Pocos compositores modernos son tan influyentes como el difunto Jóhann Jóhannsson, que era conocido por escribir paisajes sonoros inmersivos que priorizaban la innovación musical. El hecho de que muchos permanezcamos despiertos por la noche pensando en cómo habría sonado la partitura de Blade Runner 2049 de Jóhannsson (fue reemplazado por Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch) dan fe de la habilidad de Jóhannsson para crear una estética auditiva meticulosa.

Esto no quiere decir que Jóhannsson sea único en este sentido, ya que cualquier gran compositor adapta su estilo específico para servir a la película en cuestión. Por ejemplo, en Schindler’s List, John Williams cambió su estilo romántico característico por una melodía de violín escasa y elegíaca. Del mismo modo, Jerry Goldsmith prescinde de su pompa y bombardeo con inflexiones noir para los temas de Chinatown. Pero la estética de Jóhannsson a menudo dio lugar a composiciones que lograron mucho más que simplemente evocar el tono de una película.

Tal vez vemos (o más bien, escuchamos) esto más claro en Arrival. Para reflejar los temas de comunicación y traducción de la película, Jóhannsson compuso temas que incluían voces humanas, trabajando con el conjunto vocal Theatre of Voices y el vocalista Robert Aiki Aubrey Lowe. Jóhannsson incluso tomó muestras del músico de avant-garde Joan La Barbara, cuya melodía vocal punzante y puntiaguda se puede escuchar en Heptapod B. El resultado es una partitura que suena totalmente ajena a este mundo, mientras se insiste en una humanidad subyacente, una destilación sónica de la película por sí misma. Pero para Jóhannsson, este tipo de trabajo no comenzó con Arrival; los momentos más ominosos de la partitura son una reminiscencia del humor de Prisoners, mientras que la emotividad subestimada y los prolongados períodos de silencio recuerdan los álbumes en solitario como Virðulegu forsetar. Pero, en última instancia, el trabajo de Jóhannsson sobre Arrival se basa en su propia identidad distinta que impide comparaciones inmediatas con composiciones anteriores.

Lo mismo podría decirse del trabajo de Jóhannsson en Sicario, una banda sonora de percusión y pulso que en gran medida sirve para aumentar el temor en la película. En temas como The Beast, se hace evidente que la partitura tiene más en común con el diseño de sonido que la música de cine tradicional -una elección creativa que se aprovecharía por completo en Mother! de Darren Aronofsky, a la que se atribuye a Jóhannsson como músico y consultor de sonido, en lugar de compositor. La película carece de banda sonora, ya que se basa por completo en los sonidos de la casa de madera crujiente y en el infierno que se gesta dentro de ella. De nuevo, Jóhannsson estaba dispuesto a preferir la estética por encima de todo.

Pero a pesar de todos los bordes y las pistas incisivas en la discografía de Jóhannsson, al final del día, era un compositor capaz de crear en el oyente un sentimiento de sentimiento elevado. Por cada Prisoners o Sicario, obtuvo una partitura como en The Theory of Everything, que lo hizo ganador del Golden Globe -música llena de emoción, que no tiene límites, tal vez incluso amplificada, por una tendencia al minimalismo-. En la canción principal de The Theory of Everything, Jóhannsson necesita poco más que un piano para despertar una galaxia de emoción. Esto posiblemente se ejemplifique mejor con su tema The Whirling Ways of Stars that Pass, en el que Jóhannsson llega a evocar Stargazers de John Williams para E.T. The Extra-Terrestrial.

Tal vez la esencia del estilo de Jóhannsson no sea el ambiente extraño, con influencias electrónicas en Arrival y Sicario, sino más bien, un pathos sincero. Incluso en Sicario, este elemento de su música se asoma en pistas como Desert Music, donde una melodía de cuerda solitaria desafía la brutalidad de la partitura. Y en los álbumes solistas de Jóhannsson, como Orphee o Englabörn, se exhibe en pistas como Flight from the City, que cubre al oyente con cálidos acordes de piano. Se dice a menudo que Jóhannsson ha traficado con música ambiental, pero eso es fácil de olvidar cuando su música es tan emocionalmente provocativa.

Como resultado, la disposición de Jóhannsson para abrazar la estética de una película, la combinación con la emoción subyacente que impulsa su música, lo posiciona como el compositor ideal para Mandy, una película centrada en una relación amorosa amenazada por la estetizante y surrealista violencia. Como tal, Jóhannsson ofrece un melancólico ensueño con Children of the New Dawn, su pathos característico en Mandy Love Theme y el temor en Forging the Beast al estilo Sicario. En conjunto, las partituras indica una convergencia de los rasgos más definitivos de Jóhannsson, el compositor, un término apropiado para uno de los músicos más talentosos del mundo.

Pero tal vez Mandy gesticula hacia algo más grande. Como una banda sonora que imita el sangriento caos en la pantalla, mientras sigue encontrando su centro emocional, Mandy sugiere que encontrar reposo es posible a pesar del intenso dolor. Quizás podamos abstraer esta línea de pensamiento para lidiar con la desafortunada ausencia de Jóhannsson, no solo en el mundo de las partituras de películas, sino también en el mundo, y punto. La cautivadora partitura orquestal de Jóhannsson para The Mercy, lanzada antes de su muerte en febrero, se convierte en un aura elogiosa y tributaria como resultado de lo que vino después. Ni siquiera hemos escuchado lo último de él todavía: su partitura final, para Mary Magdalene de Garth Davies, aún no se ha lanzado oficialmente, y cuando lo haga, la escucharemos repetidamente. Puede que hayamos perdido a Jóhannsson, pero el arte y la emoción de su música seguramente perdurarán.

Trad. EnFilme

Fuente:  Fandor