Después de siete películas con padres que intentan matar a sus hijos, niños que intentan matar a sus padres, monjas que intentan matar a monjas y muñecas que intentan matar a todo el mundo, El conjuro 3 (The Conjuring: The Devil Made Me Do It, 2021), dirigida por Michael Chaves, puede ser más oscuro que cualquiera de sus predecesores. Pero, ¿qué tan familiarizado estás con la línea de tiempo del universo cinematográfico instaurado por James Wan? Ahí es donde resulta conveniente revisar The Conjuring Universe Timeline in Chronological Order (2021 Edition), una útil guía de video elaborada por IGN, que cuenta la historia de la saga El conjuro en orden cronológico.

A lo largo de la película, el maltrato del caballo por parte del granjero resuena en la distancia. Quizás fue el tipo de fechoría que convoca vientos y arruina las cosechas. Pero, como explica Understanding Nietzsche’s Connection to The Turin Horse, un notable videoensayo de The Movement Image, el purgatorio repetitivo del padre y la hija no es un castigo. Es un estado mental: una complacencia destructiva, mejor descrita por quién más que el propio Nietzsche.

El jump scare es un truco demasiado familiar en el cine de terror. Su poder para manipular y mantener la atención de la audiencia es un arte en sí mismo, que cuando se perfecciona puede resultar audaz y profundamente perturbador. En Mulholland Drive, el director David Lynch invierte este método para crear una escena que confía tanto en su capacidad para aterrorizarnos.

La relación de aspecto 2: 1 (o 18: 9), ideada y promovida por el legendario director de fotografía Vittorio Storaro en los años 90, sirve como un medio entre los formatos más altos y más anchos, logrando un maravilloso equilibrio entre los diferentes tamaños de pantalla. Para comprender mejor la historia y los conceptos relacionados con la relación de aspecto, o para echar un vistazo a la futura estandarización de la presentación de medios tal como la conocemos, mire este fascinante video de StudioBinder para ver por qué directores como David Fincher o Ari Aster ya han hecho el cambio.

La mayoría de las películas no comienzan con la película en sí. Primero vienen los logotipos: la cadena, a veces tremendamente larga, de huellas dactilares corporativas de las empresas de producción y distribuidores.

La capacidad de las películas de terror para evocar una respuesta física en el público se ha utilizado durante mucho tiempo como parte de la promoción del género. Y a veces, los anuncios no mienten. Aquí hay algunas películas de terror que literalmente enfermaron al público.

Después de su mayor éxito con Baby Driver (2017), Edgar Wright está de vuelta en la silla del director con su primera película de terror psicológico, Last Night in Soho (2021). Si bien se retrasó varias veces debido a la pandemia, llega con un momento fortuito. Anya-Taylor Joy, la protagonista, ahora cuenta con una nueva legión de fanáticos después de que The Queen's Gambit, y también marcará la segunda película de Wright del año, luego de su documental debut The Sparks Brothers.

A Brief History of Nuevo Cine Mexicano, videoensayo escrito y editado por Will Webb para el sitio web Little White Lies, es una mirada ágil y concisa sobre el movimiento cinematográfico mexicano que surgió a principios del siglo XXI y a los directores, conocidos como los “Tres Amigos”, que llegaron a definirlo: Alfonso Cuarón, Alejandro González Iñárritu y Guillermo del Toro.

American Honey sigue a una adolescente llamada Star (Sasha Lane), que elige dejar atrás su vida de clase trabajadora para unirse a una banda itinerante de malhechores, encontrar el amor, el desafío y la reivindicación personal mientras atraviesa el medio oeste. El videoensayo revela cómo la película encarna tres avenidas centrales de la mirada femeninas: (1) la cámara de sentir / ver; (2) la presentación de cómo se siente ser el objeto de la mirada, y (3) el retorno y el control de esa mirada. American Honey sienta las bases y aclara el lenguaje visual de cómo el cine puede contar historias sobre los deseos, la disensión y los sueños de las mujeres en la carretera.

En este videoensayo titulado Here, There and Everywhere: Movement in the Beatles’s Fiction Filmography, el autor Matthew Smolenski recupera la filmografía de ficción de los Beatles que abarca desde 1964 hasta 1968, y que constituye A Hard Day’s Night (1964), Help! (1965), Magical Mystery Tour (1967), Magical Mystery Tour (1967) y Yellow Submarine (1968). Aunque el enfoque en el movimiento de los cuerpos de los actores centrales ciertamente podría extenderse a Let It Be (1970), el análisis centra su atención en la integración de este movimiento en un cine específicamente narrativo que se opone a un contexto audiovisual más seguro que aísla la interpretación musical como su atracción principal, como la legendaria aparición de la banda en The Ed Sullivan Show.