Al igual que el ‘sample musical’ (sampling), el negocio de la apropiación de películas antiguas puede utilizarse para subvertir, comentar o contextualizar de nuevas formas aquellas piezas de medios que de otro modo daríamos por sentadas. En el cine, este proceso se remonta al menos desde 1936 con el cortometraje Rose Hobart de Joseph Cornell, que reeditó y volvió a calificar la película B de 1931, East of Borneo. El ‘sampleado cinemático’ fue retomado por los collages de la vanguardia, antes de llegar a la corriente principal moderna a través de internet y el fenómeno de la cultura del meme.

Arcadia, el segundo largometraje del cineasta nominado al BAFTA, Paul Wright, está construido a partir de 100 años de metraje de archivo para crear un estimulante estudio de la cambiante y contradictoria relación del pueblo británico con la tierra. Ofreciendo un viaje visceral a través de las estaciones, manipula imágenes que alguna vez tuvieron la intención de educar, informar o simplemente documentar las tradiciones rurales, subvirtiéndolo en una representación del paisaje que se adentra en un espectro de pesadilla.

El mashup de Wright se une a una rica historia de películas que se basan en materiales existentes. Ya sea que quieras llamarlos películas de metraje encontrado, películas de collage, metamedia o remixes, aquí hay 10 notables ejemplos de este peculiar tipo de cine.

Strain Andromeda The

Dir. Anne McGuire, 1992

El concepto: La reedición del artista de imagen en movimiento, Anne McGuire, del clásico de ciencia ficción The Andromeda Strain (Dir. Robert Wise, 1971) reconstruye toda la película en reversa, toma por toma, de modo que el último disparo aparece primero y el primer disparo aparece al final. Invertir el orden de las secuencias crea algo que no tiene sentido al principio, pero que lentamente revela la trama como un elaborado rompecabezas fílmico.

El resultado: A menudo se describe como “deconstrucción de desastres”, Strain Andromeda The examina la naturaleza de las crisis y la narrativa al comenzar con un clímax y revelar incrementalmente las etapas que lo condujeron. Ver la historia de esta manera obliga al público a reconstruir los fragmentos de lo que vino antes y luego reconstruir la narrativa convencionalmente dentro de su propia cabeza. Es una experiencia similar a ver Memento (2000), aunque la película de McGuire precedió a Christopher Nolan por casi una década.

Decasia

Dir. Bill Morrison, 2002

El concepto: Ninguna lista de películas de metraje encontrado estaría completa sin mencionar al cineasta de vanguardia estadounidense Bill Morrison, que va más allá del aspecto “encontrado” para extraer algunos de los materiales de película más oscuros y desconocidos del mundo. Decasia está compuesto de los restos de metraje de nitrato precoz en descomposición, filmado antes de 1950, que ha deformado, ofuscado y en ocasiones destruido por completo la imagen original. Ambientada por Michael Gordon, que parece descender constantemente, Decasia crea un poema tonal de recuerdos imperfectos que desaparecen.

El resultado: Como dijo un crítico al momento del lanzamiento: “Decasia es la Fantasía de la decadencia". Hay una cualidad mágica e hipnótica en el metraje que Morrison ensambla, en su apogeo cuando las películas parecen estar al tanto de la aurora en descomposición a su alrededor: un boxeador luchando con un monolito de película derretida, una bailarina envolviendo su brazo alrededor de una forma vaga de puntos y arañazos, los niños se asustan ante la cámara cuando los bordes del marco colapsan y los cubren. A partir de esto, sería fácil leer Decasia como una evocación de la pérdida y la muerte, sin embargo, como ha dicho Morrison, también está viendo cosas que, a pesar de todo, han logrado sobrevivir de una forma u otra.

Of Oz the Wizard

Dir. Matt Bucy, 2004

El concepto: Originalmente terminado en 2004, pero solo disponible en línea en 2016, Of Oz the Wizard es otro remix altamente conceptual que alfabetiza y reordena todas las líneas de diálogo de The Wizard of Oz (1939). Creado por el codificador Matt Bucy como resultado de un desafío planteado por un amigo, se logró en parte mediante el uso de una aplicación para aislar cada línea. Como dijo Bucy en una entrevista: “Básicamente, fue editado en Excel”.

El resultado: Una experiencia profundamente vertiginosa, la película funciona como una meditación sobre el lenguaje a través de la repetición, lo que demuestra cuán extrañamente pueden parecer las palabras arbitrarias cuando están aisladas del contexto. También crea un sentido del ritmo convincente, con fragmentos de melodías icónicas que perforan intermitentemente para proporcionar una sensación de energía. Todo esto eleva la película de Bucy de ser una supercorta estándar a algo mucho más convincente y surrealista.

The Clock

Dir. Christian Marclay, 2010

El concepto: El artista visual y músico Christian Marclay ha estado innovando los usos de los medios de apropiación durante décadas. Su pieza de videoinstalación de 2010, The Clock, probablemente su obra más impresionante y ambiciosa hasta la fecha, es un montaje de 24 horas de relojes tomados de miles de películas y programas de televisión, editados juntos y en bucle para crear un reloj de trabajo de la vida real. La película está sincronizada con el tiempo real, por lo que ver la película dos veces en diferentes momentos del día da como resultado experiencias completamente separadas.

El resultado: Marclay ha declarado que la pieza es una meditación sobre la naturaleza del tiempo, llamando la atención de la audiencia sobre el paso del tiempo actual mediante el ensamblaje de fragmentos del pasado. Los temas narrativos de películas y programas de televisión son objeto de burlas e interrupciones, recordándote constantemente de qué hora es, cuánto tiempo has estado allí, básicamente viendo pasar el tiempo. Si te limitaras a sentarte y mirar fijamente un reloj en una pared, el tiempo parecería transcurrir agónica y lentamente, pero sentarte y mirar The Clock hace que la misma idea se sienta increíblemente atractiva. Demuestra cómo pueden ser las percepciones subjetivas del tiempo.

Doggiewoggiez! Poochiewoochiez!

Dir. Commodore Gilgamesh y Ghoul Skool, 2012

El concepto: Cualquiera que esté entusiasmado con el material encontrado ya puede estar al tanto del colectivo de videos en línea Everything Is Terrible! que extrae miles de viejas y extrañas cintas VHS para crear reediciones surrealistas, hilarantes y, a veces terroríficas, de material de video que una vez se creyó perdido la era digital. Han estado subiendo cortos a internet durante años, pero también han realizado varias incursiones en el cine. El más completo de estos es Doggiewoggiez, Poochiewoochiez!, que edita cerca de 3,000 películas de perros, desde películas de Hollywood hasta películas caseras amateurs, para recrear la obra maestra surrealista de Alejandro Jodorowsky, La montaña sagrada (1973). Si eso suena como un viaje, puede estar seguro de que así es.

El resultado: Por pura absurdidad y el momento bien calculado de las bromas hechas a través de la edición, este es el más gracioso y risueño de todos los filmes en esta lista. Un punto culminante en particular es un montaje de juegos de palabras de perros malos que demuestra que los maestros del equipo EIT convierten lo que no se puede ver en algo completamente re-observable.

From the Sea to the Land Beyond

Dir. Penny Woolcock, 2012

El concepto: En una línea similar a la de Arcadia, la película de collage de Penny Woolcock, From the Sea to the Land Beyond, utiliza más de un siglo de imágenes del BFI National Archive para resaltar la relación multicapa y cambiante de Gran Bretaña con su costa. Incorporando una emocionante banda sonora de British Sea Power, Woolcock agrupa imágenes que abarcan desde bañistas y veraneantes hasta la construcción naval, la pesca e incluso las fuerzas armadas para crear una pieza de humor que se deleita con el romanticismo de la costa británica.

El resultado: Creando un retrato lírico de nuestros pasatiempos y la industria, en un estado de ánimo que va de alegre a trágico, From the Sea to the Land Beyond es una película remix increíblemente sincera. En lugar de recontextualizar abiertamente su material fuente, organiza clips de archivo para tirar profundamente de los sentimientos de nostalgia, dejándote anhelando una idea idílica de la costa que se siente muy real, incluso si nunca existió.

Have You Seen My Movie?

Dir. Paul Anton Smith, 2016

El concepto: Una película para amantes del cine. Creado por Paul Anton Smith, un colaborador de Christian Marclay y editor asistente de The Clock, Have You Seen My Movie? reúne y entreteje cientos de escenas de películas ambientadas en cines. Smith reconstruye estas escenas como si todas tuvieran lugar en un universo cinemático que colisiona, creando la idea de que todo el cine se ha encontrado por una noche en el cine.

El resultado: El filme evoca todas las ideas románticas sobre el espacio de los cines. Los personajes de diferentes películas parecen reconocerse e interactuar entre sí, y Smith es capaz de construir hilos narrativos sorprendentemente convincentes y momentos únicos a partir de material muy diferente. Como dijo Smith: “Esta puede ser la película más romántica, dramática, llena de suspenso y llena de acción cuyos protagonistas son, en su mayoría, totalmente sedentarios”.

The Pure Necessity  

Dir. David Claerbout, 2016

El concepto: La obra del artista belga David Claerbout sobre el clásico animado de 1967, The Jungle Book, logra la sorprendente hazaña de eliminar a todas las personas y el antropomorfismo de la película original. Mediante la edición digital y el rediseño de los marcos, Baloo, Bagheera y todos los otros animales memorables ahora se comportan como, bueno, animales. Mowgli ha sido completamente eliminado, no hay narración, y ciertamente no hay números musicales (a excepción de una canción incluida al final). En cambio, solo hay movimientos y sonidos tranquilos de una jungla animada.

El resultado: Una experiencia extremadamente relajante y novedosa, que a veces se siente como ver una versión animada de un documental experimental de Godfrey Reggio o Ron Fricke.

Fraud

Dir. Dean Fleischer-Camp, 2016

El concepto: Un testimonio del poder de la edición. Fraud construye una narración de la avaricia, la desesperación y la transgresión de una familia estadounidense enteramente a partir del metraje de la película casera. El proyecto surgió cuando el director Dean Fleischer tropezó con el canal de YouTube de una familia con más de 100 horas de filmación de videos caseros. Fleischer-Camp tomó el metraje en bruto y, a través de una edición ingeniosa y un metraje encontrado adicional, esculpió una historia sobre una familia enloquecida por el consumismo y la desesperación con la que van a alimentar su adicción.

El resultado: Un descenso al sueño americano convertido en pesadilla. Mediante el uso de imágenes de una familia real, Fraud evoca una atmósfera auténtica, aunque inquietantemente extraña que de otro modo no hubiera sido posible. Polémicamente, la película se estrenó en el festival Hot Docs de Toronto, y una sesión de preguntas y respuestas provocó una acalorada discusión sobre las responsabilidades de la verdad, centrada en la decisión de los cineastas de clasificar Fraud como un documental. Pero, teniendo en cuenta el título de la película, su afirmación de género falso parece totalmente apropiado.

The Green Fog

Dir. Guy Maddin, Evan Johnson y Galen Johnson, 2017

El concepto: El cineasta nacido en Winnipeg, Guy Maddin, no es ajeno al cine conceptual, con The Forbidden Room (2015) tejió una serie de recreaciones imaginadas de películas perdidas. Su más reciente filme continúa meditando sobre la naturaleza del medio. Encargado por el Festival de Cine de San Francisco, es un homenaje a San Francisco en la pantalla que recopila fragmentos de la película y el televisor en la ciudad junto a la bahía. Al mismo tiempo, es una recreación de Vertigo (1958) de Alfred Hitchcock, posiblemente la película más emblemática de San Francisco jamás realizada. Al combinar miles de secuencias y tomas de diferentes películas, Maddin puede aludir a las escenas más memorables de Vertigo, representando la trama en secuencia mientras cambia constantemente entre diferentes suplentes para los personajes originales.

El resultado: The Green Fog es único en los ensayos cinematográficos porque demuestra la resonancia y el impacto cultural de su tema sin mostrar un solo clip de él. En el proceso, dice más sobre Vertigo que cualquier videoensayo convencional. Del mismo modo, incluir películas que preceden a Vertigo llama la atención sobre un conjunto de tropos visuales y narrativos, que tal vez no hayan sido notados dentro de sus contextos originales, mostrando cómo las mismas ideas han sido reutilizadas y remodeladas en diferentes manos. Por lo tanto, Maddin hace que el alcance del cine se sienta infinitamente grande e increíblemente pequeño al mismo tiempo.

Trad. EnFilme

Fuente: British Film Institute