La nostalgia viene de una combinación de las palabras griegas ‘nósto’", que significa “regreso a casa”, y “álgos”, un dolor. A menudo se desestima como regresivo, no auténtico y sentimental, especialmente en un clima político en el que la nostalgia se juega a menudo con fines reaccionarios. Sin embargo, evocar ese anhelo de desplazamiento, la necesidad existencial de regresar a un lugar lejano o pasado, puede hacer que el cine sea emocionalmente poderoso, especialmente en películas sobre la infancia, donde la juventud y la inocencia están a menudo unidas por la alegría, el anhelo y la recaptura de la memoria.

Desde el famoso “Rosebud” de Citizen Kane, que significa el trineo de una infancia perdida hace mucho tiempo, hasta el inquietante y despilfarrador joven de The Virgin Suicides, la historia del cine siempre ha estado fascinada con la pérdida de la juventud. Muchos cineastas recurren a sus años de juventud para inspirarse, creando historias de madurez llenas de toques personales y recuerdos. Y en los últimos tiempos, esta nostalgia se ha magnificado a través de la estética retro y pastiche de la cultura pop.

El actor Jonah Hill es el último en tomar esta ruta en su debut como director, Mid90s, para recrear sus años de adolescencia en los años 90 del skateboard en Los Ángeles a través de una banda sonora instantánea, moda y referencias de videojuegos. Aunque el período no está completamente idealizado, Stevie, el héroe de 13 años, también debe navegar por la negligencia materna y el acoso de hermanos en casa, el resultado es una exploración conmovedora de los lazos de la infancia y la necesidad juvenil de liberarse.

El British Film Institute propone 10 películas más sobre la infancia que se filtran desde una perspectiva nostálgica.

The Wizard of Oz, Dir. Victor Fleming, 1939

“No hay lugar como el hogar” en este clásico musical de Hollywood. Todos los niños sueñan con algún día escapar de sus problemas, pero Dorothy (Judy Garland), obtiene su deseo después de que ella y su perro Toto son arrastrados por un feroz tornado a una tierra en Technicolor de monos voladores y brujas malvadas. Acompañada por un cancionero inmortal y sus nuevos amigos Scarecrow, Tin Man y Lion, Dorothy intenta abrirse camino por el camino de ladrillos amarillos hacia Emerald City, desde donde espera regresar a su ciudad natal de Kansas y con la familia a la que extraña. El nostálgico amor por el hogar fue un tema para varios de los musicales de la edad de oro de Hollywood, y Garland conjuraría un anhelo similar cinco años después cuando cantó Have Aoursours a Merry Little Christmas en Meet Me in St. Louis (1944) de Vincente Minnelli.

Peter Pan, Dir. Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske, 1953

La magnífica y animada versión de la obra de teatro clásica de J. Barrie, de Disney, es una mezcla alegre de la magia y la imaginación que los niños evocan, teñidos de la melancolía inevitable de la juventud perdida. Esta historia atemporal sobre “el niño que no crecería” presenta el tema de la inocencia perdida cuando el padre de los niños, el Sr. Darling, proclama que Wendy ha crecido y ya no debe compartir más tiempo con sus hermanos menores. Así se encuentran con Peter, con quien vuelan lejos de su hogar en Londres, para aventurarse en el País de Nunca Jamás de duendes, piratas y sirenas. Sin embargo, el deseo de Wendy de regresar es un reconocimiento de la realidad del crecimiento, incluso cuando, en la conmovedora escena final, el mismo Darling reconoce el barco pirata de Peter en las nubes, un recuerdo de sus propias aventuras pasadas y desde su olvidada infancia.

Fanny and Alexander, Dir. Ingmar Bergman, 1982

La suntuosa obra maestra biográfica de Ingmar Bergman hace que el renombrado director sueco retorne al tema de su propia infancia para una representación ricamente texturada de la vida familiar en Uppsala a finales del siglo XX. Contada a través de los jóvenes y brillantes ojos del hermano y hermana titulares, esta historia épica ve cómo su vida cambia dramáticamente cuando, después de la pérdida de su amado padre, su madre viuda se casa con un austero obispo. Esto da como resultado un alejamiento doloroso y sin alegría de la teatralidad y el esplendor suntuoso de su indulgente vida familiar hacia una casa estricta y cruel.

Cinema Paradiso, Dir. Giuseppe Tornatore, 1988

Ganando el Premio de la Academia de 1990 a la mejor película en lengua extranjera, la evocadora oda a la infancia y el cine de Giuseppe Tornatore está empapada de romance y añoranza. La gran emoción de la partitura de Ennio Morricone acompaña a Salvatore, un exitoso director, en su viaje de recuerdos y arrepentimientos cuando regresa a su hogar siciliano después de la muerte de un amigo. Allí recuerda sus primeros años de infancia, su amistad con un proyeccionista y su descubrimiento de las alegrías de la pantalla. Muy a menudo, a través de la historia cinematográfica, las maravillas de la juventud y el cine se han entrelazado estrechamente, desde El espíritu de la colmena (1973) de Victor Erice hasta Hugo (2011) de Martin Scorsese. Si bien Cinema Paradiso es demasiado tierna e ingenua para algunos, es casi irresistible para muchos más, convirtiéndose en un gran éxito a finales de los años 80 y ayudando a revitalizar la industria cinematográfica italiana.

Only Yesterday, Dir. Isao Takahata, 1991

Gran parte de la aclamada producción japonesa de Studio Ghibli aclama un mundo infantil de imaginación, generalmente con énfasis en la naturaleza y siempre con una enorme sensación de calidez y corazón. Esto es cierto en el caso de esta subestimada gema del director Isao Takahata, que cuenta la historia de una joven que decide tomar un descanso de la rutina de su oficina en la ciudad para regresar a un campo donde siempre sintió que su alma pertenecía. Mientras viaja en tren a través de un paisaje dibujado a mano magníficamente realizado, reflexiona sobre su yo de 10 años y sus recuerdos del verano y su infancia en los años sesenta. Aquí, los recuerdos de la juventud evocan no tanto la pérdida de la inocencia como la sensación de oportunidad perdida y la decepción que se produce cuando la esperanza y el potencial se desvanecen de una vida que una vez pareció interminable.

Little Women, Dir. Gillian Armstrong, 1994

Las hermanas March se preparan para la temporada navideña, con un padre ausente y falta de fondos durante la guerra civil estadounidense, mientras que Jo (Winona Ryder) recuerda sus vivencias de “ese invierno como el más frío de nuestra infancia”. Sin embargo, la película evoca un profundo sentimiento de calidez y amor familiar, al tiempo que provoca un doloroso sentimiento de pérdida a medida que las hermanas crecen y los recuerdos se vuelven lejanos con el paso de las estaciones. Los planes que una vez compartieron se transforman y cambian a través del dolor trágico, la independencia decidida y la madurez final.

Now and Then, Dir. Lesli Linka Glatter, 1995

Este drama de culto de los 90 se desestimó durante su estreno tal vez debido a la falta de interés en las historias de mujeres de mayoría de los críticos masculinos y las comparaciones frecuentes con Stand by Me (1986) de Rob Reiner. Dirigida por Lesli Linka Glatter, la película se enfoca en cuatro amigas que, ahora todas mayores y separadas, regresan a su hogar de la infancia en Indiana, invocando recuerdos del largo y caluroso verano de 1970, cuando navegaron por obstáculos tan complicados como el divorcio de los padres, la imagen corporal y las luchas con la autoestima. También hay una tierna descripción del interminable placer y la camaradería que vienen con las vacaciones escolares: desde globos de agua hasta aventuras en bicicleta.

Toy Story 3, Dir. Lee Unkrich, 2010

La tercera parte de la muy querida saga animada de Pixar (con el número cuatro programado para lanzarse en 2019), Toy Story 3 es una meditación sumamente entretenida y que afecta no solo la pérdida de la juventud sino el dolor nostálgico de lo que significa no ser más útil o querido. Al igual que el niño Peter Pan se niega a volverse viejo, los favoritos de los viejos juguetes, Buzz Lightyear y Woody, el vaquero, se niegan a aceptar su propia obsolescencia. Como su dueño Andy, ahora un adolescente y demasiado viejo para los juguetes y la imaginación, se prepara para salir de casa para comenzar una nueva vida en la universidad, los juguetes se encuentran accidentalmente descartados y atrapados en una guardería aterradora y deben encontrar un escape y un nuevo sentido de propósito.

Super 8, Dir. J.J. Abrams, 2011

La película que dio inicio a una ola de retrocesos retro de la época y el estilo de E.T. (1982) y The Goonies (1985), desde el exitoso fenómeno de Netflix, Stranger Things, hasta el remake de It, basado en la obra de Stephen King. Con su mentor Steven Spielberg produciendo, el filme de J.J. no es solo un tributo amoroso a los lazos de la infancia, sino también al medio y las texturas de la película. Esta aventura de ciencia ficción, ambientada en Ohio, en 1979, cuenta la historia de cuatro chicos geek y una niña genial, que escapan del dolor de las madres ausentes y de los embarazos de la adolescencia al hacer un cortometraje con su cámara Super 8. Mientras registran accidentalmente a un misterioso alienígena y se embarcan en una búsqueda para descubrir una conspiración.

Minding the Gap, Dir. Bing Liu, 2018

El debut de Bing Liu, nominado al Oscar, es un documental intensamente personal que comienza como una exploración de la amistad y la camaradería mientras se centra en su propio grupo de amigos de la infancia, reunidos por un amor mutuo por el skate y la necesidad de esconderse de los problemas que surgen en la ciudad privada de Rockford, Illinois. Gradualmente, se despliega en una exploración honesta, abierta y dolorosa de la masculinidad tóxica y la naturaleza cíclica del abuso doméstico. Durante un período de 12 años, Liu lanza una mirada nostálgica a un mundo de escapadas juveniles mientras examina las vidas ocultas de sus amigos. Una escena sobresaliente se produce cuando enciende la cámara en su propia vida mientras entrevista a su madre sobre su pasado traumático en un momento de conmoción y sinceridad compasiva.

Trad. EnFilme

Fuente: British Film Institute