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13 consejos de Dan Mirvish para dirigir a actores famosos en un filme de bajo presupuesto
Publicado el 26 - Nov - 2013
 
 
Después de una intensa gira por festivales y las buenas críticas recibidas por Between Us, el cineasta y escritor estadounidense Dan Mirvish sugiere 13 pasos para dirigir a actores famosos en una película de bajo presupuesto - ENFILME.COM
 
 
 

Revisa aquí más consejos y reglas de directores de cine

Después de una intensa gira por festivales y buenas críticas recibidas por Between Us (2012), el cineasta y escritor estadounidense Dan Mirvish -conocido por ser el cofundador del Festival de Cine de Slamdance y cocreador de la broma Martin Eisenstadt durante la elección presidencial de 2008- sugiere 13 pasos para dirigir a actores famosos en una película de bajo presupuesto. La idea nació a partir de los comentarios positivos por parte del elenco actoral conformado por Julia Stiles, Taye Diggs, Melissa George, y David Harbour. Harbour en particular ganó el premio como Mejor Actor en el Woods Hole Film Fest 2013 por su interepretación en Between Us, una película realizada con bajo presupuesto y adaptada de la obra de teatro homónima del dramaturgo Joe Hortua.

A continuación los consejos de Mirvish:

1.- Elije bien: Cuando me estaba preparando para filmar mi primera película, Omaha (la película), tuve la suerte de que dos grandes directores me asesorarán: Harold Ramis y Robert Altman. Ramis estaba terminando de rodar Groundhog Day (1993) y me aconsejo escribir estas dos reglas: #1 “contrata a Bill Murray” y #2 “enciende la cámara”. Le dije, espera, ¿eso es todo? Sí, me dijo. (Cuando vi Lost in Translation (2003) entendí lo que quería decir)

De igual manera, Altman se convirtió en una especie de mentor para mí, reiterando su famosos consejo de que el 90% de la dirección radica en el casting. En cuanto al otro 10 % me tocaba averiguarlo a mi. Ya he escrito extensamente sobre cómo conseguir que actores rentables hagan casting para una película con micropresupuesto, pero la pregunta es ¿qué puedes hacer mientras los contratas y enciendes la cámara?

2.-Ensaya: Ya sea que estés preparando un blockbuster de $200 millones de dólares o una epopeya de $100 millones de doláres en un iPhone, sería buena idea que ensayes con tus actores -especialmente si se trata de una película en la que pesan los diálogos. Esto suena obvio, pero rara vez sucede, no importa cuál sea el presupuesto .

De hecho, la Screen Actors Guild (SAG) dice que tienes que pagarle a los actores por ensayar. Por supuesto, esto solo es verdad si le dices"ensayos" a una llamada formal en la que requieres que los actores se presenten. Si te refieres a los ensayos como “encuentros” o “largos almuerzos” en los que le dices a cada actor “eres fantástico. No necesitas estar ahí … pero creo que el resto del elenco está llegando”, creeme, se presentarán.

Para Between Us, fue más o menos lo que les dijimos a los actores y a sus representantes. Es una obra en conjunto

Entre nosotros , esto es prácticamente lo que le dijimos a todos nuestros actores y sus representantes. Es una pieza teatral sobre dos parejas gritando y tirandose cosas el uno al otro, y las cuatro partes son esencialmente iguales en número de líneas y profundidad de personajes. Si consigues actores serios que están haciendo la película por que quieren ser parte de una propuesta independiente en lugar de una película de una bien pagada película de un estudio no hay forma en que estos actores quieran saltarse los ensayos, a menos que quieran ser opacados en el set por el trabajo de los otros tres actores. Es una cuestión de orgullo, ego y disciplina. Engañamos a los agentes y les dijimos que necesitábamos dos semanas de ensayo. En realidad, pensé que tal vez ocuparíamos una semana más. ¡Por supuesto, los cuatro se presentaron en mi cocina para ensayar dos semanas antes del rodaje  (¿Por qué mi cocina ? Porque mi garage era nuestra oficina de producción y estaba atiborrada con nuestro equipo).

3.- Utilice los ensayos sabiamente: Es obvio que los ensayos son una buena idea, pero en realidad, una película no es como una obra de teatro. Los actores no tienen que memorizarse más de una o dos páginas a la vez, y siempre hay oportunidad de ensayar las líneas en el set o durante el maquillaje. Y si ensayas antes de tiempo, tendrías tres semanas de ventaja antes de que realmente se filmen algunas de las escenas. Dependiendo de la película, puedes preferir la espontaneidad sobre actuaciones obsoletas que podrían sonar dictadas. Así que ¿por qué molestarse con ensayos anticipados – especialmente si estás comenzando con grandes actores?

Para Between Us, resultó una gran idea: Principalmente conseguir a unos actores- que estaban interpretando a viejos amigos- que consiguieran entenderse. Todos llegaron al material con diferentes formaciones y estilos de actuación, y el periodo de ensayo ayudó a suavizar esas diferencias y dar a los diálogos un ritmo consistente y acompasado. David Harbour había desarrollado el personaje de Joel siete años antes cuando Between Us fue una exitosa obra en el Manhattan Theatre Club (gracias a esa actuación fue llamado a la nueva puesta en escena en Broadway de Who’s Afraid of Virginia Woolf, por la que fue nominado al premio Tony).

El dramaturgo Joe Hortua y yo habíamos adaptado el guión de su obra, pero la mayor parte de los diálogos se quedaron. David conocía a su personaje - y la mayoría de sus líneas- por dentro y por fuera. Pero hicimos cambios sutiles en el personaje, los diálogos y la estructura, y por supuesto los estilos de actuación debían ser ajustados del teatro a la pantalla grande. El reto para los otros actores era mantenerse al día a la par de David, mientras que él adaptó su experiencia del teatro al cine.

4.- Diálogos superpuestos: Para todos los actores, parte del reto fue lograr que se acostumbrarán a la superposición de diálogos –algo censurable para la forma tradicional de filmar en los estudios de cine y la televisión. La obra había sido construida en su totalidad de superposiciones, y mi propio estilo (influenciado por Altman) también favoreció la superposición de diálogos. Sabía que en el set cada actor llevaría su micrófono de solapa para sus seguimientos individuales (además de un micrófono de brazo con boom para reforzar el sonido). Ya había hecho esto en mi anterior película el musical sobre bienes raíces, Open House (2004) (que estaba conformado de un equipo más grande…que tenía que cantar en vivo). Así que sabía que en una película de bajo presupuesto esto debía de funcionar y era el camino a seguir.

Como Altman me dijo una vez, ¿por qué confiar en el miembro de menor salario del crew - el chico del micrófono- para tomar decisiones artísticas sobre lo que vamos a escuchar? "Yo soy el artista", me dijo sin rodeos. Esas decisiones se toman mejor por el director en la postproducción. La otra gran ventaja es que consigues actuaciones más naturales y te evitas hacer Automatic Dialog Replacement (ADR), y como tus actores no saben cuando los estás grabando – pues tienden a permanecer en el personaje más tiempo- podrías conseguir grandes diálogos antes y después de las tomas. Si tienes un guión específico como el nuestro o un mumblecore film, los diálogos superpuestos son el camino a seguir.

5 . ¿Cuál es mi motivación?: Cuando se trata de trabajar con los actores debes tener en cuenta que no existen las preguntas tontas, pero habrá otras que requieran más tiempo. Todos los actores - y especialmente los buenos, algunas veces- tendrán un sinfín de preguntas sobre sus personajes, las motivaciones y sus argumentos. Y eso está bien. Ellos  darán mejores actuaciones si se sienten confiados en sus decisiones. El problema es que en una película de bajo presupuesto (o en una serie de televisión) en la que estás intentando filmar nueve o diez páginas al día, simplemente no tienes tiempo para responder a esas preguntas en el set. Los ensayo previos te ahorran tiempo, en esos lapsos tienes la paciencia para hablar sobre el significado de una palabra, o el color favorito del personaje durante horas y horas. Puede que no importe la objetividad de las respuestas pero sí que has demostrado respeto a las preguntas de los actores para discutir esos temas y que has escuchado sus preocupaciones. Cuando finalmente vas a grabar y la pregunta surge de nuevo, simplemente puedes decir “lo hablamos en los ensayos -¿no te acuerdas?”

6.-Confía en tu guionista: Soy un gran creyente en los supervisores del guión. Si lo piensas bien, el 98 % del crew está ahí para hacer que la película se vea y se escuche bien. Pero solo el director y el supervisor del guión se centran específicamente en la parte  editorial de la cinematografía. Cuando llegó el momento de los ensayos, sabía que era necesaria la presencia de nuestro continuista, Shannon Volkenant, con lápiz en la mano. Si se presentaba algún cambio sutil en el diálogo –que era inevitable que no sucediera- Shannon obedientemente las escribía. Justo antes de terminar los ensayos se preparaba la versión final del guión para todos. Un buen guionista es más que un buen taquigrafista obediente. Ella o él es también el aliado más leal del director. Shannon recordaba cada una de las discusiones y los matices de los ensayos y el elenco confiaba en ella tanto como yo lo hice para recordar todo.

7.- Fomente la "Química” entre su elenco: Tuvimos la suerte conseguir un acuerdo con el hotel Redbury -una nueva boutique y hotel en Hollywood- para hospedar a todos nuestros actores. Querían convertirla en el nuevo Chateau Marmont, y les aseguramos que al menos una celebridad se suicidaría si las cosas no salían bien. Por desgracia para ellos, las cosas salieron mejor de lo que pensabamos. A los actores les encantó el hotel, y terminamos filmando dos terceras partes de la película allí. Así, la primera semana ensayamos en mi cocina mientras nos pasabamos al Redbury para trabajar en lo que sería nuestro set final. Lo bueno fue que los intérpretes se reunían por su cuenta para ensayar sus líneas en el hotel lo que generaba una mejor química entre ellos (unos más que otros).

8.- Actúe como si se tratara de una producción de gran presupuesto: El hecho de que usted no esté pagando a sus actores más de $ 100 dólares por día, no significa que no debe exigirle lo mismo que le piden a los actores cuando trabajan para un gran estudio. Lo bueno de trabajar con actores famosos es que en realidad puedes obtener una gran cantidad de servicios (incluyendo automoviles) gratis para ellos si sabes a quién pedirselo. Utiliza su estatus de celebridad para tu beneficio y todo será más feliz.

Es axiomático pensar que los actores no comen carbohidratos, y de hecho casi nunca comen. Así que no necesitas comida extravagante, pero sí que sea agradable. Por ejemplo mi esposa compró fruta y la preparaba todos los días para ellos (para los ensayos y en cestas de regalo), teníamos incluso un “chef para los ensayos” que cocinaba almuerzos ligeros. Pienso que en total gastamos $100 dólares en total para la comida de los ensayos, pero valió la pena cada centavo invertido. Durante la producción no tengo ni idea que comían los actores. Ellos desaparecían a la hora del almuerzo y regresaban felíces, así que mejor no preguntaba.

No necesitas un camerino para cada actor, pero sí es importante que cada uno tenga su propio espacio para relajarse y ordenar sus pensamientos. Esa fue otra de las ventajas de filmar en el hotel pues a la hora que los intérpretes sentían que debían descansar se retiraban  a sus habitaciones. También ayudó que una de las cláusulas del contrato estipulaba que todos los actores tendrían el mismo trato en todos los aspectos.

Tus maquillistas y peinadores deben ser profesionales y estar actualizados en el área, es una parte de tu equipo con el que el elenco pasa el mayor tiempo del rodaje. Tuvimos una mala experiencia en el segundo día de la producción cuando una de las maquillistas pego de manera incorrecta una de las pestañas de nuestras actrices, todo termino en lágrimas (al menos los conductos lagrimales no fueron pegados). Después de eso se hicieron los cambios de personal adecuados y todo fluyó bien. Las ventajas de tener a dos actrices nominadas al Globo de Oro en una película es que puedes conseguir a un director de documentales nominado al Oscar grabando el detrás de cámaras.

9.- Escenas en bloque en el set: En el nivel más básico, la dirección es simplemente decirle a tus actores dónde pararse e indicarle a tu cinematógrafo donde poner la cámara. Pero en una película independiente -con tiempo limitado, presupuesto y locaciones- eres un afortunado si tienes control sobre todas estos elementos.

No importa lo mucho que ensayes, tus actores querrán filmar todas las escenas, en un mismo bloque cuando llegues al set.  No hay nada que pueda sustituir una escena real, con la iluminación real, utilería, vestuario y cámaras.  Es casi inútil tratar de simular una bloqueo durante los ensayos. Me tomó unos pocos (a veces rocosos) días resolver esto, pero en última instancia, nos acomodamos a un buen ritmo. Ejecutamos las escenas un par de veces, descubriendo el bloqueo, después trajimos al asistente de cámara y al equipo de sonido para marcar y tomar enfoque de las medidas.

Este proceso no es tan diferente, me imagino, que en el cine de gran presupuesto. Las diferencias son más sutiles. En una película de estudio, tienes más tiempo y el personal capacitado para mover las luces y las cámaras para cada configuración dentro de la escena. Además, si estás pagandole mucho dinero a tus actores estarán más disponibles de pararse donde les indiques. En una película independiente, el bloqueo es más un trabajo en equipo que una dictadura. No se trata de una forma de arte colaborativo para nada.

Trabajando en estrecha colaboración con Nancy Schreiberg, mi directora de fotografía, descubrimos, antes de que los actores se presentarán en el set, cuales eran los lugares seguros en los que los intérpretes podían ensayar sin que se necesitará una iluminación masiva que después tuviera que integrarse a la escena. Nuestras locaciones principales fueron una casa grande (con muchas ventanas) y un apartamento pequeño (sin ventanas) –las dos representaban un desafío. Una vez que los actores se presentaron, fue cuestión de delimitar el espacio en líneas generales, pero permitiendóles que ellos se amoldarán al lugar con sus propios movimientos y gestos. más hasta ellos. Los actores y el departamento de producción se sentían parte del proceso creativo, y si todos estaban felices, yo sabía que tendría las actuaciones y las tomas que necesitaba.

10.-Usa tomas múltiples mientras filmas: La ventaja de usar actores de renombre -y especialmente después de ensayar ellos- es que tienden a ser muy buenos en lo que hacen: no se han hecho famosos si no fueran buenos actores. Conocen sus líneas, te dan grandes actuaciones, toman bien la dirección, y alcanzan sus metas. Yo estaba más que satisfecho con nuestra primera o segunda toma en cada configuración. Nancy y su equipo de primera clase (incluidos muchos de sus estudiantes del AFI ) clavaron la cámara y enfocaron los movimientos todo el tiempo. Y con cinco pistas únicas de sonido que se ejecutan en cada toma, no tuve que preocuparme por los problemas de sonido

Sin embargo los actores, por naturaleza quieren probar diferentes matices de su trabajo, incluso si tu como director estás satisfecho con la escena no significa que ellos lo estarán. En nuestro caso, sabía que los cambios de iluminación nos estaban tomando mucho tiempo, pero los cambios de cámara no. Estabamos filmando con dos cámaras todo el tiempo (REDs), por lo general una en un dolly y otra fija.

Así que en realidad más que una tercera toma, Nancy y yo hacíamos cambios sútiles en la cámara: un movimiento de dolly ligero, un zoom in o un cambio de enfoque, etc; solo teníamos un minuto o dos para hacer el cambio, pero eso nos dio más opciones a la hora de editar. La toma 1 y 2 en la cámara A podrían haber sido los primeros planos, pero la toma 3 y 4 podrían haber sido dos tomas. Mientras tanto, nuestra cámara B podía filmar las reacciones de un actor en la primera toma y otra en las siguientes. Así que después de cuatro o cinco tomas, sin ajustar tanto las luces pudimos tener una cobertura completa de una escena con una variedad de actuaciones para elegir.

11.- Tenga fe en la edición: Es bueno tener una idea general de cómo se va a editar la película antes de empezar a filmar . ¿Vas a tener tomas largas con un ritmo "europeo"? Asegurate de conseguir las actuaciones que quieres en el set por que después será muy difícil que las puedas modificar más adelante. ¿O prefieres un estilo jump -cut? Entonces obten la variedad que necesitas tanto de los actores como de los angulos de la cámara -incluso si eso significa hacer cambios intencionales de continuidad.

12 .-Que decirle a los actores: Cuando estudiaba en la escuela de cine de la USC, nos enseñaron cada paso ténico de la cinematografía pero aprender como dirgir actores era más dificil de lograr. Una vez, Robert Zemeckis acudió a mi escuela a dar una conferencia. Él ya había trabajado con Meryl Streep en Death Becomes Her (1992) y estaba emocionado por contarnos su secreto en la dirección. Nos preparamos para tomar notas. Él dijo: "Cuando quise que Meryl estuviera feliz, yo le decía, Meryl, se feliz, ella se volvía feliz, y cuando quería que        Meryl estuviera triste, yo decía, Meryl, ponte triste, ella lo hacía”. Nos quedamos impresionados. Sin embargo, dos años más tarde, Zemeckis ganó el Oscar como mejor director, por lo que tal vez estaba en lo cierto.

¿Qué decir a los actores entre toma y toma? Todos responden de distinta manera diferente a los ajustes en las escenas. Con algunos en particular, me fui con algunas variaciones como "excelente" y "super". Si una escena me gustaba mucho exclamaba "super - duper " (Melissa George y Julia Stiles hablan de eso en el video que puedes ver abajo). Con otros era necesario hablar más de la historia de fondo y recordar esas preguntas de los ensayos. Algunos pidieron más tomas, incluso cuando no eran necesarios, y otros se rehusaron a hacerlas.

13.- Métodos de acuerdo a sus locuras: Cada actor tiene un proceso creativo distinto. Con Between Us, eso era muy evidente. Tuvimos un actor que era tan “método” que él (o ella) se escondía en un rincón y no salía hasta que escuchaba la palabra acción y posteriormente entraba en personaje. Otros actores fueron menos rígidos y más joviales con el crew, hablaban con los demás y después se transformaban. Uno de los intérpretes llegaba feliz al rodaje, se comportaba contento y despreocupado ante la cámara por lo que yo pensaba que era, en efecto, feliz. Un año más tarde me enteré que su vida personal estaba en un momento turbulento durante la grabación de la película. Esos dos actores eran probablemente los que trabajaban más con un método.

Lo más importante es crear las mejores condiciones para que el reparto y el equipo den lo mejor de si, y tener la confianza de que va a suceder, puede que eso sea ese 10% del que Robert Altman hablaba.

 VSM (@SofiaSanmarin)

Fuente: FILMMAKER

 
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