Como un niño severamente asmático, había sólo dos lugares donde el joven Martin Scorsese podría encontrar la verdadera sensación de paz y respiro: la iglesia y el cine. Al principio, la conexión entre estos dos lugares puede parecer algo tendenciosa, pero, como ha dicho Scorsese, ambos son espacios donde las personas se reúnen para compartir una experiencia común: para el cine también es un acto ritual de fe en el que uno se rinde a sí mismo ante lo imposible. 

No es sorprendente, entonces, que tantos cineastas hayan recurrido al cristianismo como inspiración. Basándose en siglos de iconografía y arte cristiano, sus obras han hecho milagros en la pantalla humanizando a los santos de una manera que ningún otro medio podría manejar.

En su adolescencia, Scorsese planeaba entrar en el sacerdocio, pero después de un año en un seminario, su amor por las mujeres, la música y las películas lo motivaron a tomar un camino diferente. A pesar de esto, la espiritualidad siguió preocupándolo, y los temas cristianos han permeado su trabajo desde entonces.

Su más reciente película, Silence, es un buen ejemplo de ello. Un proyecto personal muy querido, cuya historia se refiere a las hazañas de dos sacerdotes jesuitas (Andrew Garfield y Adam Driver) viajando a través de un hostil Japón del siglo XVII en el que el cristianismo está fuera de la ley, con la esperanza de encontrar a su exmentor (Liam Neeson). Basada en una novela de Shusaku Endo, la película es, en palabras del crítico londinense, Alex Barrett,  “la obra más estilizada de Scorsese hasta la fecha y una de sus piezas más ricamente texturizadas aún”.

El propio Barrett retoma Silence como el pretexto ideal para examinar cómo la fe es probada, desafiada y reafirmada en 10 notables películas cristianas, muchas de ellas coinciden con nuestro Top10 de Películas piadosas.

El nacimiento, la vida y la muerte de Cristo

Dir. Alice Guy, 1906.

A pesar de que puede ser considerado como un cortometraje por los estándares de hoy, para el público de 1906 el filme de 33 minutos de duración es un efectivo recuento de la vida de Cristo que alcanza las dimensiones de una épica religiosa. Además, la obra de Guy demuestra que, incluso desde los primeros días del cine, el cristianismo ha proporcionado terreno fértil para ambiciosas proyectos. Compuesta de 25 viñetas predominantemente fijas, la película se inspiró en las ilustraciones bíblicas del artista James Tissot. Cada episodio está bellamente escenificado en profundidad mostrándose como un panel encarnado de un ciclo de frescos de la iglesia con la naturaleza pictórica de la decoración. Cada escena se presenta sin ninguna información contextual, más allá de los intertítulos que nombran los episodios. Visto hoy, la edad y la simplicidad de la película le dan un sentido genuino de gracia piadosa.

La pasión de Juana de Arco

Dir. Carl Theodor Dreyer, 1928.

[Lee aquí nuestra reseña]

Famosa por su uso sostenido de primeros planos, la película de Carl Theodor Dreyer sobre la doncella de Orleáns evita el espectáculo de la acción de las campañas militares de Juana en favor de centrarse en su juicio y ejecución. Dreyer, siempre el más humanista de los directores, presenta a su protagonista como una joven perseguida que lucha por sobrevivir contra los constantes ataques infligidos por sus torpes perseguidores. De hecho, todos los aspectos de la película -desde los penetrantes disparos hasta el estilizado diseño de conjuntos pasando por el uso del movimiento de la cámara y el encuadre- parecen conspirar contra Juana y evoca la identificación de la audiencia. Pero el uso abstracto de Dreyer de la gramática cinematográfica y la escasa decoración también trabajan para apartar el foco del mundo físico y apuntarlo hacia el interior espiritual de la mujer, traduciendo la pieza, en palabras de Dreyer, en “un himno al triunfo del alma sobre la vida”.

Ángeles con caras sucias

Dir. Michael Curtiz, 1938.

Un buen ejemplo de una película que demuestra que no todas las grandes películas cristianas se equiparan a la hagiografía cinematográfica es Angels with Dirty Faces. El filme se concentra en un grupo de jóvenes fanáticos (The Dead End Kids) que caen con un mafioso local, William 'Rocky' Sullivan (James Cagney), después de su liberación de la prisión. Como niño, el compañero de Rocky en el crimen fue Jerry Connolly (Pat O'Brien). Sin embargo, en los años que siguieron, Connolly dio la espalda a su imprudente juventud y tomó otro camino. El padre Connolly ahora espera animar a los The Dead End Kids a seguir sus pasos, pero, como él dice, es duro enseñarles la honestidad cuando las calles continuamente demuestran que la deshonestidad paga mejor. El cristianismo, entonces, se muestra aquí como la mano auxiliar dispuesta a dar a los adolescentes desamparados un camino alternativo al ofrecido por el inframundo criminal -en una época diferente, habría sido un material perfecto para Scorsese.

Francisco, juglar de Dios

Dir. Roberto Rossellini, 1950.

Una humilde película sobre el más humilde de los santos cristianos, Francesco, giullare di Dio se compone de 10 escenas desconectadas de la vida de San Francisco y sus seguidores. La estructura fue inspirada por dos textos anónimos del siglo XIV que toman el mismo enfoque: Las pequeñas flores de San Francisco (ahora atribuidas a Ugolino Brunforte) y La vida del hermano Juniper. Comenzando poco después de que Francisco haya sido autorizado a predicar por el Papa Inocencio III, el filme evita muchos de los momentos más famosos de la vida de Francisco para centrarse en episodios de luz que ilustran la alegría pura y la inocencia simplista de la primera experiencia franciscana. El alegre tono está muy lejos de la solemnidad que a menudo se encuentra en las obras cristianas, y el uso de verdaderos monjes para interpretar a los hermanos le da a la película un sentido de autenticidad, rasgo esencial en la obra neorrealista de Rossellini.

Diario de un cura rural

Dir. Robert Bresson, 1951.

Basada en una novela del mismo nombre de Georges Bernanos, la película de Robert Bresson cuenta la historia de un joven sacerdote que sirve en su primera parroquia. Un hombre enfermizo, el sacerdote lleva un estilo de vida ascético y malsano, y sus feligreses hacen poco para darle la bienvenida o consolarlo. Pero eso no le impide intentar ayudarlos, y pronto se envuelve en las vidas de un conde local y su familia. El sacerdote anota sus encuentros y hazañas en su diario, y Bresson frecuentemente nos muestra las acciones que escuchamos al sacerdote contando en su diario a través de la voz en off. Esta duplicación del sonido y de la imagen busca hacer que el mundo externo sea interno y dar a la acción una “coloración espiritual”. En otras palabras, los acontecimientos de la película se ven a través del prisma de los pensamientos internos del sacerdote, permitiendo que Bresson nos presente el funcionamiento interno de la vida del sacerdote.

Ordet/La palabra (1955)

Dir. Carl Theodor Dreyer, 1955.

Centrándose en una familia en crisis, Ordet contiene una narrativa de múltiples capas en la que cada personaje representa un enfoque contrastante hacia la fe. Allí está el viejo patriarca luterano Morten Borgen y sus tres hijos: el agnóstico Mikkel y su piadosa esposa Inger; el loco Johannes, que cree que es Jesús; y el joven Anders, locamente enamorado de la hija del líder de una secta cristiana fundamentalista. A medida que los personajes chocan y discuten, los dogmas de la religión organizada son criticados, mientras que la milagrosa conclusión de la película parece favorecer una fe más simple y natural basada tanto en el amor corporal como en la devoción espiritual. Se ha dicho que Dreyer hizo Ordet como preparación para su película no realizada sobre la vida de Jesús, con la esperanza de descubrir si podía hacer un milagro en pantalla creíble. Si esto es verdad o no, es ciertamente el caso que cada elemento en Ordet avanza hacia una magistral conclusión ya que ninguna otra película en la historia del cine ha logrado representar en pantalla un milagro tan poderoso y perfecto.

Luz de invierno

Dir. Ingmar Bergman, 1963.

[Ve aquí ‘Ingmar Bergman Makes a Movie’, documental sobre la realización de ‘Luz de invierno’]

La segunda de las tres películas, a veces etiquetadas -no oficialmente- como la “trilogía de la fe” de Bergman, recoge lo que su predecesors, Through a Glass Darkly (1961), deja de lado: con la pregunta de si Dios es amor y el amor es Dios. Específicamente, Bergman se pregunta si tal idea puede mantenerse frente al deteriorado estado del mundo representado aquí por el temor a la bomba atómica. De hecho, el torturado protagonista de la película, el pastor Tomas (Gunnar Björnstrand), le dice a un miembro de su congregación menguante que la vida sería más fácil de entender sin Dios, porque entonces no sentiríamos la necesidad de explicar el sufrimiento humano. No es el mensaje más tranquilizador que un pastor pueda ofrecer a un parroquiano necesitado, pero ¿cómo puede Tomas ayudar a otros cuando él mismo está en crisis? A través de su conclusión ambigua, el filme ilustra la necesidad de la fe ritualizada, aun cuando sugiere silenciosamente que el ritual puede estar vacío.

La última tentación de Cristo

Dir. Martin Scorsese, 1988.

[Video sobre la iconografía religiosa en el cine de Scorsese]

Sumamente controvertida tras su estreno, La última tentación de Cristo busca humanizar al hijo de Dios, evitando bellos adornos en favor del realismo arenoso. La tesis central de la película y el libro de Nikos Kazantzakis en la lista negra del Vaticano, en el que se basa, es que Jesús era divino y humano y, por tanto, propenso a las mismas tentaciones que el resto de la humanidad, incluidas las de la carne. De hecho, es precisamente porque Jesús es capaz de superar estas tentaciones que su crucifixión tiene significado: sin la tentación, no hay sacrificio. Sin embargo, muchos cristianos se ofendieron con la película, específicamente su representación de la misma tentación epónima, en la que Jesús desciende de la cruz para casarse y criar una familia. Pero, por muy contenciosa que sea, la película de Scorsese ofrece quizás la versión más humana de Jesús, pero comprometida con el celuloide, haciendo que su trabajo sea fácil de identificar con creyentes y no creyentes por igual.

Anchoress

Dir. Christopher Newby, 1993.

Una pieza de extraordinaria rareza en la historia del cine británico, la película de Chris Newby se inspira en la historia real de Christine Carpenter, una mujer del siglo XIV en la pequeña aldea de Shere, que por motivos religiosos decide voluntariamente encerrarse permanentemente en una pequeña celda, usualmente dentro de una iglesia. Ahí, una vulnerable Christine (Natalie Morse) discute la posibilidad de convertirse en anacoreta con un sacerdote hipócrita y egoísta (Christopher Eccleston) después de que ella tiene una visión de la Virgen María. La religión se alinea constantemente con el patriarcado masculino, y la opción de Christine de renunciar a la vida en la tierra aumenta ante las limitadas oportunidades que tiene una campesina del siglo XIV. Lleno de imágenes táctiles, en blanco y negro, el estilo de la película se debe más a la obra de Dreyer y Bergman que al linaje del cine británico.

Lourdes  

Dir. Jessica Hausner, 2009.

Con una excelente actuación de Sylvie Testud como Christine, una mujer con esclerosis múltiple severa, Lourdes detalla una peregrinación a la ciudad epónima, el sitio de una primavera curativa milagrosa. La líder de la peregrinación habla de querer traer un sentimiento de felicidad y alivio a los enfermos, y el viaje se presenta como una de las pocas maneras que los peregrinos solitarios y con discapacidad física o mental pueden encontrar compañía. Hausner explora la fe, la piedad, y la curación en una obra profundamente misteriosa. Es una especie de prueba de Rorschach, en la que los espectadores pueden encontrar lo que necesitan.

LFG (@luisfer_crimi)

Fuente: BFI