FICUNAM: Competencia Internacional - ENFILME.COM
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FICUNAM: Competencia Internacional
Publicado el 06 - Mar - 2014
 
 
Nepal Forever, Three Exercises of Interpretation o Stop the Pounding Heart, son algunos de los filmes en competencia Internacional. Cintas que proponen una línea de formación de públicos en torno al cine apreciado como obra artí - ENFILME.COM
 
 
 

 

-Esta nota se irá actualizando durante todo el festival, del 27 al 9 de marzo-

 · Inauguración · Primeros días · Competencia internacional ·

Three Exercises of Interpretation (Dir. Cristi Puiu, Francia-Rumania, 2013)

El filme surgió de un taller de actuación de tres semanas intensivas realizadas en Toulouse en 2011, coordinado por el cineasta Cristi Puiu (La muerte del señor Lazarescu, 2005; Aurora, 2010) quien trabajó bajo los auspicios de Les Chantiers Nomades, un centro francés de investigación en artes escénicas y cine. Cada ejercicio incluye un encuentro improvisado entre cuatro personajes diferentes. En "El ratón debajo de la mesa", un académico se reúne con un amigo y visitan a una pareja burguesa para comer juntos. A pesar de la cordialidad que mantienen, los prejuicios sobre el género y la clase pronto salen a relucir. "El gato está en la silla" convoca a otro cuarteto para otra comida, donde la conversación se centra en la relevancia de la fe y el pacifismo político. Entre otras discusiones, hablan sobre las virtudes, pero también las pretensiones del cine de autor (Apichatpong Weerasethakul es aludido contundentemente). En "El mono está en la rama" cuatro mujeres abordan el tema del amor y las relaciones fallidas.

Reconfigurando las obras del filósofo ruso Vladimir Solovyov (Tres conversaciones y Un cuento breve sobre el Anticristo), el filme es una especie de tríptico que desemboca en una sesión espiritista en la que los doce personajes –convencidos o no de entablar un nuevo diálogo con una fuerza sobrenatural– han llegado ahí por alguna razón: enfrentar sus miedos.

LFG (@luisfer_crimi)

 

When Evening Falls on Bucharest or Metabolism (Dir. Corneliu Porumboiu, Rumania-Francia, 2013)

Paul (Bogdan Dumitrache), un joven director de cine, se encuentra realizando un filme con la actriz, Alina (Diana Avramut). Desea acostarse con ella, y prolonga las semanas de filmación fingiendo que padece una úlcera –él mismo filma una endoscopía para demostrar su afirmación–. En sus constantes pláticas y ensayos para determinar el sentido del filme y el tono de las escenas, surgen los prejuicios culturales de cada uno de ellos. ¿Cuál es la comida más sofisticada? ¿Cuáles son los parámetros para determinar si alguien es buen guionista o no? ¿En qué momento se justifica una escena de desnudo?

Con encuadres minuciosos, composiciones simétricas, planos abiertos y tomas de larga duración, el tercer largometraje de Corneliu Porumbiou (12:08 East of Bucharest, 2006; Police, Adjective, 2009) inicia con una declaración sobre los límites de filmar en celuloide, y cómo estas restricciones influyen en el quehacer cinematográfico. El filme funciona como un ente que, mediante su metabolismo, busca ingerir la realidad y digerirla hasta transformarla en una ficción. Así como la endoscopía es un trayecto por el interior del cuerpo, When Evening… es un trayecto al interior del cine. La dictadura rumana y sus consecuencias se convirtieron en el tema clave de la Nueva Ola Rumana, y en su superficie, la nueva película de Porumbiou es un intento por escapar de ello. Sin embargo, a pesar de ser una “puesta en abismo”, es también un espejo de la sociedad rumana y los residuos que han quedado del brutal régimen de Nicolae Ceaușescu; los personajes demuestran actitudes autoritarias, donde difícilmente la opinión del otro cuenta.

LFG (@luisfer_crimi)

 

Detén el corazón Palpitante (Stop the Pounding Heart, Dir. Roberto Minervini, 2013)

El tercer y último capítulo de una trilogía del director italiano con sede en Estados Unidos, Roberto Minervini enteramente dedicada al estudio de la zona rural de Texas , Detén el corazón palpitante camina entre la tenue línea que separa el documental de la ficción. La cinta, sigue el día a día de la joven de los 17 años de edad, Sara Carlson y su familia, quienes se dedican a la crianza de cabras y la agricultura, hasta que una crisis de fe y de identidad perturbe el entorno religioso – incluso fundamentalista – de la familia para la que la Biblia establece todas las reglas de la vida.

El íntimo retrato de la familia Carlson -guiado por una de sus integrantes Sara- que realiza Minervini constituye una representación de la vida que transcurre entre la ganadería, el disparo de armas e fuego y el montar toros. Con fuertes ecos en el cine de Carlos Reygadas -actores no profesionales, un entorno rural idílico, la dinámica hombre/naturaleza- e incluso la organicidad del estilo de Terrence Malick, Detén el corazón palpitante es una cinta que apela, como la mirada de su protagonista, a la apreciación de la sutileza.

JAR (@franzkie_)

 

Nepal por siempre (Nepal Forever, Dir. Aliona Polunina, Rusia, 2013)

Sergei y Víctor representan al Comité Central de la ONG de Comunistas de Rusia en el San Petesburgo actual. Son dos políticos leninistas preocupados por el porvenir ideológico del comunismo mundial en el siglo XXI. Esa inquietud los lleva a viajar a Nepal para unificar a dos facciones comunistas que están enfrentadas desde 1996 (los marxistas leninistas y los maoístas), e impiden el progreso de una posible revolución. Pero los decididos hombres serán testigos de los cambios sociales en una región que les parece ajena (no saben qué pasa en el mundo), incapaces de aceptar una ideología estancada. Sin pensar que ellos podrían ser habitantes de la misma incertidumbre. Lo que está claro para ellos es que en el mundo moderno todo está de cabeza.

Nepal Forever se presenta a modo de documental, cómico, una tragicomedia del pasado que choca con el presente. La férrea convicción de los dos protagonistas, ingenua, ante la liviandad y cinismo de las nuevas generaciones ante un pensamiento anacrónico. La dupla, Sergei y Víctor, a lo Don Quijote y Sancho Panza resulta víctima de vandalismos, se confunde a la hora de visitar la Embajada de Corea del Norte y se entromete en una serie de asuntos de política local, dando discursos que parecen sacados de los años 50, como si el Muro de Berlín jamás hubiera caído, ante un público igualmente confundido. Pasamos de los paisajes nevados a escenarios semitropicales acompañando a los dos viajeros que llegan a una conclusión, sin terminar de asumir el presente: el futuro del comunismo internacional sigue siendo poco clara.

VSM (@SofiaSanmarin)

 

Historia de mi muerte (Història de la meva mort, Dir. Albert Serra, España/Francia)

Este filme combina y cruza las historias de dos personajes míticos: Casanova y el Conde Drácula. La primera parte de la cinta se centra en el peculiar y decadente Casanova trasladado a un tiempo contemporáneo pero atrapado en su época, especialmente en la forma casual en la que el personaje se relaciona y comunica, haciendo que sus escenas transcurran en una especie de “no tiempo” y “no lugar”.

En un viaje hacia los Cárpatos, Casanova acompañado de su sirviente Pompeu, comienza a sentir malestares físicos que coinciden con la aparición paulatina del Conde Drácula. La presencia siniestra del Conde modificará el tono de luminosa y casi festiva decadencia en el otro. La combinación con la historia de Drácula presenta el conflicto entre dos formas disímiles de acercarse al mundo. El segundo, oscuro aunque igualmente seductor, en especial para las “niñas” que caerán en sus garras. 

VSM (@SofiaSanmarin)

 

 

Rebelión Zanj 

 (Zanj Revolution,  Dir. Tariq Teguia, Algeria/Francia/Líbano/Qatar, 2013)

Mientras Ibn Battuta (Fethi Ghares), un periodista de guerra argelino, realiza un reportaje sobre las protestas del sur de Argelia, conoce a un encapuchado que pertenece a los zanj, descendientes de esclavos negros, una clase oprimida que se rebeló en el siglo IX en Irak. Cansado ​​de una vida en la que inevitablemente será enviado a cubrir motín, Ibn se obsesiona con el tema y convence a su editor para que le permita llevar a cabo la investigación y escribir un artículo sobre está peculiar historia de sobrevivientes de las insurrecciones en Medio Oriente. Ante la negativa y el escaso presupuesto designado, se las arregla para ser enviado a Beirut. En su travesía conocerá a Nahla (Diyana Sabri), una activista que vive en Salónica con sus padres palestinos exiliados, que viaja a Beirut para conocer su raíces con el pretexto de conseguir dinero para los refugiados en Shatila. Ibn y Nahla cruzarán sus caminos en una tierra extraña, cada uno en sus respectivas misiones.

Revolución Zanj, es el tercer largometraje de Tariq Teguia, una pieza que ofrece escasas imágenes de una insurrección como dice su título. Más que conflictos con armas, la película desata crisis de ideas, despierta debates para entender la historia de las insurrecciones populares en el Medio Oriente. Una cinta que refleja los bulliciosos cambios políticos en aquella región durante los últimos tres años. Revolución Zanj ofrece un tratado oportuno y exhaustivamente intelectual sobre los flujos y reflujos de los movimientos políticos en el mundo árabe. Los encuadres meticulosos, especialmente a Ibn y Nahla, en paísajes enormes deshumanizados acentúan su existencia en medio de esas corrientes históricas, políticas y económicas. Haciendo que los personajes naveguen en soledad su camino hacia sus epifanías, mientras reina la confusión en torno a ellos.

VSM (@SofiaSanmarin)

 

El lugar del hijo (Dir. Manolo Nieto, Uruguay-Argentina, 2013)

Manolo Nieto sitúa su narración en 2001 poco después de la crisis Argentina que también tuvo sus estragos sobre la nación uruguaya. Ariel Cruz (Felipe Dieste) reside en Montevideo como estudiante, pero deberá trasladarse a la provincia de Salto, en donde vive su padre que acaba de fallecer.

Como en la novela de Adolfo Bioy Casares, Diario de la Guerra del Cerdo, la cinta funciona como un sistema simbólico que sirve para retratar de manera mordaz, tragicómicamente, la realidad del pueblo, no sólo uruguayo, sino que podría involucrar a toda Latinoamérica en su totalidad. Las deudas del padre, sus pecados y sus errores, persiguen al hijo, a merced de quienes incluso logran sacar provecho de su situación. Ariel sufre un problema neurológico que le impide moverse con soltura, tener completo control de su cuerpo. A pesar de su situación es capaz de tomar conciencia del mundo pusilánime a su alrededor, la farsa carnavalesca de los estudiantes que se dicen disidentes, la inutilidad de los movimientos obreros que se han visto degradados a un acto estéril, melifluo. Los rencores del campo contra la ciudad, de las provincias contra la capital, los jóvenes contra los ancianos, el sustrato parricida de las sociedades latinoamericanas que se hace manifiesto. Así Ariel, pese a sus limitaciones, se vive y es capaz de contrarrestar la decidía que lo rodea.

AS (@albertosandel)    

 

 

Life Span Of The Object In Frame (A Film About The Film Not Yet Shot) (Dir. Alksander Balagura, Ucrania- Italia, 2013)

Un laberinto es la materia oscura que planea devolvernos algún atisbo de certidumbre, una puesta abismada que se representa a sí misma en miniatura, dentro de un laberinto aún mayor, que a su vez, siguiendo esta continuidad de repetición, este laberinto sería la parte central del mundo al que pertenece el espectador mientras observa el filme.

En apariencia no existe un eje narrativo o una tesis central que sirva como piedra angular al largometraje. Algo ha cambiado en nuestras vidas en los últimos 15 o 20 años, reflexiona el filme al inicio, de manera casi desapercibida, podríamos olvidar la resonancia de estas palabras conforme avanzan las secuencias, conforme las imágenes se suceden y se dislocan entre sí. En algunos momentos el equipo de producción reflexiona sobre la película que están por filmar, en otro momento, un hombre habla con el guionista Tonino Guerra, y discuten sobre el arte, la vigencia de Dante. En este remolino de conceptos superpuestos, sobresale la vuelta al laberinto que empieza a armarse conforme vemos imágenes de los ensayos del movimiento Muybridge, Isadora Duncan dando piruetas u hombres desnudos practicando esgrima; junto a imágenes capturadas por diversos fotógrafos rusos, pequeños trazos parecidos a una intención lúdica de aspecto documental, algunas narraciones que se construyen al momento en que una voz en off las narra, una habitación en el mar que aparece sólo después de ser nombrada.  

El filme construye una autoexploración desde sus origen, de alguna forma histórico, por otra parte conceptual y formal, en la que este no se ciñe exclusivamente al entorno pictórico, va más allá desde fundamentos ontológicos y filosóficos más profundos, la metáfora, la realidad, el simulacro. A partir de una fotografía de una mujer dormida bajo un puesto de pescado seco, o quizá una carta escrita al reverso de una fotografía que pertenecía a sus padres, cualquier eje que dote de un sentido narrativo tiende a difuminarse, como un trazo esquivo. El absurdo o la lógica denigrada, no son impedimento, ni un tropiezo aleatorio, en el camino de esta autoexploración, esta búsqueda ensayística del filme, que sin enunciarlo, y a través de metáforas e imágenes, tiros y formatos, llegué a desentrañar aquello que ha cambiado en los últimos 15 o 20 años, algo que banalmente podría referirse al formato de las imágenes, pero que, sin embargo, quizá podría apuntar más al fondo, al orden del mundo, o de la realidad frente a lo real.  

AS (@albertosandel)

 

Navajazo (Dir. Ricardo Silva, México-Francia, 2014)

Coleccionistas de juguetes, huérfanos, migrantes, drogadictos, prostitutas, vagabundos, criminales, dealers, músicos satánicos, actores de videohomes y directores de pornografía, todos ellos habitan en Tijuana, y también en Navajazo, un filme que constantemente recuerda las heridas que jamás cierran, y que plantea una especie de apocalipsis imaginado y compartido donde todos ellos son sobrevivientes dispuestos a hacer lo que sea con tal de mantenerse en pie.

Cansado de la supuesta objetividad de los documentales, Ricardo Silva crea  una “etnoficción” (etnografía + ficción), término creado por Martin Lienhard donde se recrea el discurso del otro. El autor, en este caso Silva, construye un discurso étnico artificial colocándose la máscara del otro creando una atmósfera de poca certeza porque el espectador no sabe hacia donde se dirige el relato, o los pequeños relatos que conforman Navajazo. Personajes llenos de rabia; su violencia sube hasta sus gargantas y contundentemente lanzan un escupitajo al espectador. Así de agresivo y sin concesiones es el filme de Ricardo Silva, un reto difícil de digerir, pero contundente en su realización.

LFG (@luisfer_crimi)

 

Joy of Man’s Desiring (Dir. Denis Côté, Canadá, 2014)

El prolífico cineasta de Quebec, Denis Côté, explora el mundo del trabajo en un filme híbrido que conjuga ficción y documental (los actores conviven con los trabajadores). Se trata de un estudio poético sobre la vida industrial, las fábricas, las jornadas laborales y el significado del trabajo. Mediante el montaje, que busca darle ritmo a la narración y acompañar la “coreografía” de las máquinas, Côté crea una serie de viñetas que muestra a los trabajadores y la forma en que se relacionan con las actividades que realizan; felices o nostálgicos, emocionados o decaídos, así son los trabajadores al final de su jornada diaria.

Vemos poderosas maquinarias y oímos ruidos ensordecedores. Y en esa atmósfera habitan las personas que operan las máquinas; concentrados en procesos abstractos que tienen como recompensa la elaboración de productos concretos. Joy of Man’s Desiring (Que ta joie demeure) –alusión a la obra de J.S. Bach no sólo en el título, sino también presente en el filme– de Denis Côté no es un documental acerca de ser un esclavo de la máquina, la alienación, la deshumanización y la explotación. El sonido y la imagen, la edición y la estructura dramática se conjugan para adaptar los talleres y pisos de las fábricas en el espacio cinematográfico con el fin de explorar los entornos en los que se lleva a cabo el trabajo.

LFG (@luisfer_crimi)

 

 

Costa da Morte

(Coast of Death, Dir. Lois Patiño, España)

En Costa da Morte, Patiño deja para la memoria registro de una región legendaria situada en Galicia, un espacio otrora fantasmal que debe su dramático nombre a los numerosos naufragios que han sucedido desde la época del Imperio Romano, a causa de la niebla y las tormentas. Bajo la mirada del director, atravesamos esa tierra para conocer a las habitantes actuales: pescadores, recolectores de mariscos, madereros. Atestiguamos, su batalla diaria con un entorno natural hosco, que les despierta amor y odio, pero al que se han acostumbrado y no están dispuestos a abandonar. 

El viento, la piedra, el mar, el fuego, son personajes en este filme, y a través de ellos nos acercamos al misterio que supone el paisaje, entendido como una unidad junto al hombre, la historia y el mito. Desde la distancia, la cámara deja que sus protagonistas nos cuenten y desenreden sus vidas. Todos ellos como figuras perdidas en un paisaje enorme que los envuelve y da sentido. Así descubrimos las historias de traficantes, de mariscadores, de paseantes, de pescadores, de humillados, de despistados y de ofendidos. Una cinta luminosa y precisa.

 VSM (@SofiaSanmarin)

Costa da Morte. (teaser 2) from lois patiño on Vimeo.

Mouton (Dir. Marianne Pistone, Gilles Deroo, Francia, 2013)

Mouton sigue la historia de un joven con problemas mentales (apodado “Oveja”, Mouton en francés), quien se libera del “cuidado” de una madre abusiva, para encontrar su propio camino trabajando en la cocina de un restaurante de lujo junto al mar en el norte de Francia. Su estancia en este sitio, servirá para que genere amistades, destrezas en la cocina e, incluso, despierte a la sexualidad con su primer amor; sin embargo, el peculiar adolescente será arrancado de forma abrupta y violenta de esta vida, después de que la tragedia aparezca en una noche de baile y fiesta. La separación de Mouton de este sitio derivará, asimismo, en historias residuales que retratan a sus amigos, a aquellos que permanecen en ese lugar que parece siempre estático, siempre colmado de esperanzas infructuosas.

Filmada con estilo minimalista, la película se construye por medio de largas escenas –aparentemente sin incidentes- que funciona en dos vías: como “arrullo” al espectador para que este cree un falso sentido de seguridad que, al borde del ensueño, es apuñalado por la tragedia y como secuencias, que lejos de ser redundantes, buscan inmiscuirse en la mundanidad de la existencia humana. Así, con su delicado ritmo, Oveja  es fluctuante como las huellas de los perros errantes de la playa donde el joven corre, como los cándidos gestos en su rostro, como la vida de aquellos que pese a su partida, se afirma, “nunca lo olvidarán”.

JAR (@franzkie_)

 
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