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En el cuarto día de proyecciones en Cannes, en búsqueda de la ansiada Palma de Oro se presentaron Moulin, el filme del húngaro László Nemes (Son of Saul) sobre el héroe de la resistencia francesa, visualmente impactante pero sin ese nivel de estilización al profundizar en el personaje; Hope, del surcoreano Na Hong-jin, un retorcido relato de ciencia ficción que aspira a que el mundo K siga en dominación mundial; y Garance, de la francesa Jeanne Herry, con la siempre sensacional Adèle Exarchopoulos en el protagónico, interpretando a una actriz en busca del éxito que termina enganchada en el vértigo de las noches de exceso y las mañanas de cruda. Aquí algo de lo que se ha escrito sobre los tres trabajos filmicos.     

Moulin 

Dir. László Nemes

László Nemes, director de Son of Saul y Sunset, regresa a la competencia de Cannes con una película de guerra de corte más convencional, filmada en colores sepia que evocan el desgaste de una vieja fotografía y centrada en el heroísmo de la resistencia francesa a través de la figura de Jean Moulin, el legendario líder que pasó a la historia por negarse a hablar bajo tortura. Aunque la película se aleja de la intensidad formal de trabajos anteriores del cineasta, despliega una manufactura impecable, sólidas actuaciones y un cuidadoso diseño de producción, acercándose más al drama bélico clásico que a la radicalidad de sus filmes previos.

Gilles Lellouche interpreta a Moulin, enviado en paracaídas desde Londres a Francia en 1943 con la misión de unificar las distintas facciones enfrentadas de la resistencia bajo el liderazgo en el exilio de Charles de Gaulle. Mientras rechaza con melancólica distancia las insinuaciones románticas de la condesa de Forez (Louise Bourgoin), su enlace civil ficcionalizado, Moulin apenas tiene tiempo para comenzar sus actividades clandestinas antes de ser delatado y arrestado por la Gestapo. Muy pronto se encuentra frente a Klaus Barbie, el temido “Carnicero de Lyon”, interpretado por Lars Eidinger, quien parece convencido de poseer todos los métodos necesarios para quebrarlo.

Existe una fascinación sombría en los primeros intercambios entre Barbie y Moulin, mientras el oficial nazi mide cuidadosamente a su prisionero, aparentemente divertido e incluso impresionado por la sangre fría del resistente, permitiéndole creer por un instante que su identidad falsa como “Jacques Martel” podría resultar convincente. Con una sonrisa escalofriante, Barbie pone a prueba la coartada de Moulin preguntándole cómo redecoraría las oficinas de la Gestapo si realmente fuera decorador de interiores.

Pero pronto el juego psicológico se transforma en brutalidad abierta. Barbie obliga a Moulin a bailar con la condesa en su oficina, antes de escalar hacia simulacros de ejecución, golpizas y descargas eléctricas. La maldad alcanza uno de sus puntos más perturbadores cuando recuerda con satisfacción las masacres de niños en la Bielorrusia ocupada. Aun así, Moulin mantiene una determinación implacable, negándose incluso a salvar a sus compañeros capturados, a quienes se promete clemencia únicamente si él decide hablar.

El desenlace de esta batalla de voluntades conduce a un extraño estallido de rabia por parte de Barbie, en una interpretación que bordea deliberadamente lo teatral. Sin duda, Moulin es un filme sólido y absorbente, un drama muy bien hecho para el mainstream, aunque quizá los espectadores de Cannes esperaban de Nemes algo más, o algo mejor.

Peter Bradshaw, The Guardian

3 de 5 estrellas

Quizá haga falta una mirada extranjera para aproximarse con honestidad cinematográfica a una figura del orgullo nacional. En ese sentido, el cineasta húngaro László Nemes parecía una elección ideal para Moulin, una película biográfica sobre Jean Moulin, uno de los nombres más celebrados de la resistencia francesa. Sin embargo, la ambición estética del director rara vez logra traducirse en una fuerza dramática equivalente, dando como resultado un relato sobre tortura y fragilidad humana que parece agotarse mucho antes que su mártir central. La película abre con imágenes coloreadas de la ocupación nazi de Francia antes de presentar a Moulin —bajo la identidad falsa del diseñador de interiores Jean Martel, interpretado por Gilles Lellouche— descendiendo en paracaídas sobre su país. La fotografía nocturna, casi pictórica, y el paisaje sonoro envolvente convierten este aterrizaje en una secuencia de enorme tensión, aunque la película tarda bastante en volver a recuperar esa intensidad inicial.

Durante gran parte de su primera mitad, Moulin adopta el estilo de un film noir hollywoodense, con iluminaciones duras que perfilan personajes atractivos y misteriosos ocultos bajo sombreros y velos. La fotografía de Mátyás Erdély, bañada por luces de gas, vuelve todo visualmente fascinante, aunque el relato avanza a través de dobles sentidos y conversaciones que apenas rozan conflictos mayores de la guerra. Se plantean tensiones sobre liderazgo, sucesión y la legitimidad de Moulin para dirigir la resistencia, pero estos temas rara vez son explorados más allá de una insinuación inicial.

Es solo cuando Moulin es capturado por la Gestapo y sometido a los interrogatorios de Klaus Barbie —el temido “Carnicero de Lyon”, interpretado por Lars Eidinger— que la película comienza a sentirse realmente como un thriller de espionaje, aunque es precisamente porque Moulin se niega a revelar su identidad. En lugar de glorificar al héroe, Nemes opta por un camino inverso: donde muchas historias bélicas transforman figuras imperfectas en leyendas irreprochables, aquí el protagonista comienza como un hombre sofisticado, casi cinematográfico, para revelar progresivamente a alguien completamente ordinario frente al horror de la tortura. Moulin sabe que eventualmente podría quebrarse si la presión se vuelve insoportable, una conciencia poco común en los héroes históricos y, precisamente por ello, profundamente humana.

Lellouche acompaña este proceso de desmitificación abandonando poco a poco la elegancia inicial de su personaje en favor de una resignación melancólica. Sin embargo, gran parte del peso dramático recae sobre él, mientras la puesta en escena de Nemes insiste en ahogar los encuadres en sombras visualmente impactantes. El resultado es una película indudablemente hermosa, pero demasiado lineal y literal en su aproximación al sufrimiento humano. Aunque busca registrar tanto belleza como fealdad, rara vez consigue conectar esos grandes gestos visuales con las personas concretas que habitan el relato, dejando incluso de lado preguntas fundamentales, como quién pudo haber traicionado realmente a Moulin.

Siddhant Adlakha, Variety

Hope 

Dir. Na Hong-jin

Un pequeño policía de una comunidad costera en la Corea del Sur rural enfrenta el peor día de su vida en esta desmesurada pero enormemente entretenida mezcla de géneros de Na Hong-jin. El sargento Bum-Seok (Hwang Jung-min), propenso a movimientos nerviosos y accesos de pánico en momentos de estrés, quizá no parezca la persona ideal para liderar una batalla contra una amenaza inimaginable e imposible de matar. Pero es lo mejor que tiene el pueblo de Hope Harbour. La nueva película del director de The Wailing funciona como una auténtica masacre a pedal a fondo, avanzando casi sin respiro entre humor negro, sangre y vísceras, aunque su extensa duración podría poner a prueba la resistencia del espectador frente a tantas persecuciones, derrapes, armas automáticas y personajes secundarios brutalmente eliminados.

La primera hora es, quizá, la parte más efectiva de la película, y no es casualidad que transcurran casi cincuenta minutos antes de que apenas logremos ver una garra ensangrentada de la criatura que está sembrando el terror. La película entiende bien que los monstruos suelen ser más aterradores cuando permanecen ocultos, especialmente cuando sus apariciones también dejan ver ciertas limitaciones del apartado visual. A cambio, la densidad y riqueza del diseño de producción resultan extraordinarias: cada rincón de Hope Harbour —filmado en la isla de Jeju— parece contar una historia propia. Mientras un Bum-Seok cada vez más desesperado atraviesa las calles vacías en su patrulla, la devastación recuerda a la causada por un kaiju: cuerpos esparcidos, cabezas aplastadas y un humor visual negrísimo que incluso coloca a un hombre junto a una pila de calabazas destruidas, como si el caos necesitara todavía una ironía adicional.

Bum-Seok tarda mucho en enfrentarse cara a cara con aquello que amenaza a su pueblo y necesita de la ayuda de su inesperadamente bien armada subordinada Sung-ae (Hoyeon, de Squid Game), además de cierta dosis de suerte, para enfrentarlo. “Así es como termina”, afirma Sung-ae, aunque en realidad todo apenas está comenzando. A partir de la segunda mitad, la película traslada gran parte de la acción a las montañas boscosas donde los habitantes cazan animales, ampliando su escala visual y reforzando un diseño sonoro viscoso y envolvente. Allí reaparecen los cazadores locales que descubrieron el cadáver mutilado de un toro premiado y que resultan todavía más impulsivos, violentos y torpes que el propio Bum-Seok. Poco a poco, se hace evidente que precisamente ahí reside uno de los temas centrales de la película.

Cuanto más se revela sobre las criaturas, más visibles se vuelven también las limitaciones de los efectos visuales —hay momentos en que parecen imágenes generadas por computadora o gráficos de videojuego—, aunque al mismo tiempo emergen referencias deliberadas y muy precisas en su diseño. Hay ecos claros de los xenomorfos de Alien de H.R. Giger, pero incluso más evidente resulta, hacia el final, la influencia de los Na’vi de Avatar, quienes, como bien sabemos, representan a los “buenos”. El cambio de perspectiva del desenlace recuerda en parte a Bugonia y, como en el cine de Yorgos Lanthimos, Na Hong-jin termina utilizando el caos para poner bajo una luz implacable las fallas de una humanidad aislada, hostil y profundamente torpe.

 Wendy Ide, Screen Daily

 El director surcoreano Na Hong-jin entrega un explosivo thriller de acción y ciencia ficción que combina efectos digitales con un espíritu de espectáculo clásico, construyendo una experiencia desbordante de energía y humor irreverente. Ambientada en el remoto y adormecido pueblo de Hope, en Corea del Sur, cerca de la zona desmilitarizada (DMZ), la película arranca cuando los habitantes —ya acostumbrados a convivir con la amenaza latente de la violencia— descubren a un animal de granja brutalmente mutilado por una criatura desconocida, no para alimentarse, sino por algo mucho más inquietante.

El jefe de policía Beom-seok (Hwang Jung-min), agotado pero curtido, llega al lugar donde yace el cadáver marcado por extrañas garras y escucha con escepticismo las teorías de los cazadores locales, quienes sospechan de un tigre mientras soportan los comentarios sobre la legalidad de sus armas. Un momento aparentemente menor adquiere gran importancia cuando Beom-seok se quita sus gafas de aviador para observar mejor el cuerpo del animal y nunca vuelve a ponérselas: es el instante en que abandona toda distancia profesional para transformarse en un combatiente. A partir de allí, la película se convierte en un frenesí inagotable de persecuciones, gritos, enfrentamientos con criaturas alienígenas y maniobras automovilísticas imposibles, avanzando a un ritmo vertiginoso que apenas concede una breve pausa antes de volver a lanzarse al caos.

En esta confrontación colosal, Beom-seok se ve acompañado por Sung-ae, una valiente policía novata interpretada por Jung Ho-yeon —estrella de Squid Game—, y por Sung-ki (Zo In-sung), un impetuoso habitante local que participa en uno de los momentos más delirantes de la película: colgado de la parte trasera de un coche policial a toda velocidad mientras permite que la criatura se acerque lo suficiente como para dispararle. En medio del caos, Sung-ae descubre que se ha enamorado de él —de Sung-ki, no del monstruo.

La película introduce además una idea inesperada: los monstruos también tienen sentimientos, y la agresividad casi automática con la que los habitantes reaccionan frente a este extraño visitante podría haber sido precisamente lo que provocó el desastre desde el principio. Las opiniones podrían dividirse respecto al gran giro del tercer acto, que parece insinuar el inicio de una franquicia, e incluso sobre cierta sensación de familiaridad en el diseño de la criatura. Aun así, Hope se impone como un espectáculo exuberante y de altísimo entretenimiento, reafirmando la fascinación global por el movimiento K.

 Peter Bradshaw, The Guardian

4 de 5 estrellas

Garance

Dir. Jeanne Herry

Siempre resulta un placer ver a la divertida e inteligente Adèle Exarchopoulos en Cannes. Después de todo, hizo historia en el festival al convertirse en una de las ganadoras de la Palma de Oro por Blue Is the Warmest Colour en 2013, compartiendo el premio con el director Abdellatif Kechiche y su coprotagonista Léa Seydoux. Exarchopoulos tiene grandes momentos en esta nueva película de Jeanne Herry, donde interpreta a una actriz que lucha con un problema de alcoholismo. Las escenas en las que aparece sobre el escenario, actuando con energía desbordante en una compañía teatral itinerante para escolares, son genuinamente excelentes. Sin embargo, la película termina siendo un drama bastante superficial e insatisfactorio, cuya ingenuidad esencial se vuelve evidente cuando la protagonista debe enfrentar la crisis de su vida.

Exarchopoulos interpreta a Garance, una joven actriz que idolatra al personaje homónimo de Arletty en el clásico Les Enfants du Paradis de Marcel Carné. Actualmente trabaja como asistente de dirección escénica en una prestigiosa compañía teatral de repertorio en París, convencida de que está a punto de recibir papeles importantes cuando se anuncie el reparto de la próxima temporada. Sin embargo, más bien termina relegada a una compañía itinerante para escuelas, donde su talento se ve constantemente saboteado por noches de excesos y mañanas marcadas por resacas devastadoras.

Garance es una de esas personas que llegan tarde y de forma caótica a las reuniones, acumulando excusas melodramáticas sobre trenes y autobuses retrasados. De forma casi inevitable, termina siendo despedida de la compañía, en una salida colectiva que adquiere el tono de una intervención, acompañada de una severa recomendación de buscar ayuda. Mientras inicia una nueva relación con una escenógrafa, Pauline (Sara Giraudeau), esa relación también comienza a resquebrajarse por culpa de su adicción, mientras Garance empieza a sufrir ataques de ansiedad y depresión. Para empeorar las cosas, su hermana embarazada —la voz sensata en su vida— desarrolla cáncer, una crisis médica que parece existir únicamente para empujar a Garance hacia una madurez forzada.

Es cuando Garance se ve obligada por una doctora a confrontar sus decisiones de vida que la película empieza a parecer especialmente frágil. La médica se declara sorprendida de lo bien que luce alguien que, supuestamente, bebe litros de vino blanco al día. Y, efectivamente, resulta sorprendente: Garance sigue pareciendo una estrella de cine impecablemente arreglada. Cuando finalmente admite que debe dejar de beber porque su hígado está colapsando, la película ofrece algunas escenas lacrimógenas sobre el miedo, pero el proceso parece resolverse con una facilidad desconcertante, sin grupos de apoyo ni mayor conflicto. El retrato del alcoholismo termina sintiéndose excesivamente superficial.

Peter Bradshaw, The Guardian

2 de 5 estrellas

Adèle Exarchopoulos entrega una gran interpretación como una actriz que lucha contra la dependencia al alcohol en la tragicomedia de Jeanne Herry, aunque la película no termina de encontrar suficientes elementos para distinguirse plenamente. Cuando conocemos a Garance (Exarchopoulos), durante una función de su compañía teatral, todavía resulta difícil saber qué rumbo tomará su vida: si conseguirá consolidarse o si permanecerá atrapada en esa existencia intermitente de trabajos ocasionales y promesas nunca cumplidas que define a tantos actores. Tras bambalinas, Garance parece integrada al ritmo del teatro; minutos antes de salir a escena, fuma un cigarro mientras una copa de vino blanco —su veneno predilecto— descansa cerca, como si fuera un presagio silencioso de lo que está por venir.

Aunque beber antes de una función puede parecer parte de cierta mitología del oficio, pronto queda claro que este comportamiento dista de ser un caso aislado. Al terminar la temporada, Garance es relegada a las producciones juveniles de la compañía: el público adulto ha sido reemplazado por grupos de escolares dispersos y poco atentos. Aunque parece tomarse el cambio con relativa calma, la degradación marca el inicio de un deterioro paulatino. Una botella de vino pronto se convierte en dos, las mañanas empiezan con el sonido de botellas rompiéndose en el reciclaje y, al mismo ritmo, también se fragmentan sus recuerdos de la noche anterior. Cuando la compañía finalmente interviene y la expulsa —en una escena que Garance bautiza con ironía como “el tribunal de las posibles desgracias”—, la mínima estabilidad que aún sostenía su vida comienza a derrumbarse.

Sin la estructura del trabajo, Garance se aferra todavía más a las personas que la rodean: amistades excéntricas, una vida social desbordada y Pauline (Sara Giraudeau), su incondicional pareja escenógrafa. Garance se define a sí misma como adicta a la gente y parece incapaz de tolerar el silencio o la soledad, ahogándolos compulsivamente copa tras copa. La película despliega entonces una historia profundamente humana sobre la adicción y las relaciones, aunque no siempre consigue anclar con suficiente precisión el contexto particular de una actriz atrapada en una zona gris del oficio: demasiado exitosa para abandonarlo, pero no lo bastante como para sentirse segura de su lugar en él.

Se sugiere que esta precariedad emocional y profesional podría ser la raíz de los hábitos destructivos de Garance, pero la película nunca termina de profundizar del todo en la posibilidad de que su pasión artística sea también aquello que alimenta su caída. Incluso así, Exarchopoulos sobresale con una interpretación comprometida, abrazando cada faceta del temperamento caótico de Garance y de su lento proceso de recuperación.

Las emociones más intensas de Garance parecen quedar encerradas en el primer acto, mientras la segunda mitad pierde fuerza frente a otras historias de rehabilitación ya conocidas. La película deja planteada una reflexión filosófica sobre la relación entre creatividad, codependencia y abuso de sustancias, pero nunca logra llevar del todo esa hipótesis a sus últimas consecuencias.

Yasmine Kandil, Little White Lies