vampiro sino que está por filmar con Guillermo del Toro personificando a otro ser con características góticas. La fiesta, en sábado por la noche, se prolongó por un buen rato, pero por fortuna para la ocasión, no hasta que la salida del sol arruinara vocación alguna.

AFD (@SirPon)

The Invisible Woman (Dir. Ralph Fiennes, Reino Unido, 2013)

★★★1/2

Ralph Fiennes dirige y protagoniza la historia de amor prohibido, y hasta cierto punto resguardado, de Charles Dickens, el querido, ilustre, emblemático y clásico escritor inglés, y Nelly Ternan (Felicity Jones), una joven actriz. La historia es vista en retrospectiva, con Dickens ya muerto, recordada por ella cuando está montando The Frozen Deep con un grupo de niños. Ella no puede evitar (nunca pudo) ser una gran entendedora de Dickens. Su capacidad de visionaria lectora atrapó la mirada del famoso escritor y cambió la vida de ambos, aunque ella, por su bien social, aún ya pasado el tiempo, deba fingir que ese meteorito de pasión y locura jamás la transformó. Con una delicadeza que galopa el sutil ritmo de una narrativa convencional, The Invisible Woman refresca con su elegancia (aunque sin riesgos) el género de los filmes de época.

SOR (@SofOchoa)

Rags & Tatters (Dir. Ahmad Abdalla, Egipto, 2013)

★★★½

Hace 3 años tuve la oportunidad de ver Microphone, en el London Film Festival; filme egipcio del joven director Ahmad Abdalla, realizado en buena medida de forma clandestina, en el que mostraba con toques de humor y cierto optimismo la aspereza a la que debían enfrentarse los jóvenes que intentaban expresar su descontento, particularmente quienes elegían la música (el rock) y el arte, en la escena underground de Alexandria, en un Egipto cada vez más conservador y represor. Tres años más tarde, se aprecia a un Abdalla con mayor oficio y madurez en Rags and Tatters, una película mucho más ambiciosa. Pero, en más de un sentido, es una continuación de la anterior. En el lapso entre una y otra, primero hubo una revolución que tumbó al presidente (Mubarak), quien gobernaba al país que retrataba Microphone, y que propulsó lo que se conoció como la ‘primavera árabe’. Tras la caída de Mubarak subió Muhamad Morsi al poder, pero también fue pronto derrocado. La inestabilidad política, provocada en gran medida por la agitación social, el descontento ancestral y también el fanatismo religioso tienen a toda la región del Medio Oriente más inestable de lo de por sí volátil que suele ser. Rags and Tatters, combinando secuencias de intenso realismo, con episodios de auténtico documental insertados en la trama, se convierte en un turbador testimonio de los sucesos ocurridos en El Cairo, en 2011, en la icónica Plaza Tahrir, que fueron transmitidos a todo el mundo por televisión. Pero en lugar de centrarse en las escenas que la prensa internacional captó, Abdalla cuenta la historia de un fugitivo que en su escabullida recorre carreteras y todos los recovecos de la ciudad, presenciando asesinatos y violencia por doquier, descubriendo un país convulsionado y desorientado, al que no será fácil volver a encarrilar.

AFD (@SirPon)

Locke (Dir. Steven Knight, Estados Unidos / Reino Unido, 2013)

★★★½

No ha sido del todo erróneo cerrar la versión del London Film Festival 2013 viendo Locke. Oficialmente el festival clausuró con Tom Hanks interpretando a Walt Disney, en un filme para sacar sonrisas al público. Nosotros preferimos un final menos cómodo y complaciente. Locke no es un filme para dar un cerrojazo por todo lo alto, con el espíritu reconfortado, con ganas de salir del cine a brindar, con el ánimo inflamado. Se trata de una película de bajo perfil, pero con los ingredientes necesarios para provocar un sube y baja emocional en el espectador. Es uno de esos filmes que fácilmente podrían desbarrancarse en cualquier momento. No es sencillo mantener la atención y la tensión del público con una cinta que se desarrolla en su totalidad dentro de un auto. Kiarostami lo hizo gloriosamente en Ten, pero él –además de ser un maestro del cine y de la observación de la naturaleza humana- cuando menos fragmentó la película en diez episodios con diferentes copilotos con los que interactuaba la protagonista. Steven Knight (guionista de Eastern Promises de Cronenberg y Dirty Pretty Thing de Frears) ratifica su control para escribir una historia compacta, inquietante con el desafío de no desmerecerla en su ejecución como director. Tom Hardy es Ivan Locke, el encargado de cuadrar el arribo de los materiales para el inicio de una monumental construcción arquitectónica. Tiene prestigio profesional y una familia envidiable. Pero en una misma noche, montado en su confortable camioneta BMW, manejando de Gales a Londres, llamada tras llamada, informa a sus superiores que no podrá estar físicamente presente para coordinar los millones de dólares en juego por la llegada del concreto, y tampoco llegará a ver el partido de futbol para el que su esposa e hijos tienen lista una reunión familiar. Un deber moral que él considera superior lo hace poner en riesgo trabajo y familia, mientras su auto va comiéndose, kilómetro a kilómetro, la distancia que debe recorrer para estar en paz consigo mismo. Una road movie actuada con templanza y ondulaciones anímicas, que pese a la escasez de recursos logra plantear las dificultades para malabarear responsabilidades, compromisos y fallas propias del humano que tiene el hombre en el mundo actual. Una buena síntesis de varios de los temas fundamentales que se trataron en los mejores filmes mostrados en el festival; un ejemplo adecuado de las capacidades del cine para, sin necesidad de artilugios y espectacularidades, dejar al espectador pensando en la penetración que las buenas películas, más allá de tramas y nacionalidades, alcanzan en los asistentes a las salas, a partir de lo que cuanto ven y escuchan en la pantalla resuena en sus propias vidas.

AFD (@SirPon)

El video fue grabado con un Lumia 925 #SwitchToLumia