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10 películas de terror visualmente impresionantes
Publicado el 30 - Oct - 2019
 
 
Con mucha frecuencia, el horror tiene una mala reputación como hogar de asesinatos de adolescentes sin sentido. - ENFILME.COM
 
 
 

Con mucha frecuencia, el horror tiene una mala reputación como hogar de asesinatos de adolescentes sin sentido y sustos que te hacen saltar. A veces puede ser muy divertido, pero el horror también ha sido el hogar de algunas de las películas más bellas e innovadoras de la historia del medio. El horror, en principio, abraza lo extraño, ofreciendo espacio para que los cineastas puedan disfrutar de sus ideas más salvajes. Luego está la cuestión del presupuesto, el horror es tradicionalmente un género de bajo presupuesto, y cuando los costos son bajos, la libertad es alta. Un patrón que surge sin importar el presupuesto, estas películas tienden a ser producto de la visión y la ambición. No son los productos de las tomas de efectivo de estudio o las previsiones internacionales, son las películas hechas con pasión por un equipo creativo inspirado. Y, por supuesto, todas son hermosas.

La película de terror visualmente impresionante tiene una orgullosa tradición, que se remonta a la primera en el género y ha perdurado en la memoria desde entonces, ofreciendo cada año al menos un par de nuevas e interesantes adiciones. No es que hacer películas de terror sea fácil: hacer películas nunca es fácil, pero encontrar el lugar donde se unen la belleza estética, el arte emocional y el miedo primario es una hazaña espectacular. Y se puede lograr de muchas maneras. Algunas películas de terror son impresionantes por los efectos de la criatura y el trabajo de maquillaje. Algunos cuentan con vestimenta elaborada o diseño artístico. Extrañamente, muchos de ellos son películas de vampiros. A menudo son producto de una cinematografía y un encuadre excepcionales, y todos ellos son producto de cineastas dotados con una visión decisiva.

Debería ser evidente, pero esto no está cerca de una lista completa. Piense en esto como un punto de partida, un comienzo de conversación.

 

 

Suspiria

Dir. Darío Argento, 1977.

Suspiria de DarÍo Argento es posiblemente la película de terror "visualmente impresionante" más icónica y discutida jamás realizada. Probablemente sabías que iba a estar en esta lista incluso antes de hacer clic en el título. Famosa por su paleta de colores primarios, un logro sorprendente del gran director de fotografía Luciano Tovoli, Suspiria adoptó la estética radical y experimental para articular un mundo de fantasía expresionista que se desliza a través de las grietas de la lógica para convertirse en un violento sueño febril de cuento de hadas. Y Argento dijo que todo fue creado prácticamente, en el marco, no se permiten ajustes de postproducción. Valió la pena el trabajo duro. Suspiria perdura como una obra maestra hipnotizante y un ejemplo de las hazañas cinematográficas que se pueden lograr cuando un cineasta brillante abraza la audacia y estimula a sus colaboradores a hacer lo mismo. Ya se trate de escenografía, el icónico puntaje de rock progresivo o la innovadora cinematografía de Tovoli, Suspiria es una película provocativa y sensual en todo momento.

 

The Love Witch

Dir. Anna Biller, 2016.

Anna Biller pasó siete años y medio perfeccionando The Love Witch, adoptando un enfoque práctico en casi todos los elementos de la película, desde el vestuario hasta el diseño del escenario y, por supuesto, la dirección. El resultado es una película de aspecto impecable que es el producto de una visión única y singular. Goteando con un toque vintage y arraigado en el poder de la seducción femenina (sin mencionar el prodigioso catálogo de referencias cinematográficas de Biller), The Love Witch evoca todo el encanto, prodigando imágenes de fantasía sexual y belleza tradicional antes de pincharlas con una cuchilla afilada y ferozmente feminista. La película está meticulosamente diseñada, desde la decoración de la carta del tarot hasta el movimiento del delineador de ojos de nuestra heroína, para crear tanto la perfección estética como la resonancia temática, en resumen, para construir un mundo cinematográfico como ningún otro. Biller no solo tuvo éxito, ella creó una película que realmente lanza un hechizo; una experiencia visual sofisticada y estéticamente rica que es imposible sacudir cuando termina.

 

The Neon Demon

Dir. Nicolas Winding Refn, 2016.

Nicholas Winding Refn tiene una habilidad especial para hacer películas que irritan al público y The Neon Demon es uno de sus esfuerzos más divisivos hasta el momento. Ubicado en el devorador mundo de la alta moda de Hollywood, The Neon Demon es opulento y espectacular, pero también es sucio y abrasivo, como escuchar el clic de tu estilete Loubitons en una pista antes de tropezar y caer de bruces en un motel cubierto de orina donde sueños van a morir. Ya sea que se trate de canibalismo, necrofilia o el asalto regular a los sentidos con luces brillantes y parpadeantes y una locura teñida de neón, Refn apenas deja que el público se meta antes de pisar el acelerador en su salvaje viaje a través de las trampas de Tinseltown.

 

The Shinning

Dir. Stanley Kubrick, 1980.

Si hay alguien que sabía cómo hacer una buena película, es Stanley Kubrick. Famoso por su ojo obsesivo y su dominio compulsivo de las tareas, y venerado por las alturas cinematográficas que produjeron, Kubrick sacó del canon de Stephen King la novela The Shining y reelaboró ​​por completo el material. Meticuloso en todos los aspectos, desde las dimensiones desafiantes de la lógica del hotel (un gran logro del director de arte Roy Walker) hasta su simetría característica y tomas en perspectiva de un punto, Kubrick creó una obra maestra visual con The Shining. Piensa en toda la iconografía creada por una sola película: está el atractivo geométrico y reglamentado de la alfombra roja y naranja, el laberinto de topiario, las gemelas, y luego están los momentos impactantes y viscerales; Jack Nicholson cortando una puerta, un elevador de sangre brotando hacia la cámara, la mueca congelada de Jack Torrence. Sumergiéndose en un género por el que no tenía un gran amor, Kubrick creó una de las mejores películas de terror de todos los tiempos y creó un retrato visual de la locura y el terror tan consumado, que solo necesita mirar unos pocos cuadros para sentir la inquietud.

The Cell

Dir. Tarsem Singh, 2000.

Como cineasta, Tarsem Singh ha operado en gran medida en el reino de la fantasía, los cuentos de hadas y las leyendas, pero es el reino de los sueños lo que más le conviene. Con su alucinante thriller de terror The Cell, Tarsem se concentró en las imágenes espectaculares y la construcción extravagante del mundo, y la lógica resbaladiza del sueño sirvió bien a sus indulgencias estilísticas, cubriendo la multitud de los pecados narrativos que han plagado gran parte de su otro trabajo. . Cada elemento de diseño clave tiene una calificación de hasta 11; el impresionante trabajo de vestuario de Eiko Ishioka (quien también trajo su florecer operístico al Drácula de Bram Stoker) tiende a tomar el centro del escenario, pero la dirección de arte, el diseño de producción y el trabajo de maquillaje son fenomenales por derecho propio. Tarsem apila The Cell con vertiginosas imágenes en cada escena, y alimentado por el motor de la todopoderosa actuación de Vincent D'Onofrio, The Cell es una película realmente escalofriante. A veces se convierte más en una experiencia que en una historia, pero la experiencia es tan estimulante y envolvente, y la apreciación por el arte y el arte es tan alta que te olvidas de pensar.

 

The Gabinet of Dr. Caligari

Dir. Robert Wiene, 1920.

Un gabinete y un temporizador de bellas pesadillas cinematográficas, The Cabinet of Dr. Caligari es una película que cambia el juego y prepara el escenario irregular para todas las demás películas de esta lista. Saliendo de la convención de que la cámara tenía la intención de capturar el realismo, la película de 1920 de Robert Weine se ha convertido en un testimonio del impacto de lo macabro El estado de ánimo y el diseño que quedan de la película se ven tan ingeniosos y singulares como lo hicieron hace casi un siglo. El filme presenta un mundo en blanco y negro de bordes sobresalientes y paisajes con dientes de sierra, un prisma visual a través del cual podemos vislumbrar las mentes de los locos y asesinos. Espeluznante y poco ortodoxo, la película sentó las pistas para el surgimiento de películas como Nosferatu, Häxan y The Golem, pero a pesar de que los efectos de Caligari se pueden ver en toda la extensión del horror, nunca ha habido otra película que capturara un paisaje inclinado, un mundo construido a partir de ángulos sesgados donde los hombres caminan dormidos a través del caos.

Alien

Dir. Ridley Scott, 1979.

Ridley Scott hace hermosas películas. Incluso sus películas más desconcertantes o rimbombantes son un espectáculo para la vista. Pero Alien es un ejercicio de perfección cinematográfica pura de principio a fin, y si bien eso incluye el desempeño icónico de Sigourney Weaver como Ellen Ripley, el guión ajustado, el ritmo experto y la tensión de montaje lento. Y eso es increíble por derecho propio. Scott y su equipo de producción diseñaron una nave espacial que es tan cinematográfica como atemporal, un laberinto de pasillos y cámaras que fotografían bellamente al mismo tiempo que incorporan ambientes ricos y variados; ya se trate de habitaciones blancas y limpias, los muelles de trabajo mugrientos y húmedos o los tramos exteriores del espacio del que no hay escapatoria. Al trabajar con miniaturas enmarcadas y efectos hechos a mano, Alien pinta una imagen aterradora de viajes intergalácticos desde los confines góticos de Acheron hasta los terrores estériles y de alta tecnología dentro del propio Nostromo. Y luego está el asunto de los horribles diseños biomecánicos de H.R.Giger, que han resistido la prueba del tiempo como una de las creaciones de criaturas más bellamente perturbadoras jamás inventadas. Puede que Alien no sea llamativo, pero eso no significa que sea nada menos que un logro visual hermoso e innovador.

Nosferatu, The Vampyre

Dir. Werner Herzog, 1979.

Nosferatu y el vampírico Conde Orlok se convirtieron en íconos por derecho propio, algo nacido del ADN de Drácula pero separado de él. Cuando Herzog reprochó el material unos cincuenta años después, fue con una reverencia por la película de Murnau y los derechos de autor de la obra original de Stoker. Una vez más, se convierte en algo nacido del ADN de ambos, pero exquisito por derecho propio. Gracias al don de Herzog por capturar la peligrosa belleza de la naturaleza y el trabajo confiablemente resplandeciente de su frecuente colaborador cinematográfico Jörg Schmidt-Reitwein, cada latido del cuento clásico se representa con el máximo arte visual, y Herzog trabaja con su mejor demonio Klaus Kinski para reinventar el mística de Drácula en una criatura pálida y patética cuya presencia física domina la pantalla.

 

Blood and Black Lace

Dir. Mario Bava, 1964.

El gran Mario Bava dirige cada cuadro de Blood and Black Lace como si fuera una pintura al óleo en una exhibición de arte de alta gama. Captura la luz, la sombra, el color y el encuadre con un ojo tan experto, cada momento parece que salió de un marco ornamentado. Como sugiere el título, también es bastante violento, una de las mejores piezas de la producción de películas de Giallo, deleitándose con la paleta de tecnicolor, las piezas de asesinato y la intriga del género. Como resultado, Blood and Black Lace es a la vez espeluznante y encantador, jugando con ingenio y elementos de choque en un solo golpe. Momentos de terror están saturados de sangre, maniquíes espeluznantes persisten en el marco bañado en luz roja. Pero el arma secreta detrás de la belleza de Blood and Black Lace es la puesta en escena de Bava, con la que encontró una manera de abrazar todas las cualidades más bellas y brutales de la película con disparos de seguimiento agresivos y zooms, dando a la película una vida dimensional más allá de lo brillante colores y haciendo un reloj impresionante.

Let The Right One In

Dir. Tomas Alfredson, 2008.

Tomas Alfredson no se considera un cineasta de terror, pero con su primera aventura en el género creó un trabajo impresionante y magistral que se convirtió en un clásico de terror inmediato. Tras Buffy the Vampire Slayer, The Vampire Diaries, Twilight y una ola general de vampiros adolescentes que duró décadas, Let the Right One In sacudió todo con un drama vampírico muy serio y profundamente emocional. También resulta ser completamente hermosa. Nevado y tenue, la película parece brillar con vida interna, una obra notable que puso al cinematógrafo Hoyte Van Hoytema en el mapa para el público internacional mucho antes de convertirse en el nuevo hombre de Christopher Nolan. Alfredson enmarca sus momentos de violencia con la misma reverencia que le da a su personaje, dando a toda la película una profundidad de belleza consistente que es engañosamente simple. Del mismo modo, Alfredson y Hoytema capturan a los monstruos ocultos en las sombras de la vida cotidiana tan fácilmente como la violencia de su vampiro, tratándolos tanto de hecho como de alguna manera espectacular. Rico, texturizado y comprometido con un lenguaje visual simple, Let the Right In extrae belleza de lo horrible y horror fuera de lo común.

Trad. EnFilme

Fuente: Collider

 
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