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5 filmes que juegan con los formatos, proponemos EnFilme y eyelet
Publicado el 26 - Nov - 2019
 
 
Las características propias del cine le permiten usar herramientas, formas y lenguajes diversos en su modo de expresión. - ENFILME.COM
 
 
 

5 filmes que rompen los paradigmas tradicionales, proponemos EnfFilme y eyelet

5 filmes de arte sobre arte, proponemos EnFilme y eyelet

EnFilme y eyelet te permitirán ver los filmes que andas buscando

Las características propias del cine le permiten usar herramientas, formas y lenguajes diversos en su modo de expresión. Que el cine convencional tenga acostumbrado a que un elevado porcentaje del público siempre espere que las películas se vean y se sientan de forma similar, no quiere decir que no haya autores de cine que gusten de jugar, experimentar o expandir las fronteras habituales con las que se presenta formalmente un filme; es decir, los colores, el tamaño de la pantalla, la estética, el propio armado. Siempre en sintonía con el discurso del director. 

eyelet y EnFilme les proponemos cinco destacados filmes que en su momento, por breve espacio de tiempo estuvieron dentro de la cartelera en los cines de México y de otros países de Latinoamérica, pero que desde entonces ha sido casi imposible poder volver a verlos, y mucho menos con el nivel de calidad que aquí les ofrecemos.

 A los lectores de EnFilme, les ofrecemos que puedan ver dos de estos formidables filmes de manera gratuita, dándose de alta en eyelet utilizando el código: enfilme

 

Ida (Dir. Pawel Pawlikowski, 2012)

La narrativa del Ida es hilvanada con hilos de plata. Desde los primeros planos se evidencia la intención de Pawlikowski por escribir poesía, fina y al mismo tiempo honda. Las secuencias (cada una con su propio desenvolvimiento dramático, con planteamiento, desarrollo y conclusión), parecen sucederse con la misma gracia y levedad con que cae la nieve, en diversos planos retratados con exquisitez y abrumadora belleza. “Parece haber escrito el guión con la cámara”, llegó a comentar la productora del filme, debido a la fluidez con que se filmó cada secuencia. El resultado es notable.,, El trabajo de Lukasz Zal fue prodigioso. Bordó imágenes que ya son icónicas, con la expresividad que la historia exigía, aunque al mismo tiempo siendo sugestivas y líricas; en ocasiones recurriendo al alto contraste, en otras permitiendo que la luz tomara prevalencia sobre las sombras; casi nunca moviendo la cámara. Un hermoso lienzo monocromático con encuadres peculiares, cargando generalmente a los personajes hacia un costado del cuadro y permitiendo abundante aire en su parte superior (como enfatizando lo lejano que a los humanos les queda el cielo), dentro de un formato 4:3, el académico (cuadrado, a la antigua) -que por desgracia casi no se usa ya hoy en día-, para “apretar más a los involucrados en su interrelación”, según confesó el propio director. El recubrimiento formal, visualmente soberbio, en buena medida gracias a su austeridad, resultó ser el marco perfecto para un relato cuya complejidad estructural y temática exigía simpleza y la capacidad para fluir, llevando al espectador tersamente en el viaje.

Alfonso Flores-Durón y M.

Aquí puedes leer el resto de nuestra reseña Ida

 

 

Jauja (Dir. Lisandro Alonso, 2014)

El punto de arranque de Jauja son unas líneas sobre la leyenda de Jauja, una tierra mitológica de abundancia y felicidad, de la que se cree ninguna persona logró regresar. La historia se sitúa durante el periodo colonizador de la Pampa de finales del siglo XIX. En esa zona del desierto de la Patagonia, Gunnar Dinesen, un ingeniero militar danés (Viggo Mortensen), comanda un grupo de soldados que debe enfrentar a una tribu indígena, llamados por ellos "Cabeza de Coco". En su viaje se hace acompañar por su bella hija adolescente, Ingeborg (Viilbjørk Malling Agger)… En Jauja la estética visual es una de las protagonistas, con paisajes bucólicos y un realismo casi documental que devienen en atmósfera poética y onírica; una construcción existencial sobre la fragilidad del ser humano ante lo desconocido.

Verónica Sánchez

Aquí puedes leer el resto de nuestra minicrítica Jauja

 

Mommy (Dir. Xavier Dolan, 2014)

Si Dolan filma con recursos persuasivos y narrativos muy tradicionales y de ejecución limpia y sencilla –encuadres donde no se pierde detalle de la gestualidad de los personajes enfocados al centro, escenarios incrustados lo mismo en pantalla reducida que amplificada, dominio de la luz natural, los matices de luz mortecina, colores pastel mezclados con escenarios underground–, es porque en este filme ha depurado un estilo que viene ensayando desde sus inicios, y cuenta una historia de resquebrajamiento individual, mientras desarrolla un homenaje fílmico a sus aficiones, gustos y obras dilectas, en este caso musicales: a la cultura pop, la música y videos de MTV con los que creció y que de alguna manera moldearon su sensibilidad.

Sofía Ochoa

Aquí puedes leer el resto de nuestra minicrítica Mommy

 

Manifesto (Dir. Julian Rosefeldt, 2015)

Manifesto comenzó como una videoinstalación conformada por 13 pantallas en un espacio cerrado, cada una proyectando un cortometraje distinto de 10 minutos, en los que Blanchett recita discursos y frases tomadas de varios textos fundamentales para la comprensión del arte del siglo XX reinterpretándolos en el caótico panorama de la postmodernidad. El trabajo de montaje de los muchos autores y textos citados (en los créditos finales pueden apreciarse alrededor de 60 referencias) podría hacer que el filme parezca meramente un ejercicio intelectual.  Sin embargo, Rosefeldt elige dos de los medios y expresiones más “artísticos” para la sensibilidad contemporánea: el museo y la exhibición cinematográfica. Juntos, sirven para hacer una representación narrativa del trabajo conceptual de los textos, transformando los manifiestos críticos en un manifiesto de exhibición.

Luis Fernando Galván

Aquí puedes leer el resto de nuestra minicrítica Manifesto

 

 

El abrazo de la serpiente (Dir. Ciro Guerra, 2015)

El abrazo de la serpiente es, hasta ahora, el intento mejor logrado de mostrar la cosmovisión de un grupo indígena en el cine. Para su tercer largometraje, el autor, el colombiano, Ciro Guerra (Los viajes del viento, 2009), tomó como inspiración los diarios de dos exploradores, uno alemán, Theodor Koch-Grunberg, el otro estadounidense, Richard Evans Schultes, que visitaron la selva amazónica con 40 años de distancia entre sí. El filme es un viaje al interior de este mundo, un acercamiento hacia la cosmovisión indígena desde un asumido punto de vista occidental, y provoca un cuestionamiento intrínseco a la manera blanca, capitalista, colonialista, de ver el mundo. En el filme, las expediciones se traslapan, se hacen eco, conviven entre sí, dando cuenta de una concepción distinta a la linealidad con la que en occidente se cuentan las historias. Estos viajes en el tiempo evocan una narrativa que integra recuerdos, sueños, aprendizajes, novedades, viejas concepciones, nuevos retos. En ambas experiencias, los exploradores se encuentran en una situación desesperada de búsqueda.

Sofía Ochoa

Aquí puedes leer el resto de nuestra minicrítica El abrazo de la serpiente

 
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