Robert Eggers confecciona una película maravillosa e inquietante que evoca la superioridad y el poder del mar, la hostilidad sombría y maligna del paisaje natural, la furia de la soledad, el aislamiento forzado que crea alucinaciones mortales y el deseo de poseer esa luz salvadora, pero engañosa.

Bong Joon-ho confirma ser un analista despiadado, capaz de captar en detalle la enfermedad que atraviesa una sociedad aparentemente “sana”. Con precisión geométrica y un alma tumultuosa, Parásitos proyecta ambiciones, apetitos, fealdad, bajeza humana. El filme no es sólo el descubrimiento de una estructura social infernal, sino también de las ambigüedades que impregnan las clases opuestas: desde las huellas de la ingenuidad corrupta y el infantilismo de los Kim, hasta las perversiones oscuras de los Park atrapadas en la inmovilidad de sus privilegios. Bong aspira al cine total, haciéndonos sentir terror,...

Y ahí están los temas que han obsesionado a Scorsese desde siempre: la importancia de sostener unida la familia (aunque el hacerlo provoque peores problemas), la búsqueda del poder o la fama, la sociedad regida por el machismo narcisista, la violencia como recurso animal de quienes necesitan validaciones constantes, la lealtad como valor sine qua non de la estabilidad social, el mundo en el que existían los códigos y se respetaban (y si no, se pagaba el violarlos), la corrupción como elemento fundamental de convivencia, el respeto a las jerarquías, la rebeldía contra la autoridad, el paso del tiempo que con casi todo arrasa y la...

Todd Phillips y Joaquin Phoenix logran enriquecer a uno de los personajes más atractivos del universo de los cómics, un villano imponente, un hombre trastornado, ya escaneado por otros grandes autores. Le guiñan un ojo al material original, lo mencionan, lo distorsionan, crean alusiones, ensucian y glorifican el mito fundador del propio Batman y de la relación con su némesis, para que el personaje encuentre un nuevo significado, una relevancia acorde con los matices oscuros del mundo actual.

Es una película de pasiones e instintos, de impulsos, de cuerpos torturados por el dolor y el vértigo del deseo, sobre los cuales, sin embargo, se extiende el velo de una forma deslumbrante y perfecta, de una belleza plástica deslumbrante (ese resplandor naranja diseñado por el artista Olafur Eliasson que aparece en el tramo final del relato) capaz de superar y neutralizar la oscuridad del agujero negro y la perversidad de la nave.

El noveno largometraje de Tarantino es la primera película en la que el director se sumerge directamente en el alma intensa, ajetreada y brillante -pero también oscura- del sistema de Hollywood. No es que en sus películas anteriores el tema de la industria cinematográfica -o del lugar donde “los sueños se cumplen”- no haya sido tratado, pero esta es la primera vez que Tarantino realiza un reconocimiento sistemático. Lo hace a su manera; situando el relato en un año clave para la historia estadounidense: ese 1969 en el que el movimiento hippie perdió su inocencia, se ahogó en la sangre de Sharon Tate y en su cuerpo...

En el cine de Hirokazu Koreeda, la familia es una entidad reformable y versátil en función de las decisiones y los caminos que toman sus personajes, casi siempre afectados por una ausencia, un vacío que los obliga a buscar nuevos sentidos de pertenencia. A lo largo de ese recorrido deben sortearse varias batallas: las relaciones conflictivas entre padres e hijos, las rupturas matrimoniales, la orfandad y el abandono, así como la necesidad de profundizar en las raíces de uno mismo y de su propia progenie.

Dada la fascinación del director Yorgos Lanthimos por las formas barrocas de la crueldad, la corte real británica en los albores del siglo XVIII parece ser un lugar apropiado para mostrar la evolución de su estilo. De hecho, son los juegos de poder, la manipulación, los códigos de comunicación y las interacciones humanas (e inhumanas) que son explorados a través de su mirada perspicaz y aguda. En este sentido, el contexto de referencia es perfecto para llevar a los personajes -y su necesidad de amor y dominación- a la exasperación.

Como suele suceder en su trabajo, incluso en este caso extremo, puede leerse en la figura del protagonista una especie de alter ego de Lars von Trier. Es cierto, el cineasta danés pone lo peor de sí mismo en el personaje de Jack, pero también la sinceridad con la que persigue un diseño artístico perverso que se niega a seguir las reglas de la moral común. Lars es lo suficientemente inteligente como para no volver estériles sus provocaciones y confesiones, y para construir a su alrededor una obra cinematográfica cruda y elegante, imaginativa e imprudente, compacta y coherente, capaz de desgarrar y deslumbrar con sus imágenes.

Meditar, especular, descifrar y analizar los cuestionamientos y planteamientos arrojados por Alonso Ruizpalacios (Güeros, 2014) en su más reciente filme, Museo (2018), es similar a visitar un monumental espacio museístico repleto de vestigios arqueológicos y piezas artísticas. Como el cine, un museo es también un espacio que resguarda el pasado pero que quiere hacerse presente, formado por cuerpos inertes que intentan volver a la vida. El visitante no tiene muy claro en dónde comenzar la ruta -aunque haya señalizaciones y guías que orienten- ni cuándo terminarla, siempre con la conciencia de que, incluso después de...