Dos pesos pesados en la sesión de este día en Cannes y una cineasta que no es ajena a la Competencia Oficial. Un filme de  David Cronenberg vintage, que regresa al cine que no había hecho en los últimos veinte años con un filme que declara que “la cirugía es el nuevo sexo”; un homenaje de Valeria Bruni Tedeschi a Patrice Chéreau que más bien termina siendo un autoelogio; y los hermanos Dardenne, parte del mobiliario del festival, presentan otro filme socialmente comprometido que, a su más puro estilo, pone el dedo en otra de las heridas más sangrantes del mundo contemporáneo. 

Crimes of the Future

Dir. David Cronenberg (Canadá-Francia-Grecia-Reino Unido)

“No permitamos que nada sea considerado natural en una época de sangrienta confusión”, dijo Brecht; después de ver este filme las cosas se ven más sangrientas y confusas que siempre. La nueva película de David Cronenberg en la competencia de Cannes, Crimes of the Future, es una atroz exhibición de terror corporal (body-horror) al más puro estilo “Ballardiano” que ya nos entregó con Crash (1996), que giraba acerca de un culto secreto de iniciados devotos a la dimensión erótica de los accidentes automovilísticos. En cuanto a este filme, una de las cuestiones macabras que atestiguamos tiene que ver con un personaje ronroneando apasionadamente: “¡Está jugoso en significado!” O…, bueno, quizá solo jugoso. Pero muy, muy jugoso, ciertamente. 

Las historia se sitúa en un misterioso mundo futuro en el que los cuerpos de la gente están cambiando y todos comienzan a descubrir que se encuentran al borde de una etapa de evolución posthumana. Los avances en la medicina y la analgesia han disminuido las sensaciones física al extremo de que el dolor es cosa del pasado, tanto así que existe una bizarra nueva casta de dementes sibaritas que buscan tenerlo, pero el placer sensual en su vertiente convencional también se está marchitando, al igual que el asco y el miedo que siempre han moderado el comportamiento humano. Y, además de esto, los cuerpos mismos han demostrado que son capaces de generar el crecimiento de nuevos órganos, cuya función no es aún del todo clara. 

El punto es que el filme ha trascendido los términos Serio y Gracioso, más allá de lo Repugnante y lo Sexy. El director ha aclarado que no se trata de un remake de su propio filme de 1970 del mismo nombre, pero existen obvias similitudes en temas como la transgresión, la manipulación clínica de la sexualidad, el fetichismo corporal y extrañas sustancias viscosas saliendo de las bocas de gente joven. ¿Se trata solo de un manierismo? Y, además, una obra acerca de un mundo humano tan impermeable a las calamidades tradicionales que evoluciona su propia galaxia de sensaciones ocultas e internas puede resultar obtusa particularmente cuando aún no hemos logrado salir de una pandemia global. De cualquier forma, es un planeta extraordinario en el que Cronenberg nos hace aterrizar, e insiste que nos quitemos nuestros cascos antes de estar totalmente seguros de que podamos respirar el aire. 

 -Peter Bradshaw, The Guardian 4/5

David Cronenberg en total modo Cronenberg con su Crimes of the Future a un grado que en buena medida había estado ausente en sus dramas psicológicos más apegados a la realidad durante los últimos veinte años. Lo cual es una noticia muy bienvenida para los admiradores veteranos del maestro del horror corporal en su espectro de ciencia ficción más bizarro, incluso si la provocadora premisa aquí -acerca de la evolución humana en la cara de la invasiva tecnología y el medio ambiente inhóspito- es entorpecida por un final que se siente abrupto y poco concluyente. El filme ofrece más misterios de los que resuelve. Empero, el apasionante trabajo de Viggo Mortensen y Léa Seydoux como artistas de performance cuyos lienzos son las mutaciones internas de sus órganos será suficiente para atraer la atención hasta de los curiosos. 

Si bien las referencias a los filmes clásicos de Cronenberg son múltiples, el filme que parece más cercano a éste es Crash, de 1998, que erotizaba las lesiones producidas por colisiones automovilísticas y cuerpos humanos que se someten a peligros mortales con tal de tener emociones sexuales, anticipando a Titane por más de dos décadas. Dado que el guion original de Crimes of the Future fue escrito en 1999, los dos filmes de Cronenberg hacen sentido como piezas de acompañamiento. 

La fascinación de Cronenberg con la intersección entre la vida humana y la tecnología ha informado muchos de sus filmes, y existe una seductora y oscura calidad visual en su exploración de esa inquietante área gris aquí, con invaluables contribuciones de su habitual diseñadora de producción, Carol Spier, y el director de fotografía debutante, Douglas Koch. Incluso más significativo es el efecto envolvente del turbulento score de Howard Shore, un paisaje onírico corpulento, como de cine negro, que le añade sustancia a una historia a la que le faltó cocinarse bien en la página.

-David Rooney, The Hollywood Reporter

Forever Young (Les Amandiers)

Dir. Valeria Bruni-Tedeschi (Francia-Italia)

Drama incesante, pucheros perpetuos y narcisismo contínuo en esta película que genera un cansancio épico de la directora Valerie Bruni-Tedeschi y la guionista Agnes De Sacy acerca de una generación de jóvenes estudiantes de actuación de talento volátil y rígidamente encordado en los ochenta, que son admitidos a la prestigiosa escuela para actores de Patrice Chéreau (director de teatro y cine), el Theatre Des Amandiers en Nanterre.

Con un tema como éste, la sombra de Fame de Alan Parker nunca está lejos, y sería quizá muy fácil imitarla. Pero lo que resulta exasperante de esta película es su renuencia a dramatizar la enseñanza: enseñar a los jóvenes empeñándose en ser mejores actores. Se les ve haciendo interpretación de Platonov, de Chekhov, uno de cuyos temas es la fragilidad e impermanencia de la juventud. Pero su relación con Chekhov no es tomada en serio: la obra simplemente provee escenas incidentales y sirven como telón de fondo para el tonto alboroto como de telenovela. 

 -Peter Bradshaw, The Guardian 2/5

No existen palabras potencialmente más asesinas como consejo creativo que el “escribe de lo que conoces”. Ciertamente es una pena que cuando se ha puesto su sombrero de guionista, Valeria Bruni Tedeschi -una buena actriz y directora con un toque hábil y ligero, especialmente con fresca comedia de personajes-, parece habérselo tomado demasiado en serio. Una vez más regresa a la fuente autobiográfica para su más reciente aventura como directora, Forever Young, que ha coescrito con Agnès De Sacy y su colaboradora habitual, Noémie Lvovsky. 

Existe una extraña miopía autocompasiva alrededor de la riqueza y el privilegio al que Stella (la protagonista del filme) tiene acceso, como si ella pudiera eximirse de cualquier cuestionamiento acerca de esas ventajas por el hecho de que es una persona inocente y bien intencionada. Mucho antes de la conclusión de esta histriónica historia personal tan indulgente, perdemos la paciencia con este personaje con los nervios a flor de piel para quien cada sentimiento es más profundo, más crudo y más apasionado de lo normal -excepto la sensación de que ella quizá alguna vez podría estar equivocada. 

-Jessica Klang, Variety

Tori et Lokita

Dir. Jean-Pierre y Luc Dardenne (Bélgica-Francia)

Los hermanos Dardenne, Jean-Pierre y Luc, han retornado a la competición de Cannes donde ellos han ganado críticas de oro a lo largo de las décadas: dos Palmas de Oro (por Rosetta en 1999 y El niño en 2005) y otros premios incluyendo el de Mejor Guion por El silencio de Lorna en 2008, el Gran Premio por El chico de la bicicleta en 2011, y Mejor Dirección por El joven Ahmed, en 2019. Pero, para mí, el dinamismo de su trabajo ha decrecido en los años recientes, y de pronto hay algunas cuestiones que tienen que ver con ingenuidad en la trama más básica y la verosimilitud, pese a todo el trabajo de evidente investigación que han invertido al hacer el guion. En este filme, por ejemplo -y no por vez primera- los Dardenne incluyen una extraño secuencia superficial de “garrote” en la que alguien es dejado brevemente inconciente, lo que se logra al ser golpeado una vez o dos en la cabeza con algo pesado, un tropo que pensé no había trascendido los programas de tv infantil, en los setenta. El final mismo es un poco naïve en su ejecución, aunque no en realidad en lo que supone sobre la rudeza de la gente que explota inmigrantes vulnerables. 

Habiendo dicho todo esto, sigo respondiendo al latido del idealismo, la urgencia y la fuerza del fime: una parábola plana sobre la inequidad e injusticia dentro de los marginados y desposeídos en el corazón del oeste europeo. Dado que mucho del cine actual parece ser el reflejo de la ironía y la indiferencia, los Dardennes son autores que creen que el cine debe significar algo e intervenir en el mundo real. Siempre me ha impresionado la similitud entre el trabajo de los Dardenne con el del guionista Paul Laverty para Ken Loach aunque, me parece, sin la vena humorística de Laverty/Loach. 

Hay algo de torpeza en el lenguaje dramático aquí y debo admitir se debe a la incomodidad que me provoca la semiautomática selección de los Dardenne en la Competencia Oficial de Cannes. ¿Se están convirtiendo en los gorilas de espalda plateada de Cannes, los ganadores de premio establecidos a quienes se les permite entrar en la competencia con base en su gran trabajo del pasado, no las obras de calidad del presente? Quizá. De cualquier forma, existe una simpleza y claridad en el propósito en este filme a lo que yo respondí, y los Dardenne obtienen excelentes interpretaciones de parte de sus jóvenes protagonistas. 

-Peter Bradshaw, The Guardian 3/5

Cuando se trata de batir comentario ácido en la nueva cultura aspiracional del dinero, las películas no han sido tímidas. Han estado ahí al frente al representar y satirizar cómo es que los ricos no solo están haciendo más ricos sino que se han convertido en modelos a imitar en el proceso. (Es la Nación Kardashian; simplemente ahí vivimos.) La sensación de Cannes, Triangle of Sadness, de Ruben Östlund, puede ser la más espectacular declaración de principios hecha película hasta ahora de la decadencia del corralito de las élites del siglo XXI. Y, sin embargo, ahí está la diversión, la parte sexy de nuestra sociedad crecientemente en la ecuación de la forma en que está distribuida de arriba para abajo. La parte trágica y esencial es la forma en que la concentración de la riqueza deja a casi todos los demás: atados, silenciosamente desesperados, intentando hacerse camino dentro de un sistema que se siente cada vez más como que no fue hecho para ellos. 

Tori y Lokita, el nuevo filme escrito y dirigido por Jean-Pierre y Luc Dardenne es tan espectacular como declaración de principio como Triangle of Sadness. Pero es acerca de lo que está ocurriendo en el raído lado opuesto del espectro económico. 

Que Tori y Lokita construya poderosamente en solo 88 minutos, se agradece. Es una historia que uno podría imaginar a Vittorio De Sica contando alrededor de la era de la injusticia económica.  

-Owen Gleiberman, Variety

Trad. EF