10 actores dirigiéndose notablemente a sí mismos, según el British Film Institute - ENFILME.COM
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10 actores dirigiéndose notablemente a sí mismos, según el British Film Institute
Publicado el 28 - Feb - 2019
 
 
Cuando el talento, la intuición y la vanidad se fusionan; los actores aprovechan su fama para comandar el control creativo de sus proyectos. - ENFILME.COM
 
 
 

La última década ha sido un momento de auge para los actores que se dirigen a sí mismos. Siguiendo el camino de íconos como Marlon Brando, Clint Eastwood y Barbra Streisand, las estrellas están usando la fama ganada por los años de actuar para comandar el control creativo. Es una situación en la que todos ganan: Hollywood aprovecha el poder de venta de su nombre; mientras ellos llegan a flexionar sus músculos artísticos en el otro lado de la cámara.

Esta lista de 10 películas dirigidas por el actor -o actuadas por el director- pone estos giros bajo el microscopio: ¿la autodirección revela una complejidad en el desempeño del actor? ¿Hay algo autobiográfico sobre poner tanto de ti en una película? ¿Y se pueden lograr memorables escenas cuando el actor se dirige a sí mismo?

 

Joel Edgerton: The Gift (2015), Boy Erased (2018)

Siguiendo roles como Tom Buchanan en The Great Gatsby (2013) y junto a Tom Hardy en Warrior (2011), Joel Edgerton ha demostrado ser un hombre renacentista moderno, convirtiéndose en guionista, director y productor. Se dirigió a sí mismo en The Gift, un ejercicio escalofriante en los límites de la afabilidad y lo que sucede cuando da paso a la tensión y la amenaza. Ahora viene su segundo esfuerzo como director, Boy Erased. Este último cuenta la verdadera historia de Jared Eamons (un Lucas Hedges asombrosamente matizado), quien, después de confesar su homosexualidad a padres altamente religiosos, es enviado para terapia de conversión gay. Boy Erased es implacable en su descripción de la desdicha de la experiencia de Eamons en “terapia”, con la extraña broma que agrega un poco de ligereza a un sujeto pesado. Edgerton interpreta al jefe de terapias Victor Sykes, quien reprende a Jared severamente por estos sentimientos.

 

Bradley Cooper: A Star is Born (2018)

Mucho se ha dicho sobre la transformación de Bradley Cooper en Jackson Maine empapado de whisky en A Star Is Born. Lo que hace que su rendimiento sea impresionante desde el punto de vista técnico es que Cooper estaba controlando el set, así como su rendimiento actoral altamente modulado. Con el plano de las tres versiones de pantalla anteriores de A Star Is Born para trabajar, Cooper ofrece una meditación visualmente segura sobre el tema del sufrimiento por el arte y el amor. Hay momentos de tanta vergüenza visceral y desesperanza en el comportamiento de Maine que se sienten como si solo pudieran provenir de un lugar de verdad. A Star Is Born es a la vez un romance atemporal y un ensayo personal sobre un artista masculino torturado.

 

John Krasinski:  The Hollars (2016), A Quiet Place (2018)

Cuando A Quiet Place fue lanzado en abril de 2018, se convirtió rápidamente en un fenómeno. Con 50 millones de dólares en los EE. UU., tuvo el mayor fin de semana de apertura de una historia de terror original. John Krasinski, quien ya había protagonizado y dirigido The Hollars (2016) y anteriormente era conocido por su papel de Jim en The Office, se dirigió de nuevo, colocándolo firmemente en el timón y el centro de este “horror elevado”. En la superficie, A Quiet Place es un thriller modesto con un buen gancho: haz algo más fuerte que respirar e inmediatamente serás perseguido por un alienígena veloz y con las orejas agudas. Pero la película de Krasinski también es una en la que Emily Blunt, la madre de sus hijos, interpreta a la madre de sus hijos, y se centra en un hombre que se enfrenta a las responsabilidades y la dificultad de proteger a una familia joven en un mundo sumamente aterrador. Krasinski ha admitido que durante el desarrollo pensó que la película “podría ser mucho más que una película de miedo. De hecho, podría ser una de las mejores metáforas de la paternidad”.

 

Ralph Fiennes: Coriolanus (2011), The Invisible Woman (2013), The White Crow (2018)

A Ralph Fiennes le gusta tratar de precisar el ego masculino. Sus esfuerzos de dirección apuntan a capturar el genio esquivo, ya sea la creencia beligerante de Rudolph Nureyev en su talento por encima de todo, o la forma magistral de Charles Dickens con las palabras. En The Invisible Woman, en 2013, Fiennes ocupa un lugar central como Dickens ante Nelly Ternan, de Felicity Jones, su amante. Pero toma más de un asiento trasero en su The White Crow, interpretando al estoico mentor de Nureyev, Pushkin, con todas sus líneas habladas completamente en ruso. Al igual que el hombre mismo, las películas dirigidas por Fiennes son una comida muy alta, piezas de cámara dirigidas por un maestro. A menudo recuerdan los modales, las intrigas o los confines de otra época, ya sea la incapacidad de Nureyev de desertar de la Unión Soviética en The White Crow, la institución del matrimonio y el patriarcado en The Invisible Woman o las divisiones entre los militares y los ciudadanos en Coriolanus.

 

Denzel Washington: Fences (2016)

Fences de Denzel Washington encontró al actor ganador de un Oscar dirigiendo un guion adaptado por August Wilson de su propia obra. El resultado fue protagonizado por el mismo Washington junto a otra potencia de actuación, Viola Davis, como los esposos Troy y Rose Maxson. Obtuvo tres grandes nominaciones al Oscar (mejor actor, mejor actriz, mejor película), incluso si este drama familiar, lo suficientemente grande como para sentirse claustrofóbico en el escenario, se sintiera demasiado pequeño para ser consecuente en la pantalla. Hace mucho que estamos familiarizados con el personaje de la pantalla de Washington como el hombre al mando total de una situación determinada: siempre es el hombre que da las órdenes que no puede ignorar y, en última instancia, salva el día o se aleja de una explosión sin siquiera notarlo. Es tentador imaginarlo aplicando el mismo enfoque muscular en la dirección.

 

Angelina Jolie: By the Sea (2015)

Aquí es difícil separar la ficción de la realidad: Jolie se dirige a sí misma y a Brad Pitt (su esposo en aquel entonces) en un elegante lamento sobre la implosión de un matrimonio, cuando el afecto y la comunicación se han roto. Jolie siempre ha parecido una actriz que está muy consciente del efecto que tiene su belleza en la forma en que se le percibe. Dirigiéndose a sí misma, esta belleza es una herramienta para ejercer aquí: el perfil siempre tan público de Jolie es una máscara que no podemos ver detrás, lo que hace que la reticencia de su personaje sea mucho más prominente. Desde By the Sea, Jolie ha dirigido una serie de películas fuertes centradas en la guerra de un tipo más literal, con Unbroken de 2014 y First They Killed My Father de 2017.

 

Natalie Portman: A Tale of Love and Darkness (2015)

A Tale of Love and Darkness fue un proyecto de pasión para Natalie Portman. Negoció directamente en persona los derechos cinematográficos para la adaptación con el autor de la novela, Amos Oz; ella escribió el guion, la protagonizó y la dirigió. Es una historia de su país de origen, Israel, y su viaje hacia la estadidad a fines de la década de 1940. Los resultados fueron difíciles por ignorar el lado palestino de la lucha, con Portman respondiendo que su película es “una historia particular sobre una familia en un momento particular de la historia, desde su punto de vista particular”. Ciertamente, la película de Portman es más sobre su propio personaje, presenciado a través de los ojos de su hijo, que sobre el conflicto. Ella interpreta el papel completamente en hebreo, y es una actuación trágica y enigmática.

 

Joseph Gordon-Levitt: Don Jon (2013)

A través de papeles como Tom en 500 Days of Summer (2009), Joseph Gordon-Levitt se estableció como una persona afable, comprensiva e incluso tierna. La estrella sorprendió a todos cuando se reveló que su debut como director era sobre un adicto a la pornografía. La apuesta dio sus frutos, sin embargo, ya que este drama de comedia, acerca de un hombre brutal que es incapaz de relacionarse sexual o emocionalmente con su novia, fue generalmente bien recibido. Es una mirada bien estructurada, bien realizada y entretenida sobre la intimidad y la masculinidad.

 

Ben Affleck: The Town (2010), Argo (2012)

Desde su aparición en Hollywood en los años 90, a Ben Affleck se le ha presentado a menudo como un rostro atractivo con corrientes ocultas de amenaza o farsa. Ya estaba flexionando su lado creativo detrás de la cámara con su guion precoz (coescrito con Matt Damon) para Good Will Hunting (1997), una película en la que también actuó. Pero en su debut como director, Gone Baby Gone, en 2007, fue su hermano Casey quien ocupó el centro del escenario como investigador privado en el centro de un caso de secuestro en Boston. Ben se dirigió a él mismo por primera vez en el thriller The Town (2010), antes de repetir el truco para filmar el drama de crisis de rehenes Argo en 2012. Esto sugiere una impresionante falta de vanidad que, en este último caso, Affleck toma un asiento trasero relativo entre el reparto, mientras que Affleck, el director, mejora la acción y la tensión. Con películas basadas en eventos políticos reales, puede ser difícil hacer malabarismos con los hechos mientras se mantienen las cosas entretenidas, pero Argo realmente cumple.

 

Drew Barrymore: Whip It (2009)

Desde el estrellato infantil en E.T. (1982) a papeles de adultos como Charlie Angels (2000) y 50 First Dates (2004), Drew Barrymore era una actriz de Hollywood experimentada cuando dirigió su primer largometraje, Whip It. Es refrescante que después de tanto tiempo en el sistema de Hollywood, ella eligió dirigir un relato sobre el empoderamiento y la alegría de las mujeres en un rudo deporte. Una historia indie de la mayoría de edad que vincula la fisicalidad con la fuerza del carácter, Whip It sigue a Blen (Ellen Page) a medida que se incrusta en su comunidad local de roller derby, encontrando amigos y teniendo confianza en sí misma en este deporte difícil. Barrymore interpreta a una integrante de un grupo de chicas de roller derby, la maravillosamente llamada Smashley Simpson. Aunque no es necesariamente desafiante o altamente original, es un debut de dirección con energía y entusiasmo de sobra; hay una comparación fácil entre esta efervescencia y muchos de los personajes que Barrymore ha jugado en la pantalla.

 

Trad. EnFilme

Fuente: British Film Institute

 
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