Jean-Luc Godard, quien murió el día de hoy a los 91 años de edad, ha sido uno de los directores más influyentes en la historia del cine. El autor de cine franco-suizo conquistó la fama a fines de los cincuente como una de las figuras fundamentales de la Nueva Ola Francesa, y consolidó una prolífica carrera a lo largo de más de cincuentas años. La BBC propone nueve puntos que todo mundo debería saber acerca de este genio revolucionario del cine. 

1 Cambió el cine con una chica y una pistola.

Todo lo que necesitas para realizar un filme, Godard alguna vez afirmó, es “una chica y una pistola”. Y lo demostró con su ópera prima de 1960: À Bout de Souffle (Sin aliento).

La chica, Patricia, se involucra con un criminal de poca monta, Michel, que se encuentra huyendo por haberle disparado a un policía. Ella lo traiciona y la policía le dispara y cae muerto en plena calle. Sin aliento parece un drama criminal pero, como ocurre con muchas de sus otras obras, la trama es solo el pretexto para que Godard explore la cultura, experimente con la imagen y examine la naturaleza propia del cine. El filme tuvo un impacto instantáneo, recibiendo aclamación mundial y generando enormes ganancias a partir de un magro presupuesto. Más de sesenta años después, sigue siendo ampliamente reconocido como un clásico del cine y su energía aún sobrecoge. 

2. Cortó los convencionalismos

Uno de los elementos más radicales de Sin aliento fue su prominente uso de la técnica de montaje conocida como “jump cut” (salto). La realización cinematográfica tanto antes como después del debut de Godard en gran medida favorece la edición sutil, para dar la ilusión de continuidad en el tiempo. En contraste, Godard en Sin aliento corta la acción del plano, haciendo parecer que el tiempo brinca hacia adelante. 

Jump-cuts en Sin aliento: Godard editó fragmentos dentro de los mismos planos, haciendo que la imagen salte hacia delante en el tiempo y el espacio. Resulta desconcertante, como seguramente fue la intención de Godard. En el peor de los casos, atrae la atención del espectador, pero al mismotiempo ha sido interpretado como el reflejo del fastidio de Michel, o como la tentativa de Godard de forzar a su audiencia a pensar en la naturaleza de su propuesta fílmica. A lo largo de su carrera, Godard constantemente jugueteó con la gramática del quehacer cinematográfico. 

3. Reescribió el guion

Hubo también otras innovaciones. Sin aliento fue filmada en locación, usan cámara en mano, con Godard escribiendo el guion cada día, alimentando de líneas de diálogo a los actores durante la propia filmación. 

Este fue otro rompimiento con la tradición, pues los costosos filmes de estudio dependían de guiones rigurosamente escritos, grandes equipos de trabajo y storyboards. 

Godard ideó nuevos modos de hacer cine pero podrían ser un dolor de cabeza para los demás involucrados. La técnica empleada por Godard le da a Sin aliento gran espontaneidad, se siente como documental.  La usaría en muchos de sus filmes, enfureciendo a sus estrellas que tenían que presentarse al set sin saber qué líneas tendrían que dialogar. Godard y sus contemporáneos de la Nueva Ola veían que los mejores filmes debían estar estampados con la visión del director, y qué mejor forma de controlar un filme que en efecto ir creándolo durante su realización. 

4. Era un inmenso cinéfilo

Godard pudo haber sido un iconoclasta, pero todo en él surgió desde un lugar de profundo conocimiento y cariño por el cine. Antes de convertirse en director, fue un ávido asistente al cine, a veces viendo el mismo filme en repetidas ocasiones en un solo día en los cineclubes que él y las otras figuras de la Nueva Ola atendían. 

En 2015, Raymond Cauchetier habló de su trabajo fotografiando el glamour de la Nueva Ola Francesa. Como otras figuras de aquel tiempo, primero fue un crítico de cine, desarrollando sus ideas sobre lo que él pensaba debía ser el cine que pudiera llevar a la práctica. Sus filmes están tapizados de referencias a otras obras e, incluso con su misión de empujar las fronteras del medio, no podía resistir la tentación de mirar también hacia atrás. 

5. Continuó innovando

Sin aliento, por sí misma, le habría asegurado su lugar en la historia del cine, pero la suya ha sido una carrera prolífica.  En IMDB se enlistan más de 100 trabajos suyos, incluyendo cortos, documentales, series de televisión y más de cuarenta largometrajes de ficción. En los sesenta se pudieron ver sus obras más celebradas, desde lo que llamó un “musical neorralista”, Une femme est une femme (1961), hasta su distopía de ciencia ficción de 1965, Alphaville, hasta su comedia negra de 1967, Weekend, que presentaba a Emily Bronte incendiándose. 

Después de Weekend abrazó el radicalismo político, haciendo una serie de filmes con orientación marxista que culminaron con Tout Va Bien, en 1972. En las décadas que siguieron contó su propia versión del nacimiento de la Virgen María, lo que provocó una queja del entonces Papa Juan Pablo II (Hail Mary), intentó y fracasó en reclutar a Richard Nixon como actor (King Lear) y estrenó su personal épica historia del cine (Histoire(s) du cinéma). En 2014, en sus ochenta, sacó un filme en 3D experimental con su perro Roxy como protagonista (Adiós al lenguaje). 

6. Hizo trabajar a su audiencia 

No hay forma de eludirlo, los filmes de Godard oscilan entre lo desafiante a lo casi incomprensible. Ha disfrutado éxito comercial, pero sus trabajos tardíos recibieron distribución muy limitada pese a la adoración de la crítica.

Godard fue un lector voraz por encima de su amor al cine y el enorme peso de sus referencias puede ser abrumador. En apenas 70 minutos de duración, Adiós al lenguaje, por ejemplo, está colmado de alusiones, desde al pintor abstracto, Nicolas de Staël, al autor modernista William Faulkner y al matemático Laurent Schwartz. Además, también, a una de sus influencias más significativas, el dramaturgo alemán, Bertolt Brecht. 

Brecht quería que su audiencia permaneciera críticamente enganchada con su trabajo, por lo que recurría a un buen número de métodos para desconcertarlos y recordarles que estaban viendo algo artificial. Muchos de los filmes de Godard utilizan recursos brechtianos, como La Chinoise (1967), que incluye subtítulos refulgentes y actores rompiendo la cuarta pared, con Godard incluso dejando que se vea la claqueta al inicio de las escenas. 

7. Se introdujo en su propio arte 

En muchas de sus obras el protagonista se puede ver como representación del propio Godard. En Le Mépris (1963), Michel Piccoli interpreta a un escritor francés con la misión de escribir una adaptación del Ulises de Joyce para la pantalla grande. El filme explora las tensiones entre el comercialismo y la creatividad y retrata un matrimonio desintegrándose, modelado en la relación de Godard con Anna Karina, la estrella de varios de sus filmes. 

Los personajes en sus filmes frecuentemente eran portavoces de él mismo y en sus últimos años él mismo se convirtió en tema de sus filmes. En 1995 hizo la autobiográfica JLG/JLG -Self-Portrait in December y sus ensayos fílmicos presentan su propia voz, como en su reciente The Image Book, del 2018. El crítico estadounidense, Roger Ebert,  en 1969 describió a Godard como “profundamente metido en su propio mundo”, una buena explicación sobre por qué sus filmes pueden ser simultáneamente tan distintivos y tan desesperantes.

8. Puede ser una 'mierda' 

No de manera injustificada, Godard tenía la reputación de ser una persona difícil tanto a nivel personal como profesional. Sus dos matrimonios, primero con Anna Karina y después con Anne Wiazemsky, fueron atormentados, algo que se reflejó en sus filmes.

Enfurecido con la forma en que el productor Iain Quarrier recortó su documental Sympathy for the Devil sobre los Rolling Stones, Godard lo golpeó en el rostro cuando se mostró en Londres. 

También tuvo un pleito extraordinario con su amigo, otro grande de la Nueva Ola Francesa, el director Françoise Truffaut. En 1973, Godard le escribió a Truffaut atacando su último filme, Day For Night, exigiéndole además recursos para hacer una película en respuesta. Truffaut le escribió una furiosa respuesta, acusando a Godard de comportarse como “una mierda”, enlistando años de conducta indebida de Godard. No es sorprendente que Truffaut se haya negado a pagar el filme de Godard. La relación entre los dos nunca se recuperó. Sin embargo, las colaboraciones fueron también una parte importante de su carrera. Sus filmes tempranos no habrían sido lo mismo sin Karina o Wiazemsky, ni sin su subrogado, Jean-Paul Belmondo. 

Asimismo, fraguó una relación íntima con el pensador de izquierda, jean-Pierre Gorin y con el cinefotógrafo Raoul Coutard, quien dijo: “Él puede ser una mierda…pero es un genio.”

Desde los setenta su colaboradora más importante ha sido su pareja de vida, la cineasta suiza, Anne-Marie Miéville.

9. Pero también era una inspiración

Las industria fílmicas alrededor del mundo han visto sus propias “nuevas olas”. La Nueva Ola Estadounidense nos dió trabajos como Bonnie & Clyde, Chinatown y Jaws. El trabajo mismo de Godard, ya sea personal, experimental, político o de los tres, ha tenido un impacto tremendo. 

El director estadounidense, Quentin Tarantino, bautizó su compañía productora A Band Apart, en referencia al filme de Godard de 1963, Bande à part. El director italiano, Bernardo Bertolucci incluyó un homenaje de él en su filme The Dreamers.

La influencia de Godard puede ser vista en el desdibujo entre el documental y la ficción del director iraní, Abbas Kiarostami, o en el trabajo provocador, en fondo y forma, del danés, Lars von Trier. 

Trad. EF

Fuente: BBC

Y aquí puedes ver, completo, Masculin Féminin de Godard.