En el cine de Hirokazu Koreeda, la familia es una entidad reformable y versátil en función de las decisiones y los caminos que toman sus personajes, casi siempre afectados por una ausencia, un vacío que los obliga a buscar nuevos sentidos de pertenencia. A lo largo de ese recorrido deben sortearse varias batallas: las relaciones conflictivas entre padres e hijos, las rupturas matrimoniales, la orfandad y el abandono, así como la necesidad de profundizar en las raíces de uno mismo y de su propia progenie.

Dada la fascinación del director Yorgos Lanthimos por las formas barrocas de la crueldad, la corte real británica en los albores del siglo XVIII parece ser un lugar apropiado para mostrar la evolución de su estilo. De hecho, son los juegos de poder, la manipulación, los códigos de comunicación y las interacciones humanas (e inhumanas) que son explorados a través de su mirada perspicaz y aguda. En este sentido, el contexto de referencia es perfecto para llevar a los personajes -y su necesidad de amor y dominación- a la exasperación.

Como suele suceder en su trabajo, incluso en este caso extremo, puede leerse en la figura del protagonista una especie de alter ego de Lars von Trier. Es cierto, el cineasta danés pone lo peor de sí mismo en el personaje de Jack, pero también la sinceridad con la que persigue un diseño artístico perverso que se niega a seguir las reglas de la moral común. Lars es lo suficientemente inteligente como para no volver estériles sus provocaciones y confesiones, y para construir a su alrededor una obra cinematográfica cruda y elegante, imaginativa e imprudente, compacta y coherente, capaz de desgarrar y deslumbrar con sus imágenes.

Meditar, especular, descifrar y analizar los cuestionamientos y planteamientos arrojados por Alonso Ruizpalacios (Güeros, 2014) en su más reciente filme, Museo (2018), es similar a visitar un monumental espacio museístico repleto de vestigios arqueológicos y piezas artísticas. Como el cine, un museo es también un espacio que resguarda el pasado pero que quiere hacerse presente, formado por cuerpos inertes que intentan volver a la vida. El visitante no tiene muy claro en dónde comenzar la ruta -aunque haya señalizaciones y guías que orienten- ni cuándo terminarla, siempre con la conciencia de que, incluso después de...

Nuesto tiempo es una reflexión sobre el amor, sus posibilidades, sus alcances, sus demonios, sus juegos de sombras y de luces, sus limitaciones, y es un cuestionamiento sobre el riesgo que implica el exigirle de más a un sentimiento tan frágil, particularmente cuando quizá éste no esté cuajado del todo.

Sebastián Hofmann confecciona un fascinante híbrido que oscila de la sátira social al thriller de conspiración pasando por el horror sartreano (“el infierno es el otro”) con pinceladas de comedia negra; todo ello con la intención de reflexionar en torno a las perversidades del capitalismo en el que las corporaciones actúan como vampiros postmodernos para vender ilusiones e idilios a una clase media que aspira -y ambiciona- llegar al otro nivel, al de la élite, para saber cómo se siente ser parte del ‘discreto encanto de la burguesía’.

¿Qué papel desempeña la mujer en el plano social, artístico y creativo? El segundo largometraje de ficción de Natalia Beristáin se revela como una táctica inteligente para hablar de feminismo y hacer un velado comentario social sobre nuestros ajetreados tiempos a partir de una figura emblemática de la literatura mexicana: Rosario Castellanos. La directora enfatiza, y pone en el centro del debate, temas que aún no han sido resueltos ni superados: la emancipación, la autonomía, la lucha por la igualdad de género, el logro profesional de las mujeres y la maternidad. Pero el feminismo -como estandarte del...

En comparación con sus filmes anteriores, Michael Haneke coquetea decisivamente con la comedia, con el lado grotesco e irónico del drama. Este híbrido funciona para enfatizar, con una mirada burlona, la manera en que los personajes se niegan infantilmente a hacer frente a los problemas y las dificultades que atraviesan. El distanciamiento irónico es el filtro para evitar que el espectador se involucre directamente con los acontecimientos narrados, que a menudo son ridiculizados o privados de dignidad y autoconciencia; tanto es así que la tragedia actual toma tonos casi fársicos, como nunca antes había sucedido en el trabajo del director...

El enfoque poético de Lynne Ramsay para representar el sufrimiento humano hace de ‘You Were Never Really Here’ un thriller brutal, desorientador y fascinante que explora las maneras desagradables en que el trauma reprimido puede resurgir, y cómo la violencia puede convertirse en un medio para extirpar los hematomas del pasado, demostrando que Ramsay no tiene miedo de desenredar los aspectos más desagradables de la condición humana mientras encuentra resquicios de belleza en el interior.

Probablemente el género familiar es lo primero que relacionamos con la filmografía de Hirokazu Kore-eda; cintas que reelaboran las estructuras familiares como Maboroshi (Maboroshi no hikari, 1995), Still Walking (Aruitemo aruitemo, 2008) y De tal padre tal hijo (Soshite chichi ni naru, 2013) nos hablan del interés del director por explorar aquellos lazos imperceptibles que unen a las personas más allá de los vínculos sanguíneos. Sin embargo, el cine de Kore-eda ha explorado otras vertientes; como la ciencia ficción con Air Doll (Kûki  ningyô, 2009), sobre una...