14 escenas famosas que quizá no sabías que no fueron planeadas - ENFILME.COM
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14 escenas famosas que quizá no sabías que no fueron planeadas
Publicado el 24 - Dic - 2015
 
 
Hay momentos en los que la planificación es superada por los momentos espontáneos durante la filmación. - ENFILME.COM
 
 
 

Hacer una película es una sinfonía que implica a un gran número de personas, y un montón de planificación. Pero hay momentos en los que la planificación es superada por los momentos espontáneos que se producen durante la producción de una película. A veces las cosas son repensadas en el día, y los acontecimientos aleatorios ocurren de vez en cuando una vez que la cámara está en movimiento.

Abajo te compartimos una lista de 14 momentos en los que el guión se vio superado por la espontaneidad.

1. Raiders of the Lost Ark (1981, Steven Spielberg)


Raiders of the Lost Ark ofrece un ejemplo de espontaneidad en el que se reimagina una escena: la secuencia en la que Indiana Jones es incitado a tener una pelea con espadas con un villano menor.

A pesar de que hay una serie de duelos similares uno a uno en la película, la razón de que ésta se cambiara fue, presuntamente, que Harrison Ford no podía realizar las acrobacias debido a una condición estomacal. En cambio, la escena fue reescrita para que el villano hiciera una exhibición de su habilidad con la espada, para que Jones sacara un revólver y le disparara.

2. Taxi Driver (1975, Martin Scorsese)

El guionista de esta película, Paul Schrader, tiene mucho que decir sobre el diálogo, tenía la idea de que un guión debía tener un pequeño número de buenas líneas, un menor número de grandes líneas, y un número aún menor de líneas inolvidables. Si le preguntas a cualquiera que cite una frase de Taxi Driver, es probable que todos digan las mismas 4 líneas: "¿Me estás hablando a mí?"

El guión de esta secuencia simplemente decía “Travis habla consigo mismo en el espejo”, dándole tiempo a De Niro en la etapa de ensayo para armar su propio monólogo. Este es el producto de una extensa serie de improvisaciones en el ensayo; De Niro tuvo una serie de desayunos de ensayo con Jodie Foster, ensayos donde pasaba días y días diciendo cosas sin sentido.

3. 3 Women (1977)

Robert Altman es una de las principales figuras en una especie de escuela de "caos cinematográfico": reúne a una amplia gama de creativos y artistas y les daba espacio para ser libres. Un ejemplo de esto es su onírica 3 Women, filmada en gran medida en secuencia. 

Este plan de rodaje le permitió al personaje de Shelley Duvall entrar en un coche en una de las primeras escenas, atrapar su vestido con la puerta mientras la cerraba, e irse manejando. Un miembro del equipo sugirió que la escena se volviera a filmar, pero en su lugar, Altman insistió en que el personaje de Duvall realizara la misma acción cada vez que se metía en un coche por  el resto de la película.

Aquí tenemos eventos aleatorios que contribuyen a la construcción de un personaje: Duvall rara vez deja de hablar durante sus escenas, ella es una parlanchina, pero también descuidada, un punto que se hizo visualmente claro en cómo atrapa su vestido en la puerta del coche cada vez que conduce a alguna parte. Este elemento del personaje no estaba planeado.

4. Apocalypse Now (1979, Francis Ford Coppola)

Apocalypse Now comienza apuntando la cámara hacia su personaje principal en medio de una borrachera. Y Martin Sheen no está tomando té frío o jugo de manzana, en lugar de ello, estamos viendo a un hombre verdaderamente borracho, que terminó en el famoso golpe al espejo de Sheen que le cortó la mano. Y, posteriormente,  vemos a una figura borracha y ensangrentada pasar por un ataque de llanto.

Esta secuencia fue una apuesta arriesgada en particular. Hay una responsabilidad encima de Sheen para hacer que esta escena valiera la pena por sí misma, sin ninguno de los efectos de pirotecnia o grandiosidad presentes en otras escenas de la película: es simplemente un hombre en una habitación de hotel.

5. The Last Temptation of Christ (1988, Martin Scorsese)

Después de que el presupuesto se redujo a la mitad, todo el rodaje de The Last Temptation of Christ tuvo que lidiar con un torbellino de eventos sin planificar. Durante el dramático clímax de la película donde Jesús reencuentra su divinidad, sucedió algo que nadie esperaba: En el momento de la muerte y la salvación de Cristo, la imagen comienza a quemarse, y una breve serie de colores centelleantes se mueven por la pantalla, antes de volverse blanca. Nadie supo de esto hasta que la película se reveló y desconocen la causa detrás del incidente.

6. Punch-Drunk Love (2002, P.T. Anderson)

En una escena de la fiesta, le preguntan al personaje de Sandler cómo está la cena, él contesta “muy comida” (pretty food). Esto no es un error del personaje, sino del guionista. Anderson escribió la palabra "comida" por error, pero en lugar de simplemente corregirlo,  decidió dejarlo allí, y alterar la escena misma. (Un guiño rápido a Neil Gaiman y el error ortográfico en el nombre 'Caroline' para encontrar al personaje de su novela 'Coraline').

Si eso no fuera suficiente, también hay una escena extendida con Sandler en el teléfono con una trabajadora sexual; cuando se sienta hay una sacudida violenta, éste fue el operador de cámara al chocar con una mesa. No hay llamada a corte y Anderson opta por dejarla en el producto final.

7. The French Connection (1971, William Friedkin)

The French Connection es un texto clave aquí, ya que cuenta con una de las secuencias de coche que simplemente no se ven más. Aunque la ruta que tomaron para la persecución del auto a un tren elevado estaba planeada, las calles no estaban controladas con el rigor de la actualidad, resultando en una persona ajena a la filmación cruzándose en una toma y chocando directamente con el coche de Popeye Doyle.

8. Speedy (1928, Ted Wilde)

Durante una persecución a gran velocidad en un carro tirado por caballos hacia el final de la película, el carro golpea en un puente, lanzando a Lloyd fuera del vehículo, lo que provocó que tuvieran que improvisar una nueva rueda para reemplazar la rota. Se añadió la escena de la rueda a la película después de que Lloyd se estrelló accidentalmente durante la persecución. Lloyd sabía que era mejor conservar la grabación e incorporar el accidente en la narrativa.

9. The Elephant Man (1980, David Lynch)

En la primera película de estudio de David Lynch, el personaje de Anthony Hopkins se encuentra con John Merrick en silencio, y la cámara sigue lentamente su rostro. David Lynch nunca previó la lágrima que cae del ojo de Anthony Hopkins justo cuando la cámara se detiene. Estos son los momentos de magia, y ponen de relieve algo que cada cineasta está tratando de alcanzar, los momentos en los que la calidad emocional de su trabajo alcanza a todos a su alrededor.

10. Five Easy Pieces (1974, Bob Rafelson)

Hacia el final de Five Easy Pieces, Jack Nicholson y Bob Rafelson tuvieron un desacuerdo acerca de cómo presentar el monólogo de Nicholson con su padre moribundo. Rafelson pensó que el personaje de Nicholson debí quebrarse, pero a Nicholson no le gustaba en absoluto, y quiso llevarlo a otro lugar.

Al final, mientras se grababa la escena con las cámaras rodando, Nicholson empiezó a llorar. Es ligero al principio, pero luego Nicholson dice las palabras "No sé qué decir" y todo se vuelve mucho más doloroso para él. Es casi como si estuvieras viendo tanto al personaje como al actor tratando de reprimirlo. Es un momento de gran alcance, y sucedió en contra todo lo que Nicholson tenía en mente cuando entró en la escena, lo que plantea un punto interesante. A veces, se entra en una escena sabiendo muy bien lo que estás esperando, y sin embargo algo puede interferir y cambiarlo todo.

11. Barton Fink (1991, Joel Coen)

En Barton Fink, al final de la película, Fink conoce a una dama misteriosa en la playa. Tienen una conversación "¿qué hay en la caja?" llena de ambigüedad y largas miradas significativas. A lo largo de la película, Fink ve la imagen de una mujer en la playa, mirando al mar, y se está preguntando si es la misma mujer. Inevitablemente, ella toma esa pose familiar de la pintura, cuando de repente una gaviota vuela en la parte superior del marco haciendo círculos, y luego se sumerge bajo el agua. Es una completa coincidencia, pero termina por convertirse en el punto final que termina toda la película, de una manera similar a lo que ocurrió con La Última Tentación de Cristo.

12. Roar (1981, Noel Marshall)

La película experimenta una especie de renacimiento en el momento, y los trailers de la película proclamar que ningún animal fue dañado en su filmación (lo que puede no ser cierto), mientras que 70 miembros del reparto y personal resultaron heridos. La suerte es que no hubo muertos, y al ver la película, es asombroso de que este fuera el caso.

En la secuencia del ataque del tigre, lo que pasa es que te ves emocionado como seres humanos reales luchan dentro y fuera del agua con los tigres reales. La sangre que se ve en la pantalla es real, tanto de los seres humanos como de los felinos. Simplemente no había manera de organizar de manera segura esta película. Incluso el rodaje del más inofensivo de los animales resultaría difícil; filmar cientos de grandes felinos, mezclados con la gente, está más cera del caos total.

13. Under the Skin (2013, Jonathan Glazer)

En Under the Skin Scarlett, Johansson comparte el encuadre con un número de personas ajenas a la filmación en diferentes puntos: miembros ordinarios del público que no tienen idea de que se está rodando una película a su alrededor. En las escenas en la camioneta donde recoge a una serie de hombres.

La ejecución aquí es fascinante. Lo que tenemos es una serie de tramas cerradas: las cámaras y micrófonos están ocultos en la camioneta que el personaje anónimo de Johansson maneja, y Johansson está en control exclusivo de lo que sucede en este marco. Sus compañeros de acción no tienen idea de que son parte de una película, por lo que es responsabilidad de Johansson tomar el control de esa escena y dirigir a sus pasajeros ella misma. Es un movimiento arriesgado y audaz.

14. Rosemary’s Baby (1968, Roman Polanski)

Se puede introducir el caos en un cuadro al no compartir información clave con el actor. En Rosemary’s Baby, Mia Farrow está en el teléfono como Rosemary, hablando con un actor cuyo repentino ataque de ceguera le costó el protagónico en una obra, que le fue dado a su marido, Guy. Lo que quiere saber es si Guy tomó un objeto personal del actor, y por lo tanto podría estar involucrado en un aquelarre. Sin el conocimiento de Farrow, la voz al otro lado de la línea es Tony Curtis, un amigo personal cercano a ella.

Polanski ocultó este pedazo de información de la actriz porque quería que ella luchara con esta confusión sobre la voz de la persona en el otro extremo del teléfono mientras la cámara estaba rodando. Polanski creyó que de esta forma, ella estaría perturbada durante la filmación, creando un ambiente de ambigua de confusión.

En otra escena de la película, Rosemary debe cruzar una concurrida calle de Nueva York con el tráfico en sentido contrario moviéndose a su alrededor. Realmente es Mia Farrow caminando en una calle concurrida, sin ningún tipo de planificación. Para consolarla, le dijeron a Farrow "No te preocupes, nadie va a golpear a una mujer embarazada."

 

CRM (@carociwa)

Fuente: Taste of Cinema

 
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