Ve aquí nuestra Entrevista con Claire Denis en el Festival de Panamá

Conocida por sus audaces películas que desafían las convenciones y la simple categorización, Claire Denis se ha ganado la reputación de ser una de las cineastas más originales y admiradas que trabajan hoy en día con una obra intrépida que abarca desde asesinos en serie hasta el espacio exterior. Después de pasar su infancia en el África colonial, Denis regresó a Francia y asistió a la prestigiosa escuela de cine Institut des Hautes Études Cinématographiques (IDHEC). Después de trabajar como asistente de dirección durante años junto a cineastas tan célebres como Jim Jarmusch y Wim Wenders durante más de una década, hizo su debut cinematográfico en 1988 con Chocolat. Con más de 40 años de experiencia en la industria, Denis ha reunido una cantidad increíble de conocimientos de cine. Dicho esto, al igual que sus películas son conocidas por su calidad poética, a veces incluso impresionista, habla en entrevistas de una manera correspondientemente indirecta que casi no se ajusta a la naturaleza pedagógica habitual de los consejos y las lecciones de cine, por lo que las siguientes seis citas se adaptan a una definición un tanto general de “sugerencias” para la realización de filmes. Pero, de nuevo, la convención difícilmente se adapta a Claire Denis.

Olvídate de las explicaciones

En el 2000, Denis fue entrevistada por Jonathan Romney para The Guardian antes del lanzamiento de Beau Travail, un drama atrevido basado en Billy Budd de Herman Melville. Al evitar las convenciones narrativas estándar y el amor por una narración poética más suelta, las películas de Denis requieren un esfuerzo considerable por parte de la audiencia para desempaquetar. Con eso en mente, Romney le preguntó acerca de su preferencia por omitir toda la información explicativa que la mayoría de los otros cineastas sí ofrecen, y Denis dijo lo siguiente:

El cine no está hecho para dar una explicación psicológica, para mí el cine es un montaje, es una edición. Para hacer que los bloques de impresiones o emociones se encuentren con otro bloque de impresiones o emociones y se coloquen entre las explicaciones, para mí es aburrido. Nuevamente, no estoy tratando de hacerlo difícil, pero creo que, como espectador, cuando veo una película, un bloque me lleva a otro bloque de emoción interior, creo que eso es cine. Eso es un encuentro. Creo que el cine está vinculado a la literatura de muchas maneras sociales. Nuestros cerebros están llenos de literatura, mi cerebro así está. Pero creo que también tenemos un mundo de sueños, el cerebro también está lleno de imágenes y canciones y creo que hacer películas para mí es deshacerme de las explicaciones. Porque, creo, obtienes una explicación al deshacerte de la explicación. Estoy segura de eso.

Utiliza el ‘leitmotiv’ como anclaje

En una entrevista de Tribeca en 2013 sobre su película Bastards, un thriller nihilista inspirado en Sanctuary de William Faulkner, el entrevistador Zachary Wigon mencionó el uso de imágenes repetidas de Denis a lo largo de la película, comparando la técnica con el uso de pistas en un misterio. Su respuesta sobre su uso de motivos se duplica como un gran consejo para contar historias:

No es como una herramienta, como algo que usas cuando estás cocinando, es algo que se muestra cuando estás escribiendo el guion. El esfuerzo de escribir un guion: es importante tener una especie de razón interna, o leitmotiv, algo que anclará cualquier narración en algo que estará muy adentro, como un motivo, ¿sabes? Creo que, por supuesto, esta forma ya está allí en el guion.

Sigue tu instinto en el proceso de casting

En el 55º Festival de Cine de Nueva York en 2017, Denis participó en un panel de cine con Joachim Trier y Kevin Jerome Everson, en el que los tres cineastas discutieron diversos aspectos de sus procesos cinematográficos. Sobre el tema del casting, Denis abordó la importancia de seguir el instinto en ese proceso de toma de decisiones, una actitud que ha mantenido constantemente en varias entrevistas diferentes:

Casting [...] es como en la vida. De alguna manera, te encuentras con alguien [y] sabes. Tal vez sea una persona menos experimentada, tal vez todos te digan que es una mala elección y sabes que funcionará; estarás encantado de conocer a esa persona todos los días. Se está moviendo. Es una especie de amor, ¿sabes?

Puedes ver el panel completo a continuación; la cita destacada comienza en 43:32:

La locación lo es todo

En abril de 2019, Indiewire editó dos entrevistas con Denis en una sola publicación sobre su proceso creativo, incluyendo ideas, escribir, ensayar y filmar, entre otros. En cuanto a los espacios y las locaciones, Denis dio los siguientes consejos:

La exploración de locaciones es como una persecución. No estás buscando la ubicación, estás buscando la película en sí. Cuando elijo una locación es porque entiendo cómo la voy a filmar. Si no, entonces sé que no es un buen lugar para mí. Si no me trae una luz, sabes, es una conexión, está funcionando. Una locación, de alguna manera, no es “me gusta o no me gusta”, de alguna manera una locación tiene que saltar sobre mí, atraparme y ese momento es importante porque entonces lo sé. Tengo que sentir cómo va a ser la película en ese espacio específico.

Diseña coreografías con la cámara, no con los actores

En el Festival Internacional de Cine de Rotterdam de 2019, Claire Denis realizó una clase magistral en la que habló sobre su carrera y analizó varias escenas clave de sus películas con el exdirector del festival Simon Field. En un momento, Field mencionó el uso del movimiento en sus películas, específicamente, lo que él observó como una calidad coreografiada del movimiento de los actores. Al momento de su comentario, Denis aclaró que esta coreografía tiene mucho más que ver con la cámara que con los actores, un comentario que también presenta una forma interesante de pensar sobre el movimiento en la película:

No le estoy pidiendo a los actores que se muevan de cierta manera. Hablamos de ello y encontramos un estado de ánimo. Encontramos la razón. La coreografía es la cámara. Poder acariciar y ser cercano y respetuoso, pero estar juntos. La unión con los actores es la única cosa realmente conmovedora. Incluso si me decido por un plano abierto y el personaje está lejos en un largo corredor, o lo que sea, entonces el impulso de permanecer allí en un plano estático también es una especie de coreografía porque la duración, el tiempo que permanezco allí, mirando estáticamente a alguien, significa también estar junto a ellos. No creo que use la cámara para juzgar. Nunca. Más bien la uso para ser una compañera, siempre.

Puedes ver la masterclass completa a continuación; La cita destacada comienza en 29:15:

No te preocupes por la cantidad de diálogo

En una entrevista de Syfy Wire con Denis y la estrella de High Life, Robert Pattinson, en abril de 2019, surgió el tema del diálogo. En particular, cómo las películas de Denis tienden a tener relativamente pocos diálogos. Al abordar esta tendencia suya, la cineasta hizo un punto importante no solo sobre su uso del diálogo, sino sobre la actitud actual de la industria hacia el diálogo que podría no ser necesariamente lo mejor:

La gente me dice: “Oh, no hay mucho diálogo en tus películas”. ¿Pero cuál es la diferencia si la película dice mucho? A veces, el diálogo es solo ruido, bla, bla, bla, bla, bla. Y no dice nada, ¿sabes? La cantidad de diálogo parece ser ahora como una receta. Si quieres hacer un pastel, tienes que poner 200 gramos de esto y eso, azúcar, etc. Es como una voz en off. ¿Necesitamos una voz en off o no? Esa es una gran pregunta en una película, mucho más importante que el diálogo.

Trad. EnFilme

Fuente: Film School Rejects