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NOTAS DEL DÍA
 
 
Luca Guadagnino retoma los vínculos de cuerpo y espacio de la artista cubana para revisar los límites del horror, el deseo y la belleza: "Creo que la lección de grandes artistas como Gina Pane y Ana Mendieta es que el radicalismo va de la mano con una idea muy sensata de los sentidos. Estoy a favor del radicalismo, y es por eso por lo que quise ver el horror como arte y el gran arte que radicalizó el discurso público de los años 70, particularmente las artistas feministas de la época, para revisar cómo el horror y lo extraño van de la mano. En la mano con el deseo y la belleza".
El productor Silberman le pidió al cineasta francés, Chris Marker, que hiciera un documental detrás de cámaras del gran director japonés en el set de la película al pie del Monte Fuji. Marker perteneció a la generación de documentalistas que intercambiaron el documental “objetivo” por una forma más subjetiva, como lo demuestra la voz en off que escribió. La realización de documentales era inusual en aquellos días, y Marker (cuyo amor por el cine había llevado a homenajes amorosos a Andrei Tarkovsky, Sergei Eisenstein y Alfred Hitchcock) le dio al género su propio toque al hacer de A.K. (1985), una exploración poética, autorreflexiva de la obra de Kurosawa.
Wes Anderson no necesita presentación. El cineasta, uno de los autores estadounidenses más importantes e influyentes, ha creado tantos personajes e historias memorables, y tiene una firma tan fuerte que ha confeccionado un universo propio en el medio cinematográfico: Bottle Rocket (1996), Rushmore (1998), The Royal Tenenbaums (2001), The Life Aquatic (2004), The Darjeeling Limited (2007), Fantastic Mr. Fox (2009), Moonrise Kingdom (2012) y The Grand Budapest Hotel (2014), Isle of Dogs (2018) y próximamente The French Dispatch. Criado en Texas, el joven Wes Anderson ya estaba haciendo películas mudas en la cámara Super 8 de su padre cuando tenía ocho años. Estudiando filosofía en la universidad, también trabajaba a tiempo parcial como proyeccionista en una sala de cine.
Las películas de Shyamalan han sido constantemente separadas según la plausibilidad lógica de sus narraciones en desarrollo. Sin embargo, las gemas de su filmografía conservan el mérito en sus representaciones persistentes de la fe y la personalidad. En The Essence of Faith – What Signs Was Really About, un videoensayo elaborado por Tom van der Linden, publicado en su canal de YouTube, Like Stories of Old, el thriller de invasión alienígena Signs (2002) se discute en una búsqueda para analizar tales sistemas de creencias en el trabajo de Shyamalan.
Steven Soderbergh está de vuelta ‘detrás del iPhone’ para su última entrega como director, High Flying Bird. El drama que toma lugar en el mundo del basktetball fue filmada con un iPhone 7 y es la segunda película dirigida por Soderbergh de esta manera después de su estreno del año pasado, el thriller de horror psicológico, Unsane. High Flying Bird tendrá su premier mundial en el Slamdance Film Festival antes de su debut en Netflix en febrero.
Después de sus tres primeros filmes: Hunger, Shame, y 12 Years a Slave, Steve McQueen tomó un camino diferente con Widows, creando un thriller de atracos liderado por mujeres que aún así llevó su estilo personal. El director está aventurándose en su nuevo proyecyo, el cual lo verá cambiarse a la arena de no-ficción mientras mira al pasado de mediados del siglo XX.
Jia Zhangke: In the Ruins, un videoensayo elaborado por Trois Couleurs, es una breve introducción a la representación y el efecto psicogeográfico de las ruinas en las películas del cineasta chino, Jia Zhangke (Still Life, 2006; A Touch of Sin, 2013; Mountains May Depart, 2015). Durante el período maoísta, las ruinas eran signos de progresión del desarrollo; como proclamó Mao Zedong, “no hay construcción sin destrucción ... Ponga primero la destrucción, y en el proceso tiene construcción”. De algún modo, en el cine del autor chino las ruinas no son solo los efectos de la modernización acelerada de su país, sino que también son símbolos de la destrucción de la sociedad maoísta.
Michelangelo Antonioni sabía cuán vitales son los escenarios para el cine. A lo largo de su carrera, el director italiano se aseguró de que las narraciones de sus películas atravesaran lugares con un ojo por la originalidad. Ya sea filmando islas rocosas en el Mediterráneo, solitarias calles italianas, el desierto de California o parques inquietantemente vacíos de Londres, trató los paisajes con el mismo cuidado y atención que sus guiones y actuaciones.
Entre los cinéfilos, críticos, y amantes de las películas en general, es bastante común que sacudan la cabeza ante la idea de que sus películas favoritas tengan sus respectivos remakes, es decir que sean reelaboradas en nuevas versiones. Tiene sentido: después de todo, ¿por qué alguien querría ver su idea de una película perfecta frente a cualquier tipo de alteración? Sin embargo, los remakes son una constante en el cine comercial contemporáneo, a menudo pensados por muchos como una simple estratagema de hacer dinero (aunque esto puede ser debatido con mayor profundidad).
Hace unas semanas Variety reportó por primera vez que Anne Hathaway (Les Misérables, 2012; Interstellar, 2014) se encontraba en conversaciones para participar en The Witches, pero aún no estaba confirmada su participación debido a su ocupada agenda. No obstante, después de unos ajustes la actriz está lista para encarnar a la Gran Bruja, el papel que originalmente fue interpretado por Anjelica Huston en el filme de 1990 dirigido por Nicolas Roeg.
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