Jean-Luc Godard: 10 filmes esenciales de la era posterior a la Nueva Ola, según el BFI - ENFILME.COM
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Jean-Luc Godard: 10 filmes esenciales de la era posterior a la Nueva Ola, según el BFI
Publicado el 04 - Feb - 2016
 
 
La Nueva ola francesa es sólo un capítulo en una carrera en la que llevó al cine hasta el límite. - ENFILME.COM
 
 
 

En la conciencia popular, Jean-Luc Godard se define por los hitos cinematográficos que realizó entre 1960 y 1967, pero la Nueva ola francesa es sólo un capítulo en una carrera en la que se dedicó a llevar al cine hasta el límite.

En las décadas que siguieron, hizo obras políticas colectivistas y experimentos pioneros de vídeo, antes de regresar a las películas de ficción postmodernistas. Si las películas de la nouvelle vague son su Songs of Innocence, los filmes posteriores al 68 constituyen sus Songs of Experience. Estas películas –opacas, de forma desafiante e innovadoras– son obras autorreflexivas de la crítica cultural, preocupadas por el poder de la imagen en movimiento, así como la trayectoria artística del propio director.

Abajo te presentamos 10 filmes esenciales de ese momento en la carrera de Godard.

 

Schick Aftershave Commercial (1971)

La decisión de Godard de hacer un comercial para una marca de loción para después del afeitado en la cúspide de su periodo marxista puede parecer curiosa, pero de hecho hizo varios comerciales durante su carrera, incluyendo algunos de jeans, cigarros y aparatos eléctricos (además del trailer de Mouchette, dirigida por Robert Bresson en 1967).

 

Tout va bien (1972)

Este filme marca el punto medio entre el enfoque estilístico brechtiano del colectivo marxista, Dziga Vertov Group, al discurso político y la obra más accesible de Godard, basada en la ficción de la década de 1980.

 

Numéro deux (1975)

En Numéro deux, gran parte de la narración se desarrolla en dos pantallas dentro del encuadre, anticipando la forma en la que se consumirán los medios de comunicación en el futuro –en fragmentos y con nuestras mentes obsesionadas con lo que podría estar pasando en la otra pantalla.

 

Sauve qui peut (la vie) (1980)

Con la estrella de rock francesa, Jacques Dutronc, interpretando a un director (llamado Godard, por cierto) en crisis, es tentador ver la imagen como una toma fragmentaria y difícil de alcanzar de los temas de Le Mépris (1963) para la era posterior a la nueva ola, a la vez crítico y un reflejo de la evolución artística de Godard durante los años intermedios.

 

Scénario du film ‘Passion’ (1982)

Consumido por la idea de lo que significa hacer una película en la era de la tecnología cambiante, Godard plantea este documento de la creación como el cine de un futuro tecnocrático no especificado.

 

Je vous salue, Marie (1985)

En Je vous salue, Marie, Godard ofrece una crítica lúdica de su uso de la representación femenina en el cine, confundiéndola con la fabricación de mitos de la iglesia católica. Godard utiliza a menudo representaciones míticas de la feminidad - de Carmen a María - para explorar su propia relación con las mujeres.

 

King Lear (1987)

La película en sí es un milagro, protagonizada por Peter Sellers como un descendiente de Shakespeare buscando restaurar su trabajo en una edad postapocalíptica de la amnesia cultural. La obra en sí misma permanece en el fondo, y sirve como piedra de toque temático para la película, en particular en su tratamiento de las ideas centrales de la locura y la herencia.

 

Histoire(s) du cinéma (1988-98)

Quizás el mayor logro de Godard, Histoire(s) du cinéma es su opinión acerca de la historia del cine, estructurado como cuatro episodios de televisión. Es una película sobre el poder abrumador de la imagen, donde la clave es el uso innovador de la yuxtaposición con imágenes de archivo de atrocidades modernas superpuestas a las obras cinematográficas clave, cambiando el significado de ambos en el proceso.

 

JLG/JLG - autoportrait de décembre (1995)

Construido con las técnicas de distanciamiento godardianas habituales, "autorretrato" es un término equivocado predecible, pero la imagen todavía ofrece mucha visión para aquellos a su alcance. Es una biografía a través de la alusión, lo que sugiere que el artista es un producto no sólo de la técnica que hace, sino de lo que consume.

 

Goodbye to Language (2014)

Temáticamente en deuda con Frankenstein de Mary Shelley, Goodbye to Language es la posición de Godard respecto a la creación de un monstruo, con el director en el papel del científico loco. Mientras deja que su creación se reúna tracción intelectual y emocional, impone su propia voluntad mediante la interrupción de la fidelidad visual de la imagen del audio.

 

CRM (@carociwa)

Fuente: British Film Institute

 
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