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10 extraordinarios filmes de 1997, según el British Film Institute
Publicado el 13 - Ene - 2017
 
 
Prepárate para sentirte viejo; estas magníficas propuestas cinematográficas celebran su 20º aniversario este año. - ENFILME.COM
 
 
 

La película insignia de 1997 fue Titanic de James Cameron, un gigantesca producción que rompió todos los récords de taquilla y sigue siendo una de las tres películas que han ganado el récord de 11 premios Oscar, incluyendo Mejor película y Mejor director. Pero más allá de la grandeza de este blockbuster, 1997 fue un periodo de ‘boom’ artístico para ciertas regiones de Asia, especialmente en Japón e Irán.

Esto fue señalado a los occidentales cuando el máximo premio en el Festival de Cine de Venecia se le otorgó a Hana-bi de Takeshi Kitano, mientras que la Palma de Oro de Cannes fue compartida por El sabor de las cerezas (del cineasta iraní, Abbas Kiarostami) y La anguila (del realizador japonés, Shohei Imamura). El año fantástico para el cine japonés se extendió a la animación, cuando aparecieron dos piezas de la animación contemporánea: Perfect Blue de Satoshi Kon y Princesa Mononoke de Hayao Miyazaki.

Geoff Andrew , Nikki Baughan , Sophie Brown , Ashley Clark , Ann Lee , Jasper Sharp , Lou Thomas y  Samuel Wigley, todos ellos colaboradores del British Film Institute, se dieron a la tarea de elegir las 10 películas más representativas de 1997.

Aquí te presentamos la selección:

 

Boogie Nights

Dir. Paul Thomas Anderson, Estados Unidos, 1997.

El segundo largometraje de Paul Thomas Anderson, después de Hard Eight, lo marcó como uno de los cineastas más importantes de finales de la década y que posteriormente elaboraría obras maestras modernas que incluyen Magnolia (1999), Punch-Drunk Love (2002), There Will Be Blood 2007) y The Master (2012). Extendiendo su corto de 1988, The Dirk Diggler Story, Anderson moldeó a Mark Wahlberg como el joven protagonista de ojos anchos e impresionantemente dotado que se embarca en una carrera en el porno en los años setenta y ochenta. Wahlberg da una actuación excepcional y entusiasta, y es acompañado por un elenco estelar, incluyendo a Julianne Moore, Heather Graham, John C. Reilly y Burt Reynolds. Entre la comedia y el drama, Boogie Nights explota tanto la evolución de la mentalidad californiana, que todavía se aferra desesperadamente a los últimos vestigios del amor libre de los años 60 y los altos y bajos del individuo y sus ambiciones.

 

Cure

Dir. Kiyoshi Kurosawa, Japón, 1997.

Cure puede ser considerada la película que realmente marcó la llegada del nuevo cine japonés, anticipando el auge del J-horror que se catapultó con Ringu (1998). Este fascinante y perturbador thriller psicológico se centra en el policía Takabe, quien investiga unos extraños asesinatos. Las víctimas aparecen con una herida de arma blanca en forma de "x" y los culpables son personas totalmente normales sin ningún motivo para haber cometido el asesinato. Takabe empieza a sospechar que algo está influenciando a la gente para matar. Cure es un profundo estudio de personaje así como una reinvención del género; la relación entre Tanabe y su esposa mentalmente enferma añaden una corriente melancólica a la atmósfera global del pesimismo que se vivía a finales de siglo.

 

Happy Together

Dir. Wong Kar-wai, Hong Kong, 1997.

Wong Kar-wai normalmente prefiere comunicar el amor y el deseo a través de las miradas de anhelo, pero Happy Together es por mucho su película más apasionada. La relación entre dos hombres chinos, que se lastiman, se aman, se reúnen y se separan cuando viajan por Argentina, es cruda y salvaje. El problema con Lai Yiu-fai (Tony Leung) y Ho Po-wing (Leslie Cheung) es que son irremediablemente adictos el uno al otro. La película inicia con una escena de sexo entre ellos - dos de las mayores estrellas masculinas en el cine de Hong Kong en ese momento, en un país donde la homosexualidad sólo fue despenalizado en 1991. Una metáfora para representar la entrega de Hong Kong a China, que tuvo lugar el año en que fue lanzado; Happy Together es también un desgarrador retrato de amor y soledad.

 

The Ice Storm

Dir. Ang Lee, Estados Unidos/Francia, 1997.

En 1973, con el telón de fondo del escándalo de Watergate y de la guerra de Vietnam, la mirada incesante del director taiwanés Ang Lee sobre la vida suburbana deconstruye a la clase media estadounidense y sus mitos sociales que se desmoronan en un efecto devastador. No sólo el país está en agitación, sino que la gente ha sido cortada a la deriva también: están desesperadamente tratando de adormecer el dolor con rituales gobernados por el alcohol y el sexo. Durante el fin de semana de Acción de Gracias, nos encontramos con dos familias disfuncionales que viven en Connecticut. Ben Hood (Kevin Kline) está teniendo un romance con su vecina, Janey Carver (Sigourney Weaver), mientras que su precoz hija adolescente, Wendy (Christina Ricci), está ocupada coqueteando con los hijos de Janey, Mikey (Elijah Wood) y Sandy (Adam Hann-Byrd). Mientras que los padres navegan su camino a través de la crisis de la mitad de la vida, sus hijos se enfrentan con la angustia adolescente, pero, en este drama bellamente sombrío sobre el crecimiento, todo el mundo parece emocionalmente congelado y desconectado unos de otros.

 

L.A. Confidential

Dir. Curtis Hanson, Estados Unidos, 1997.

La atractiva apertura del filme –ambientado en Los Ángeles a principios de los años cincuenta– es narrada por Sid Hudgens (Danny DeVito), quien edita la revista Hush-Hush y soborna a un policía llamado Jack Vincennes (Kevin Spacey) para conocer las detenciones de las celebridades; Jack es fotografiado con sus víctimas desafortunadas y es famoso por ser el hombre que atrapó al actor estadounidense, Robert Mitchum, por fumar marihuana. Esta adaptación cinematográfica de la novela de James Ellroy es un thriller sórdido que muestra la ola de corrupción y miseria moral de la ciudad de Los Ángeles: la violencia entre bandas criminales, la brutalidad policial, el racismo, el escándalo sexual, los encubrimientos, las traiciones, los mafiosos, las drogas, las prostitutas y una que otra estrella de cine forman parte de este complejo mosaico urbano donde tres representantes de la ley muy diferentes: el cínico y corrupto Jack Vincennes; el policía honesto Ed Exley (Pearce); y Bud White (Crowe), el brazo fuerte y agresivo de la ley, se ven envueltos en una intriga criminal. El filme contrasta los enfoques para proceder con la justicia de cada uno de los protagonistas y evidencia sus volátiles psicopatologías. Como el nexo emocional está Lynn Bracken (Kim Basinger), una atractiva rubia atrapada en una red de deseos masculinos. En última instancia, Hollywood es sólo una pieza de este complejo cosmos llamado Los Ángeles.

 

Lost Highway

Dir. David Lynch, Estados Unidos, 1997.

En estos días, Mulholland Drive (2001) es ampliamente considerada como la obra maestra de David Lynch. Es una de las dos películas del siglo XXI que han ingresado a los 50 primeros de la encuesta de Greatest Films of All Time de Sight & Sound. Pero cuatro años antes de su indeleble odisea de Hollywood, Lynch confeccionó otra brillante pesadilla: Lost Highway, un amenazante relato sobre la identidad equivocada, la vigilancia siniestra y la obsesión sexual. Fred Madison (Bill Pullman), un músico de jazz que vive con su esposa Renee (Patricia Arquette), recibe unas misteriosas cintas de video en las que aparece una grabación de él con su mujer dentro de su propia casa. Poco después, durante una fiesta, un misterioso hombre (Robert Blake) le dice que está precisamente en su casa en ese instante. Las sospechas de que algo raro está pasando se tornan terroríficas cuando ve la siguiente cinta de video.

 

Nil by Mouth

Dir. Gary Oldman, Reino Unido, 1997.

Una familia que habita en uno de los barrios más desfavorecidos de Londres, vive sustentada por el impulso y el aguante de sus mujeres; Valeria, su madre Janet, su abuela Kath y la pequeña Michelle viven azotadas por los golpes de la vida. A pesar de que Gary Oldman no había vivido en Gran Bretaña durante muchos años, cuando hizo su debut como director con Nil by Mouth demostró ser una revelación en términos de la autenticidad absoluta de su representación de ciertos aspectos de los británicos (y más específicamente del sureste de Londres y la vida de la clase trabajadora). Eso no quiere decir, por supuesto, que la violencia doméstica, las drogas, la embriaguez y la delincuencia infantil sean la norma para todos; simplemente para enfatizar que la familia extensa y los amigos que aquí se ven (maravillosamente desempeñados por todos los involucrados), cuyas vidas son moldeadas y arruinadas por esos factores, son completamente creíbles en términos de sus acciones y actitudes tanto entre sí como con el mundo que los rodea.

 

Taste of Cherry

Dir. Abbas Kiarostami, Irán, 1997.

Un hombre de mediana edad decide suicidarse. Su única preocupación es encontrar a alguien que le ayude y se comprometa a enterrarlo. Esta situación le permite conocer a una gran variedad de personajes. El sabor de las cerezas es una obra de intrigantes ambigüedades, compasión silenciosa y belleza austera en la que Kiarostami explora uno de sus temas predilectos: la relación preocupante pero inexorablemente simbiótica entre la vida y la muerte. En términos formales, la película es a la vez radical y encantadora; dramáticamente, a pesar de sus elipsis narrativas, repeticiones y rimas, es sorprendente y absorbente. Y como cine filosófico, sigue siendo, a pesar de su sutileza y modestia, un magnífico logro del cine contemporáneo.

 

Under the Skin

Dir. Carine Adler, Reino Unido, 1997.

Con la muerte repentina de su madre, Iris (Samantha Morton) ingresa a las espirales de una manía desordenada. Disgustada por la domesticidad de su hermana y celosa de una preferencia materna sospechada, se enfurece. El dolor de Iris es crudo y canalizado en una energía sexual frenética. Envuelta en el gran abrigo de piel y peluca de su madre, ella busca a los hombres para borrar su dolor, pero su descenso en las fantasías sexuales obsesivas la arrastran al peligro. La crisis de la protagonista se representa con la intoxicación sensorial de la banda sonora, y se despliega con los ángulos inclinados, la luz blanqueada y la estética de los años setenta. Inspirado en el libro Mother, Madonna, Whore de Estela V. Welldon, y financiada por una iniciativa de BFI para alentar a los cineastas, Under the Skin es una exploración del dolor y la sexualidad femenina violenta que raramente se ve en el cine, con el cuerpo femenino como campo de batalla para la autodestrucción.

 

La vie de Jésus

Dir. Bruno Dumont, Francia, 1997.

Las granjas grises del lejano norte de Francia han inspirado algunos de los filmes más desalentadores y terminantes de la historia del cine, desde Diario de un sacerdote rural de Robert Bresson (1951) hasta L'Enfance (1968) de Maurice Pialat. Con su debut en 1997, La Vie de Jésus, Bruno Dumont anunció su llegada como heredero de esa tradición con una representación directa del aburrimiento de un grupo de muchachos, entre ellos Freddy, un epiléptico, que crece en el pequeño pueblo de Bailleul, donde el propio Dumont nació. Esta inquietante y sombría, pero a menudo extrañamente hermosa película, también tiene algún parentesco con un debut en Estados Unidos del mismo año, Gummo de Harmony Korine, en su atrevida atención al físico de los personajes: los rostros, los defectos y las anomalías. Bloqueados en una vida sin promesa, los protagonistas de Dumont se complacen en el racismo, la intimidación y el acoso sexual para pasar las horas, lo que lleva a la tragedia cuando la novia de Freddy cambia sus afectos hacia un guapo muchacho árabe. Controversial por sus escenas de sexo animal en los campos y por ese provocativo título cristiano, la película de Dumont ahora parece una fuente de inspiración del reciente realismo británico, desde Fish Tank (2009) hasta The Goob (2014).

 

LFG (@luisfer_crimi)

Fuente: British Film Institute

 
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