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La progresión del cine de autor, según Paul Schrader
Publicado el 25 - May - 2018
 
 
En 1972, el futuro guionista (Taxi Driver, Raging Bull) y director (Hardcore, First Reformed), Paul Schrader era un joven crítico de cine que escribió un libro muy influyente sobre cómo tres cineastas -Robert Bress - ENFILME.COM
 
 
 

Paul Schrader y los pasos a seguir para escribir el guion de ‘Taxi Driver’

En 1972, el futuro guionista (Taxi Driver, Raging Bull) y director (Hardcore, First Reformed), Paul Schrader era un joven crítico de cine que escribió un libro muy influyente sobre cómo tres cineastas -Robert Bresson, Yasujiro Ozu, y Carl Dreyer- habían forjado un nuevo terreno al traer una dimensión espiritual al lenguaje cinematográfico: Transcendental Style in Film. Schrader mostró cómo el uso de planos por parte de estos directores, que tenían una duración más larga y se bloqueaban (marcos fijos sin movimiento), tanto para ocultar la información visual como para capturar una acción de despliegue más lenta, servía como un dispositivo de distanciamiento que “podía crear una nueva realidad cinematográfica: una trascendente”.

Esta semana, la Universidad de California Press vuelve a publicar el libro de Schrader con una nueva introducción de 35 páginas del autor. Schrader quería volver a visitar el libro porque se había dado cuenta de que lo que describió hace 46 años era en realidad parte de una tendencia más amplia en el cine. Hubo muchos directores después de la Segunda Guerra Mundial que se habían alejado del cine narrativo hacia un cine más lento, pero no necesariamente estaban interesados ​​en lo trascendental o espiritual.

“El error que cometí con el libro fue que pensé que esto, llamado estilo trascendental, era un fenómeno independiente”, dijo Schrader en una entrevista con IndieWire.

Me di cuenta de que era parte de un fenómeno más amplio, el neorrealismo de la posguerra, o lo que [el filósofo francés] Gilles Deleuze llamó la 'imagen del tiempo': el cambio en la historia del cine del movimiento dentro de la imagen es crítica para el desplazamiento de la longitud de la imagen que se está observando.

La nueva introducción destaca cómo, después de la Primera Guerra Mundial, directores como Vittorio De Sica, Roberto Rossellini, Ingmar Bergman, Jacques Rivette y Bresson comenzaron a ralentizar las cosas y cambiar la forma en que las audiencias veían las películas. Estos cineastas, de acuerdo con Schrader, usaron hábilmente el “tiempo muerto”, o lo que él llama el “bisturí del aburrimiento”, e involucraron a sus espectadores de una nueva manera.

Estos primeros maestros del 'escalpelo del aburrimiento' eran bastante buenos, pero ahora, como cualquier otro movimiento, a medida que avanza se vuelve más extremo. Obtiene cada vez más casos de aburrimiento por sí mismo, que es completamente válido artísticamente, pero no es realmente parte de la tradición del cine comercial.

En la nueva introducción, Schrader elabora un diagrama para mostrar cómo los autores cinematográficos se mueven en tres direcciones diferentes a medida que se alejan de la narrativa.

*Están los cineastas de una categoría denominada Surveillance Cam (Cámara de vigilancia), aquellos que enfatizan la captura de la realidad cotidiana.

*Existe Art Gallery (Galería de arte), que es un movimiento hacia las imágenes puras: la luz y el color, que pueden manifestarse en películas que son abstractas, o en forma de sueño

*Y la tercera dirección es Mandala, o cine de ‘meditación’, películas que funcionan en el espectador casi como un trance.

“Presenté esta cosmogonía de dónde estaban todos estos directores después de liberarse del núcleo de la narrativa y son electrones que disparan en estas tres direcciones”, dijo Schrader. “También dibujé lo que llamé el Tarkovsky Ring (Anillo de Tarkovsky). Lo que sucede cuando un artista pasa por ahí, ese es el punto en el que ya no está haciendo cine para un público que paga. Lo está haciendo para instituciones, museos, etc.”.

Trad. EnFilme

Fuente: IndieWire

 
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