Del 7 al 20 de noviembre en el Distrito Federal.

Para esta edición, la venta de boletos iniciará el 31 de octubre. Se contará con un sistema de preventa que permitirá adquirir tickets para cualquier película, sin importar fecha ni función.

Como cada año, EnFilme publica una guía para la Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional, con minicríticas y calificación (sobre cinco) para cada uno de los títulos que integran la selección. Recomendamos que veas todas las películas que puedas, pero si tienes que elegir, te ayudará nuestra lista de imperdibles.

Relatos Salvajes

Dir. Damián Szifrón (Argentina, 2014)

★★★★

Escucha el soundtrack de Relatos salvajes

Este filme compila pequeñas historias que juntas retratan un espíritu de frustración, deseos de justicia a través de la venganza, de gente oprimida por la burocracia, la hipocresía y una cotidianidad absurda. Fue producida por la productora de Pedro Almodóvar y su hermano Agustín, El Deseo; fue estrenada en la Selección Oficial del Festival de Cannes y sin duda conectará con un amplio público sobre todo urbano, a través de la sátira, el humor negro, y –claro– la verdad que la sustenta.

SOR (@SofOchoa)

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Aquí puedes ver la entrevista que le realizamos al director argentino, Damián Szifrón.

Adiós al lenguaje

Dir. Jean-Luc Godard, (Adieu au langage, Francia / Suiza, 2014)

★★★★

Adiós al lenguaje: Un affaire filosófico en pelotas con perro

El año pasado, Jean-Luc Godard incursionó en 3x3D, un proyecto vanguardista que recurrió al empleo de la tecnología 3d para su realización. En el fragmento que dirigió, Les trois désastres, el cineasta deconstruyó la relación del cine con la perspectiva en una rápida sucesión de imágenes, sonidos y referencias históricas que colapsaron para formar un collage estimulante intelectual y visceralmente. Ahora, Adiós al lenguaje es, de algún modo, variación y continuidad de aquel. Godard emplea desplazamientos sonoros, piezas de música clásica, material de archivo, discursos fragmentarios, referencias a la historia, el cine y la filosofía, alusiones literarias y provocaciones retóricas para experimentar con uno de los atributos del 3D: la profundidad. Más allá de un perro que, mientras recorre calles y bosques, observa el encuentro, enamoramiento, discusiones y peleas de un hombre y una mujer, el filme es una exploración de la imagen. La perspectiva pictórica, el color y la luz de la pintura impresionista, las agresivas tonalidades que cubren todo el cuadro (en este caso, la pantalla) fauvista, la representación de las naturalezas muertas, son elementos de la pintura trasladados al cine que, con su capacidad de manipular el tiempo y el movimiento, analiza la imagen desde los ojos, con el uso exclusivo de la mirada, despidiendo al lenguaje. Además de los efectos estereoscópicos convencionales, los experimentos de Godard radican en colocar imágenes totalmente diferentes en cada ojo, resultando en una serie de superposiciones incómodas y sorpresivas.

LFG (@luisfer_crimi)

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Conducta (2014) *Imperdible

Dir. Ernesto Daranas (Cuba, 2014)

★★★★

Inspirada en la visión no lastimera de una infancia más que difícil de Los 400 golpes (Francois Truffaut, 1959), Conducta analiza la importancia de la educación a través de un niño en Cuba que desconoce a su padre, y cuida a su madre drogadicta y alcohólica. Aunque no tiene mucho de dónde agarrarse, Chala posee una fuerza interna cuya profesora del colegio reconoce y lucha por defender a pesar de que las condiciones externas, la burocracia, los edificios derruidos, la pobreza y de que toda La Habana vieja –o casi– parezca estar en su contra. Esta historia de narrativa tradicional sobre la importancia de la defensa de los valores morales es más revolucionaria en su sencillez y honestidad que muchos filmes que buscan la etiqueta sin sustento. Es Conducta un hermoso filme que debe ser visto y apreciado por el público mexicano.

SOR (@SofOchoa)

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Ve aquí nuestra entrevista con el director, Ernesto Daranas.

Cenizas del pasado 

Dir. Jeremy Saulnier (Blue Ruin, 2013)

★★★★

Dwight (Macon Blair), un solitario y barbudo vagabundo, camina en una comunidad rural de Virginia en busca de comida para regresar en las noches y dormir en el automóvil que le pertenecía a sus padres, un Pontiac azul, viejo y desgastado (de ahí el título original del filme; una “ruina azul” que sirve como casa móvil del protagonista). El hombre se las arregla para sobrevivir, pero muestra serias dificultades para interactuar con otras personas. Cuando una policía amablemente le informa que el asesino de sus padres saldrá de la cárcel, Dwight se alista para ir a buscarlo; le coloca la batería al auto, llena el tanque de gasolina, infla las llantas del vehículo, compra un mapa, adquiere un arma y se traslada a la cárcel donde el hombre, responsable de sus traumas del pasado, será puesto en libertad. Cenizas del pasado (Blue Ruin, 2013), es un thriller de venganza dirigido por el joven cinefotógrafo estadounidense, Jeremy Saulnier (Murder Party, 2007), que opta por la cautela y la paciencia para llevar al espectador de la mano en esta historia que cuenta con esporádicas escenas de brutal violencia. Hábilmente construido –cada uno de los planos es elegido con precisión y los encuadres están siempre al servicio de la narración– el filme muestra la devastación de la psique humana a causa del uso de armas de fuego, ya sea en masacres a gran escala o en enfrentamientos personales. Dwight no sabe manejar un arma y cada vez se mete en más problemas reflejando la agonía de ejecutar un acto de venganza o llevar a cabo la autodefensa. La capacidad actoral de Macon Blair es tan amplia que permite ver a su personaje como depredador y presa; como desalmado y torpe asesino amateur. Gran parte de la tensión del filme se desprende de las desordenadas acciones y riesgos no calculados del protagonista que auguran una catástrofe con tintes de tragedia griega.

LFG (@luisfer_crimi)

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Leviathan *Imperdible

Dir. Andréi Zviáguintsev (Rusia, 2014)

★★★★★

Leviathan se centra en una familia de la Rusia contemporánea a la que le expropian su casa y un terreno, por decisión del alcohólico alcalde (Romano Madyanov) en turno, que busca favorecer a un grupo de empresarios que quieren construir en la zona un edificio de lujo. Cuando Nikolai (Aleksey Serebryakov), dueño de la propiedad decide recurrir a otras instancias de gobierno, descubre nada más que obstáculos. La burocracia entera está aliada en su corrupción. El alcalde con el juez, éste con el departamento de policía e incluso el sacerdote de la iglesia ortodoxa que lidera la zona, conforman un grupo que barre hacia afuera los problemas ajenos. Kolya ha contratado a un amigo suyo, abogado que lo defiende, pero nada puede contra el muro de hierro de influencias de los burócratas, frustrando finalmente las batallas del defensor de esta familia desilusionada e impotente ante la corruptela laberíntica de su país.

Leviathan es un doloroso retrato de una sociedad manejada por políticos sin escrúpulos para enriquecerse a costa de los ciudadanos. Kolya ahoga sus penas en el alcohol igual que lo hace el resto de su familia; pero cuando su mujer desaparece el efecto se triplica. A los jóvenes les quedan pocos divertimentos más allá de reunirse en las ruinas de una iglesia a beber cada mediodía, tarde o noche. Los esqueletos calcinados de antiguas embarcaciones llenan las marismas de la zona donde vive Kolya. Zvyagintsev dota de belleza a ese paisaje desolado, de pocas esperanzas para un patriarca caído en desgracia, como el Job biblíco que poco es despojado de sus preciadas propiedades terrenales. Atrapado en las garras del Leviatán representado en la Tierra por el sistema político podrido de su país.  

VSM (@SofiaSanmarin)

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Dos días, una noche *Imperdible

Dir. Jean-Pierre Dardenne y LucDardenne (Deux jours, une nuit, 2014)

★★★★★

Desde finales de los setenta, los hermanos Dardenne han realizado documentales y filmes de ficción vinculados al realismo social. Si bien es cierto que en muchos de ellos se han retratado a los sectores más pobres y marginados, en Dos días, una noche (2014), Sandra –la protagonista interpretada por Marion Cotillard– es una mujer perteneciente a la clase media que vive en compañía de su esposo (Fabrizio Rongione) y sus dos hijos. La joven madre, que a penas se recupera de un ataque de depresión clínica, tiene deseos de volver a su trabajo, sin embargo una votación –donde sus16 compañeros deben elegir entre un bono de mil euros o la permanencia de Sandra– la convierte en desempleada. Ante la posibilidad de una nueva votación, y la insistencia de su esposo y una amiga, la protagonista busca –durante un fin de semana– convencer a sus compañeros para que elijan su permanencia. Con una cámara en mano que acompaña en sus recorridos por la ciudad a la frágil protagonista (no sólo por su complexión delgada, sino por su actitud temerosa e insegura), los hermanos Dardenne crean una historia sencilla, sin ningún artificio, capaz de poner en dilema a los espectadores. ¿Hasta qué punto la necesidad o la ambición de tener más nos orilla al egoísmo e indiferencia ante los demás? Cada encuentro con sus compañeros de trabajo es una tensa disyuntiva ética donde cada uno expone sus necesidades y motivaciones para justificar la decisión que tomará. El filme es una destacada representación de la condición humana cuando las personas se encuentran al borde de una decisión que se balancea entre la compasión y el interés propio. Y también, es un comentario crítico sobre el miedo y la violencia que una empresa puede infligir a sus trabajadores y cómo la dislocación económica tiene que ser absorbida por la vergüenza personal y el vacío.

LFG (@luisfer_crimi)

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Güeros 

Dir. Alonso Ruizpalacios (México, 2014)

Aún no ha sido calificada

Rodada en blanco y negro y en formato 4:3, Güeros (2014), el primer largometraje de Alonso Ruiz Palacios es un filme irreverente, una oda a la monotonía y a la vagancia, y a la falta de dirección en la vida de los jóvenes, aquellos que como Bartebly, el escribiente (1853) de la novela de Herman Melville “prefieren no hacer nada”. El mayor hallazgo de la película de Ruiz Palacios es que ante todo, no se toma en serio, ubicado desde un sentido del juego y la diversión, de la despreocupación. Sombra (Tenoch Huerta) y Santos (Leonardo Ortizgris), son dos amigos universitarios que viven en la más absoluta inactividad, mientras tiene lugar la huelga estudiantil de la UNAM en 1999. Encerrados en un departamento desordenado y sucio, sin luz, los dos amigos gastan sus días fumando cigarros y marihuana, bebiendo alcohol y robándoles la energía eléctrica a sus vecinos cuando estos salen a trabajar. Ante el arribo de su hermano menor, Tomás (Sebastián Aguirre), el Sombra justifica su actual estilo de vida y el de su camarada como "huelga de la huelga de estudiantes”. Cuando Tomás –un nini y un bribón enviado por su madre del interior de la república al Distrito Federal como forma de castigo después de una travesura‑ se entera por las noticias de un periódico citadino que su ídolo musical de la infancia, una estrella rock de los sesenta llamado Epigmenio Cruz, acaba de ser internado en un hospital y con altas probabilidades de fallecer, insiste al Sombra y al Santos en buscar a la idolatrada y enigmática figura también admirada por su padre. El arrebato emocional del adolescente se vuelve el catalizador para que Sombra y Santos decidan salir de su estaticidad  y abandonen el edificio donde han estado acuartelados. Comienza entonces unaroad movie a través de las calles de la Ciudad de México para dar con el paradero de la leyenda musical que ya ha abandonado el hospital, una noche larga con reminiscencias al viaje de los protagonistas de Los caifanes (1966) de Juan Ibáñez, en medio de disparates y ocurrencias, persecuciones, pandillaje ‑como que les caiga encima un ladrillo, karma de un acto previo-, vagabundeo en grupo, uno al que se une Ana (Ilse Salas), una chica DJ de una radio pirata, vocera del movimiento estudiantil, y el amor del Sombra.

Los protagonistas de Güeros, son antihéroes de clase media baja que se mueven bajo sus propias reglas, despojados de todo intelectualismo. La narrativa de la película tiene cortes bruscos, elipsis, planos secuencias, primeros planos, juegos sonoros, que le dan a su aparente aletargamiento vertiginosidad y frescura. En Güeros, la decepción y la sorpresa son solo anécdotas más; aunque la película sea triste y realista, se toma desde la ironía, más que del patetismo.  

VSM (@SofiaSanmarin)

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Ida *Imperdible

Dir. Pawel Pawlikowski (Polonia, 2013)

★★★★★

Hace años, en el 2000, vi Last Resort en Londres, un pequeño y emotivo filme sobre una mujer rusa que viajaba con su hijo a Inglaterra para encontrarse con su novio, pero nunca lo hallaba. Su director, Pawel Pawlikowski, polaco residente en el Reino Unido, comentaba que nutrió de muchas experiencias que tuvo como inmigrante a una película que era melancólica y cruda, pero que también tenía fulgores de esperanza. 13 años después (dos filmes más en el inter) se presenta en el London Film Festival con la que bien podría ser la mejor película del festejo cinematográfico: Ida, uno de esos filmes que consagran carreras. En un afilado y puro blanco y negro, utilizando el formato 4:3, encuadrando con espaciosos aires en la parte superior de la toma (como queriendo acentuar lo lejano que nos queda el cielo), y escatimando los movimientos de cámara al máximo, Pawlikowski cuenta la historia de una sierva de Dios, a punto de tomar los votos (castidad, obediencia y pobreza), que en la Polonia de los sesenta emprende la búsqueda por sus orígenes de la mano de una tía que en sus mejores días tuvo poder político, y sigue siendo atractiva, libertina y extrovertida, pero que vive apabullada por los estragos del pasado…y del presente; aunque los anestecia con vodka. Juntas rastrean las raíces judías de la monja, y el destino de sus padres. Un filme respetuoso, que reflexiona sobre la identidad y el poder de la fe, con alma refulgente. Incuestionablemente una de las mejores películas de este año; Ida representa la entrada de Pawel Pawlikowski a la élite de los grandes realizadores europeos del presente.

AFD (@SirPon)

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Aquí puedes ver nuestra entrevista con Pawel Pawlikowski.

Sueño de invierno *Imperdible

Dir. Nuri Bilge Ceylan (Turquía-Francia-Alemania, 2014)

★★★★½

 Desde que el autor turco, Nuri Bilge Ceylan, dirigió la maravillosa Distant (2002), todos sus filmes han ganado algún premio importante en el Festival de Cannes. Incluso en 1995 ganó la Palma de Oro para cortometraje, con Koza. El pasado mayo representó su consagración definitiva (en el propio festival), pues con Winter Sleep (Sueño de invierno) ganó la codiciada Palma de Oro. Al igual que en su filme previo, Once Upon a Time in Anatolia (2011), la historia se desarrolla, precisamente, en Anatolia, una zona montañosa en la región asiática de Turquía. En el sitio donde se desarrolla la historia, las casas están construidas dentro de cuevas, por lo que la extraña belleza de ese peculiar rincón geográfico ofrece el primer impacto sensible para el espectador. Ahí vive Aydin (Haluk Bilginer), dueño de un hotel para turistas, con su bella y joven esposa, Nihal (Melisa Sözen), y su recientemente divorciada hermana, Necla (Demet Akbag). Las grutas que habitan están empotradas en un sector rural muy pobre de Turquía y Aydin, actor retirado aficionado a la reflexión y con ambiciones de escritor, posee varias propiedades en la región, que heredó de su padre y renta a los lugareños. Uno de los conflictos del filme tiene que ver con una familia del pueblo, integrada por un irritante pastor musulmán, su exconvicto hermano, su esposa e hijo, a quienes los hombres de Aydin intentaron desalojar de forma violenta por incumplir con sus pagos y a él, responsable último del acto, le guardan profundo rencor (particularmente el niño, cuya mirada parece sintetizar los resentimientos del Islam hacia Occidente). Los otros los tiene Aydin más cerca, en su propia casa: su hermana, incapaz de lidiar con sus propios demonios, lo confronta cuestionándole el paternalismo con que escribe su columna semanal en el diario local; su mujer, harta de su hipocresía y el poco espacio que le ofrece para desenvolverse, asfixiada, parece querer poner tierra de por medio entre los dos. Hay, pues, una desconexión abismal entre la forma en que Aydin se ve a sí mismo (gentil, compasivo, inteligente, sofisticado incluso) y como es visto por los demás.

A pesar de la majestuosidad del paisaje, por momentos tapizado de nieve, Nuri Bilge Ceylan opta por fincar el núcleo de su drama en espacios cerrados, a partir de ásperos diálogos, de los que revelan los años que la frustración, la decepción, el desánimo, el desencuentro, el hastío llevan acumulados en los corazones de los personajes. Continuamente Sueño de invierno hace pensar en las famosas ‘piezas de cámara’ de Bergman. Nos toca, como espectadores, presenciar los momentos cruciales de los involucrados en que no soportan más la vorágine de emociones y sentimientos contenidos, reprimidos y las relaciones estallan. El autor turco, especialista en cincelar con esmero la psicología de sus personajes, se explaya en esta ocasión, poniéndolos a modo para extraerles, sin límite de tiempo, las tribulaciones que los aquejan. El guión de Sueño de invierno está basado en varios relatos de Chéjov (de ahí buena parte de las extensas conversaciones y discusiones entre gente de buenas intenciones, pero vacua) y encaja a la perfección en una filmografía enfocada en rescatar la complejidad de lo que significa ser turco en el mundo contemporáneo; de lo que significa ser humano en los días que corren. Pese a ser por momentos reiterativa y, en otros, dar la impresión de empantanar la narración en la espesa nieve que recubre los caminos que llevan a las cavernas en las que Aydin estableció su dominio, Sueño de invierno es, incuestionablemente, otro rotundo triunfo en la brillante filmografía de Bilge Ceylan. En mi opinión no el mayor, pero de cualquier forma soberbio.

AFD (@SirPon)

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Mapa a las estrellas

Dir. David Cronenberg (Maps to the Stars, 2014)

★★★★

Después de la elegancia discursiva de A Dangerous Method (2011) y el hermetismo de Cosmopolis (2012), David Cronenberg adapta un guión de Bruce Wagner para crear Maps to the Stars (2014), una macabra comedia que aborda las perversiones y patologías asociadas a los que pertenecen a la fábrica de los sueños conocida como Hollywood. Agatha (Mia Wasikowska), alejada de su familia por ocasionar un accidente con fuego, regresa a Hollywood para trabajar como asistente de Havana (Julianne Moore), una actriz obsesionada con obtener el papel de un remake que su madre protagonizó varios años atrás. La joven, que aún mantiene las cicatrices del incendio, es una especie de ficha de domino a partir de la cual la vida de los demás termina por resquebrajarse. Aunque es una sátira sobre las exigencias y vicios de la industria, el filme posee ecos de los dramas familiares de Antón Chéjov y la constante evocación del poema “Libertad” de Paul Eluard. En los últimos años el realizador canadiense se ha alejado de la intervención corporal explícita (body horror), pero aún hay resquicios del uso del cuerpo como receptor del dolor, y Maps to the Stars es un ejemplo de cómo un autor es capaz de condensar los temas que le intrigan en un filme: las obsesiones en torno a la cultura audiovisual moderna (Videodrome), la sexualidad explícita (Crash), las alteraciones psicológicas (Spider), las secuelas corporales (Eastern Promises) y el retorno violento de un ser humano (A History of Violence).

LFG (@luisfer_crimi)

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Solo los amantes sobreviven *Imperdible

Dir. Jim Jarmusch (Only Lovers Left Alive, Reino Unido-Alemania, 2013)

★★★★½

Escucha aquí el soundtrack de Only Lovers Left Alive

En primera instancia parecería que este filme de vampiros ha sido un mero divertimento para Jim Jarmusch, quien se ha solazado en la confección de un juego estilístico elegante y muy atractivo. Podría perdonarse a quienes se quedaran, de forma voluntaria o forzosa, en la epidermis del filme. Pero Solo los amantes sobreviven (Only Lovers Left Alive) invita a clavarle los colmillos y extraerle toda la savia que, eh, con sabiduría, ha esparcido este gran director norteamericano a lo largo y ancho de él. Adam (Tom Hiddleston) y Eve (Tilda Swinton) –sus nombres apenas el primer gag de una serie continua y gozosa de referencias históricas, musicales, fílmicas y culturales cargadas de fermentado y seco humor- forman una pareja de centenarios vampiros que busca reunirse tras un tiempo de separación. Él es famoso músico que vive como ermitaño en Detroit, Estados Unidos, ayudado por un fanático que promete no decirle a nadie de su paradero y que le consigue cuanta excentricidad se le ocurre a Adam (por ejemplo, una bala con cabeza de madera). Ella vive en Tánger, Marruecos, pero viajará a Detroit para reunirse con Adam. Apenas empiezan a disfrutar el reencuentro cuando les cae el chahuiztle, en forma de la hermana de Eve, Ava (Mia Wasikowska), quien pervierte de tal forma el misterio de sus vidas y la tersa adecuación a los nuevos ritos vampíricos, que se ven obligados a modificar intempestivamente los planes con que inicialmente pensaban llevar a cabo este nuevo capítulo de sus vidas como amantes.

Tom y Tilda hacen una pareja formidable (pese a lo que uno podría imaginar al pensarlos juntos), la música elegida por Jarmusch es suntuosa, la fotografía refinada, los encuadres inventivos y, por encima de todo, el recubrimiento existencial al momento de tratar el tema de la inmortalidad es profundo (constantemente salpicado de críticas a lo erróneo que suele ser el comportamiento humano) y al mismo tiempo divertidísimo. Una delicia de evento fílmico de Jim Jarmusch.

AFD (@SirPon)

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Tan negro como el carbón

Dir. Diao Yi’nan (Bai ri yan huo, 2014)

 ★★★½      

Las convenciones del film noir estadounidense –el investigador rudo en un caso desconcertante, la mujer fatal que guarda un secreto, una serie de pistas, la búsqueda del criminal– son trasladadas a la región industrial del norte de China en Tan negro como el carbón, filme ganador del Oso de Oro en la Berlinale 2014. En 1999, Zhili (Fan Liao) es un oficial de policía recién divorciado que busca resolver el misterio de cómo varios fragmentos de cuerpos humanos aparecen en las plantas de carbón de la zona. Luego de ser herido durante un intento por capturar a los posibles responsables, es dado de alta de una larga convalecencia, es retirado de su cargo y debe aceptar un trabajo como guardia de seguridad ahogando sus frustraciones en alcohol. Años después, asesinatos similares siguen ocurriendo, y Zhili decide retomar el caso por cuenta propia. A través de un paisaje urbano de invierno, caminos y túneles de hielo, una pista de patinaje al aire libre, un club de juegos de azar y las visitas repetidas a una lavandería, donde se siente atraído por una enigmática mujer, acompañamos al protagonista en su recorrido. El filme muestra un mundo violento, donde la traición y la crueldad permea a todos los individuos de la sociedad. Diao crea un sólido relato de suspenso donde, una vez que el caso parece estar resuelto, hay una vuelta de tuerca fundamental para la revelación final.

LFG (@luisfer_crimi)

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Mommy

Dir. Xavier Dolan (Canadá, 2014)  

★★★

Xavier Dolan decide modificar solo un poco las leyes de su país y sitúa su película solo un año en el futuro, para tener una excusa fundamentada –por sus propias ambiciones y vanidades– para desencadenar un melodrama exacerbado entre madre e hijo. El padre murió hace algunos años, el hijo de 16 años con problemas de comportamiento –fácilmente se vuelca a la violencia extrema, a la explosión– acaba de ser expulsado de un internado después de causar un incendio, por lo que regresa a vivir con su madre. Un poco antes de que el padre muriera, vivían holgados económicamente, pero eso ha quedado muy atrás y la madre debe esforzarse diariamente para sacar los gastos, por lo que el exceso de atención que exige el adolescente puede fácilmente volverlo un estorbo. Pero la balanza tiende a estabilizarse con la llegada de una vecina al interior de su núcleo, una afásica que acaba de perder a un hijo y que cambia constantemente de domicilio debido al trabajo de su esposo. Los tres se unen dándose el uno lo que el otro necesita, creando un equilibrio aparentemente ideal, hasta que la realidad se impone, o más bien, lo que verdaderamente se impone es la necesidad de pirotecnia emocional para Dolan, quien disfruta los gritos, los acercamientos físicos, las peleas, la sangre, los llantos, y su ego, reflejado en su personaje principal, en el fondo, un artista incomprendido. Hay en la película un mensaje sobre la (in)tolerancia, un acercamiento a una relación compleja, donde el amor es la regla, pero no necesariamente la manifestación del mismo. Es una relación donde el deber no está dispuesto a ceder al sacrificio; en parte, porque la compasión está franqueada por el interés propio. Y, en gran medida, el estilo de Dolan también adolece de esta soledad: su buen ojo es indiscutible, al igual que su facilidad para crear atmósferas, pero éstos son usados a favor de una historia amelcochada, guiada por canciones completas que envuelven secuencias enteras que parecen hechas como complemento de la música, y que aporta más azúcar a esta ávida demostración de maestría y de colorido amor propio.

SOR (@SofOchoa)

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Fuerza Mayor

Dir. Ruben Östlund (Turist, Suecia-Dinamarca, 2014)         

Aún no ha sido calificada

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