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La representación de los artistas en el cine de Julian Schnabel
Publicado el 18 - Sep - 2018
 
 
Julian Schnabel se ha convertido en uno de los artistas más exitosos convertidos en cineastas en la historia del cine. - ENFILME.COM
 
 
 

Julian Schnabel se ha convertido en uno de los artistas más exitosos convertidos en cineastas en la historia del cine, obteniendo una nominación al Oscar y una victoria en Cannes al Mejor Director con su obra maestra de 2007 The Diving Bell and the Butterfly. En esa película, Schnabel convirtió su cámara en una recreación del momento decisivo en la vida del autor Jean-Dominique Bauby -cuando superó su parálisis causada por un accidente cerebrovascular- para escribir sus memorias con solo la capacidad de pestañear con el ojo izquierdo.

Con At Eternity's Gate, su nueva biopic no tan tradicional sobre Vincent Van Gogh, que se estrenó en Venecia y es protagonizada por Willem Dafoe (que se llevó a casa la Copa Volpi como Mejor Actor), parece que Schnabel ha hecho otra película centrada en el artista digna de ser aclamada y reconocida. Pero, por extraño que parezca, al mirar la filmografía de Schnabel, uno se da cuenta de que sus únicas películas "exitosas" tratan de las vidas de los artistas, ya sean pintores, poetas, novelistas o músicos.

De hecho, la película de Schnabel mal recibida, Miral, no se trata de un artista, sino de un activista.

En sus películas, Schnabel encuentra el alma de sus temas principales, y usa la narración fragmentada y no lineal para desentrañar las profundidades de sus personajes. ¿Qué los hace funcionar? ¿Cuáles son sus pensamientos más íntimos sobre su arte y sociedad? A pesar de todo, incluso cuando no proporciona respuestas, los éxitos definidos de Schnabel apuntan a su búsqueda de la verdad artística.

Esta búsqueda podría provenir de los orígenes del director como pintor. La carrera artística de Schnabel seguramente ha influido en sus películas sensibles y visualmente impulsadas. Desde muy temprana edad, la carrera artística de Schnabel se lanzó con gran acierto por sus pinturas en placas neo-expresionistas. Sin embargo, después de algunos años de aclamación, la recepción de su trabajo se hizo más silenciosa, si no es que abiertamente criticada.

Este rechazo de su trabajo como artista es el elemento que hace que su trabajo como cineasta sea tan exitoso; esto se duplica cuando los temas de sus películas son personas con las que encuentra un terreno común, tanto narrativamente como artísticamente.

En su primer largometraje, Basquiat de 1996, Schnabel pinta un retrato conmovedor y con estilo (aunque algo ficticio) del rápido ascenso y la temprana muerte de Jean-Michel Basquiat. La mayoría de los críticos vieron la película como una forma de que Schnabel exprese sus propias opiniones sobre el mundo del arte y cuán dañina puede ser la crítica para alguien. Schnabel fue tan lejos como para decir: "Sé lo que es ser atacado como artista. Sé lo que es ser juzgado como artista. Sé lo que es llegar como artista y tener fama y notoriedad. Sé lo que es ser acusado de cosas que nunca dijiste o hiciste. Sé lo que es ser descrito como una exageración. Sé lo que es ser apreciado y degradado".

El segundo largometraje de Schnabel, Before Night Falls, presentaría una evolución aún mayor de cómo sus tendencias impresionistas como artista beneficiarían en última instancia a sus películas. Enfrentado con la vida del poeta cubano Reinaldo Arenas (interpretado por Javier Bardem, quien recibiría una nominación al Oscar por el papel), la dirección de Schnabel sería más discreta aquí y no tan agresivamente elegante como lo fue en Basquiat. Aquí, Schnabel está una vez más interesado en superponer la historia con el simbolismo, en lugar de la narrativa tradicional. Cuando vemos a Arenas por primera vez, él no es un hombre en el medio de su carrera que reflexiona sobre su vida o el joven revolucionario que lucharía por la independencia de Cuba, ni el hombre que eventualmente criticaría la carrera de Castro. En cambio, a la audiencia se le da una oportunidad de ver a un bebé jugando en un corral enlodado (que también podría pasar como una tumba). La impresión podría ser literal, un signo de la pobreza de su familia. Pero también podría leerse como la primera introducción de Arenas a la Tierra que detallaría tan vigorosa y apasionadamente en su trabajo.

Esta racha de excelentes películas continuó con The Diving Bell and the Butterfly, con Schnabel una vez más demostrando ser un experto en resaltar la mentalidad de un artista que lucha contra la tragedia de la vida y la belleza del arte y su poder para ayudar a superar las dificultades. Donde ciertos cineastas o películas usan la discapacidad de alguien para el pathos (The Theory of Everything más recientemente, o I Am Sam más notoriamente), Schnabel usa la parálisis de Jean-Dominique Bauby como una forma de permitir que las cualidades imaginativas de un artista sean el triunfante punto focal de la historia. Al hacer esto, Schnabel una vez más se libera de los límites narrativos y se permite, como artista, hacerse cargo de los procedimientos, permitiendo que la película construya un retrato emocional (si bien elíptico) de Bauby.

Después de estas tres exitosas películas, la carrera de Schnabel se detuvo con Miral. La película es fiel a la estética onírica de Schnabel, pero para muchos, debido a la naturaleza más bien arraigada de la historia (y al contexto altamente político del conflicto israelí-palestino), su estilo no funcionó al servicio de sus personajes de la misma manera que lo hizo para sus películas sobre artistas. Muchos críticos declararon que la dirección de Schnabel parecía "no comprometerse" con el material, y la película obtuvo críticas mordaces del Festival de Cine de Venecia en 2010.

Una vez más, Schnabel enfrentó duras críticas en su carrera. Y una vez más, se tomó un largo descanso antes de regresar al trabajo. Pero desde las primeras críticas positivas y la victoria de la Copa Volpi para At Eternity's Gate, es evidente que Schnabel una vez más ha utilizado sus críticas y su estilo cinematográfico único para crear un retrato que captura algo especial: que el arte puede tener la llave de la verdad, tanto para los artistas mismos y para el público (incluidos los críticos).

 

Trad. EnFilme

Fuente:  Fandor

 
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