CINE Y ARTE. Las influencias pictóricas de Roy Andersson

Vean aquí World of Glory, cortometraje de Roy Andersson

Introducción

Con sólo 6 largometrajes en una carrera que abarca más de 50 años, Roy Andersson no parece ser el cineasta más productivo. Pero las primeras impresiones son engañosas, porque dirigió más de 400 comerciales (a menudo divertidísimos), así como una serie de cortometrajes, entre ellos el poderoso World of Glory (1991), que proporcionó el primer indicio de la nueva fascinación de Andersson por lo absurdo de la vida y nuestra ignorancia colectiva frente a la historia.

Los largometrajes de Andersson de los últimos días se reconocen instantáneamente por su presentación estilizada y su enfoque pictórico, con una cámara estática que filma a los personajes en escenarios construidos, sumamente escénicos. Andersson siempre ha sido un gran fanático de la pintura y se ha esforzado por hacer películas que fijen al espectador en el tiempo y el espacio, como lo haría una pintura. Le fascinan especialmente los lienzos a menudo horripilantes del expresionista alemán Otto Dix, cuyo arte se centró en la brutalidad de la guerra, sus traumas y efectos en la sociedad alemana. Pero también hay claras influencias de Edward Hopper y sus cuadros vacíos, que muestran la alienación y la soledad de la vida moderna.

Y es esto lo que hace que las películas de Andersson no sean una píldora fácil de tragar precisamente porque se parecen mucho a las pinturas. Hay mucha espera involucrada, tanto para los personajes como para los espectadores. También están llenos de humor oscuro y absurdo. Las películas de Andersson son todo menos escapistas. Son una mirada larga y dura a nosotros mismos. El crítico Roger Ebert describió las películas como si siguieran una lógica de desesperación sin esperanza a la vista.

La nueva película de Andersson, About Endlessness, centrada en un pastor que ha perdido su fe en Dios y se pregunta por qué vivir, no es una excepción. Más aún que en sus películas anteriores, aquí Andersson echa un vistazo al peso de lo que ha sido y lo que es, y a nuestros intentos de lidiar con ello.

El mejor lugar para comenzar

A pesar de que las películas de Andersson se proyectaron en los principales festivales de cine internacionales a lo largo de su carrera, fue el León de Oro por A Pigeon Sat on a Branch Reflecting on Existence en el Festival de Cine de Venecia en 2014 lo que llevó su trabajo a un público más amplio. Mientras que World of Glory tenía un contexto histórico explícito -la Segunda Guerra Mundial, particularmente el Holocausto- A Pigeon Sat on a Branch Reflecting on Existence está mucho más enfocado en el aquí y ahora, en la pesadez del ser y la locura de la existencia.

Es un excelente punto de entrada a su estilo específico, así como al humor inexpresivo y seco que recorre su trabajo. Sus 46 cuadros son livianos, divertidos (excepto por una sola escena) y te hacen reír de ti mismo. Los 2 vendedores, interpretados por Nils Westblom y Holger Andersson, que intentan (sin éxito) vender sus nuevos dientes de vampiro u otros artilugios supuestamente divertidos, son simplemente un placer verlos, a pesar de su creciente desesperación ante sus intentos fallidos de sacar provecho de sus nuevos productos que deberían hacer reír a la gente. Por desgracia, nadie se ríe.

Una vez que hayas pasado casi 2 horas en compañía de los peculiares personajes de Andersson, no te sorprenderá en absoluto que el Museo de Arte y Diseño de Nueva York, que dedicó una retrospectiva al director en 2015, tituló su temporada It’s Hard to Be Human: The Cinema of Roy Andersson.

Qué ver a continuación

A Pigeon Sat on a Branch Reflecting on Existence es la tercera parte de la "Trilogía viviente" de Andersson, que comenzó en 2000 con Songs from the Second Floor. Fue aquí donde, después de un descanso de 25 años en la realización de largometrajes, Andersson comenzó a crear su nuevo estilo distintivo. Cada escena está cuidadosamente montada, sus decorados se construyen elaboradamente durante varios meses en un estudio y la iluminación específica hace que los actores y actrices parezcan tan pálidos como puede ser. Esta iluminación penetra cada centímetro del encuadre, sin crear nunca sombras para que los personajes se escondan. Las películas de Andersson no ocultan; ponen al descubierto toda la amplitud de las emociones humanas.

"No es fácil ser humano", dice un personaje en la película. Cuando Kalle, interpretado por Lars Nordh, recoge una cruz de madera en una feria de negocios para mejorar su negocio fallido, es el año 1999 y con el próximo 2000 aniversario del nacimiento de Jesús, un socio comercial le ha dicho que habrá una carrera en honor al Jesús crucificado, modelo que se convierte en un icono de todos los personajes de las películas de Andersson: desesperado, cansado, vacío, pero aguantando.

Pasaron otros 7 años antes de que Andersson reapareciera con esta próxima película. La parte media de su trilogía, You, the Living (2007), está mucho más organizada en torno a un hilo narrativo. Hay un psicólogo que ha dejado de asesorar a las personas porque cree que no se puede ayudar a las personas. Ahora solo prescribe pastillas. Un peluquero afeita el cabello de un cliente en respuesta al racismo abierto de este último. Un profesor sufre un colapso emocional en clase. Mientras tanto, una banda militar que toca música edificante nunca está lejos, independientemente de lo absurda que sea la situación.

Con cada nueva película de su trilogía (y más allá), Andersson se vuelve un poco más explícito, un poco más directo sobre la condición humana, pero nunca enseña ni predica sobre lo que deberíamos hacer mejor. Sus películas solo nos muestran que Shakespeare tenía razón: todo el mundo es un escenario, y todos los hombres y mujeres son meros actores.

Por donde no empezar

A los 27 años, y solo un año después de graduarse en el Instituto de Cine Sueco, Andersson dirigió A Swedish Love Story (1970), su primer largometraje. Siguiendo a dos adolescentes que descubren la belleza y el dolor del amor, la película encaja en un molde mucho más convencional, pero resultó ser un gran éxito para el joven director. Seleccionado para el XX Festival de Cine de Berlín y elegido como entrada de Suecia a los Oscar, su recepción lo animó a continuar su camino como cineasta.

Cinco años después, presentó Giliap (1975), que fue un fracaso comercial y crítico. Después de críticas abrumadoramente negativas dentro y fuera de Suecia, Andersson desapareció del cine durante un cuarto de siglo para centrarse en hacer comerciales.

Estas dos primeras películas son partes cruciales de la filmografía de Andersson, pero se parecen poco a las películas absurdas por las que ahora es conocido. Al igual que con el director húngaro Béla Tarr, cuya primera trilogía social-realista mostró destellos del estilo posterior del director, las películas iniciales de Andersson podrían considerarse un campo de entrenamiento para sus piezas posteriores. Fue solo después del cambio de milenio que el cine de Andersson realmente tomó vuelo.

Trad. EnFilme

Fuente: BFI