Mirar películas durante todo el año es un trabajo soñado, pero cuanto más agresivo se trata de rastrear cada título, más difícil se vuelve disminuir esa experiencia a 10 espacios. Hace unos años, decidimos que aprovecharíamos la progresión de la década y dejaríamos que la lista creciera un poco más cada año, por lo que después de las mejores 18 películas del año pasado de 2018, las perspectivas de una ranura más abierta nos intrigaron. La creación de la lista comienza antes de enero, con películas que se abrirán en el próximo año, pero que se estrenaron antes en el circuito del festival. Y se llena de gente desde el principio.

Resulta que 19 todavía no es suficiente. Y así, el adagio anual pide repetir una vez más: cualquiera que piense que fue un mal año para las películas simplemente no ha visto suficientes. Claro, las películas enfrentan una serie de amenazas existenciales, desde la disminución de la taquilla hasta las guerras de streaming y las pequeñas pantallas que nos distraen de prácticamente cualquier dirección. Scorsese está preocupado por las películas de Marvel, las películas de Marvel quieren devorar a Scorsese, y todos en el medio no saben por dónde empezar. Pero la forma de arte hizo caso omiso del pánico y siguió entregándose. Las mejores películas de este año estaban relacionadas con el caos del mundo moderno: familias que se desmoronan, las fuerzas capitalistas se hacen cargo, la disfunción sistemática tiene un costo personal, lo que sea. Estos logros proporcionan ventanas esenciales sobre quiénes somos y hacia dónde nos dirigimos. Vivimos en medio de tiempos terribles. Gracias a Dios que las películas nos están ayudando a resolver el desastre.

19. High Life

Dir. Claire Denis

Más de 50 años después de 2001: A Space Odyssey, los cineastas todavía se amontonan en su sombra, armando óperas espaciales heladas que carecen de los mismos escalofríos cerebrales. La brillantez del tan esperado proyecto de Claire Denis es la forma en que arroja esas tradiciones al éter y reconstruye el subgénero a través de su propia estética provocativa. Es una meditación inquietante sobre el aislamiento, el deseo y la búsqueda existencial de escapar de los límites de una rutina monótona. Y se mantiene firme en su visión: la épica triste de Denis se cierne sobre la claustrofobia y el temor psicológico antes de trazar un camino hacia la redención y la catarsis familiar.

Sin embargo, a pesar de su enérgica presunción, High Life también funciona como un mundo de ciencia ficción legítimo, que se desarrolla en un futuro lejano creíble en el que los prisioneros pasan sus días en medio de un vacío negro, obligados a completar un trabajo sin sentido para mantener intacto su suministro de oxígeno; En su centro, Monte (Robert Pattinson) lidia con los recuerdos de un barco que una vez tuvo más tripulación encarcelada. Como es habitual en estos días, Pattinson se fusiona con la estética seductora de su director, canalizando las frustraciones a fuego lento de su personaje encarcelado en un charco de incertidumbres. En una película con muchas bolas curvas locas, su personaje proporciona una pieza central fascinante junto con los desarrollos más salvajes. Lanzada en un momento en que la ciencia ficción interestelar continúa alimentando la franquicia más grande de todos los tiempos, High Life ofrece el mejor contraste: Star Wars para el alma.

18. Her Smell

Dir. Alex Ross Perry

El perfil de hard rock de Alex Ross Perry presenta la mejor actuación de Elisabeth Moss como una reina del escenario alimentada por las drogas cuyo estilo de vida rudo finalmente la alcanza. Eso por sí solo no distingue la película de innumerables otros que se ocupan de este tema indecoroso, pero Her Smell se eleva sobre los diversos retratos itinerantes de solitarios neuróticos al mantener una capacidad implacable para cavar dentro del viaje descarriado de su personaje. Con una década de experiencias en la vida del punk rockero Becky Something, con cinco escenas absorbentes, Her Smell eclipsa algunos de los logros cinematográficos más caros del año con un deslumbrante trabajo de cámara y diseño de sonido, todo centrado en la conexión hipnótica de Olsen con el material retorcido.

Mientras Becky Something y su banda corren a través de los enfrentamientos entre bastidores y las disputas domésticas, la película se convierte en una de las transiciones de escena más grandes del cine reciente: un aluvión de sonido y movimiento caótico, socavado por la repentina tranquilidad del silencio absoluto, diseñado para evocar la transición de Becky en una nueva etapa de la vida.

17. One Child Nation

Dir. Nanfu Wang, Lynn Zhang

La política de un solo hijo de China duró desde 1979 hasta 2015, convirtiéndose en una parte tan orgánica de la historia y cultura del país que se ha dado por sentado en todo el mundo. Con One Child Nation, Nanfu Wang retira el velo para revelar su devastadora historia.

Trabajando con el codirector Jialing Zhang, la cineasta explora años de persecución y temor generalizado engendrado por la aplicación de la política por parte del gobierno. Usando una lente personal notable, la película examina las reverberaciones de la propaganda sobre familias rotas a través de múltiples generaciones. El efecto acumulativo crea la sensación de que su impacto destructivo continúa sintiéndose mucho más allá de las fronteras de China.

Wang investigó por primera vez el sistema de justicia quebrado del país con su debut Hooligan Sparrow, que se centró en un caso de violación infantil, pero realizó un trabajo más íntimo con su segundo largometraje, I Am Another You, en el que siguió a un joven hombre sin hogar en todo Estados Unidos. Con One Child Nation, combina esos modos fusionando su tema masivo con su propio punto de vista a través de una voz en off sincera. Ahora madre de un recién nacido, Wang contempla el futuro de su bebé nacido en Estados Unidos en el contexto de su propia infancia. En el final sombrío, One Child Nation deja la impresión de que si bien un capítulo perturbador en la historia de China ha terminado, el siguiente acaba de comenzar. Es una síntesis triunfal de la narración de historias en primera persona y el cálculo histórico que merece cualquier vida en China.

16. The Souvenir

Dir. Joanna Hogg

La autora británica Joanna Hogg ha sido uno de los secretos mejor guardados del circuito de festivales durante años, a pesar de que sus estudios de personajes íntimos y texturizados han establecido la singularidad de su voz. The Souvenir no cambió exactamente eso, pero muestra una profundización de las habilidades narrativas que ha perfeccionado en los esfuerzos anteriores Archipelago y Exhibition  al excavar en su propia vida. Las películas de Hogg a menudo tratan con personajes privilegiados frustrados por su entorno y en busca de experiencias más auténticas; Ahora sabemos por qué.

La primera mitad de la saga de dos partes se desarrolla como una pieza delicada de la década de 1980, con la deslumbrante Honor Swinton Byrne. El giro semi-ficticio de la joven Swinton como aspirante a cineasta, Julie, que se está de un romance desafortunado con el sofisticado drogadicto Tom (Tom Burke), se desarrolla en fragmentos silenciosos de anhelo intelectual a medida que avanza hacia un final devastador.

El deseo artístico de Julie y su romance despreocupado disfrazan inseguridades profundamente arraigadas, y Hogg los saca a la luz lentamente a medida que el drama se desarrolla hacia estallidos de enfrentamientos emocionales. La cineasta se destaca por adoptar un enfoque de combustión lenta, incluida una escena de la cena en la que la terrible verdad sobre su condenada relación finalmente sale a la luz. Pero esta no es sólo otra historia de ruptura. En cambio, The Souvenir traza un camino para encontrar la catarsis a través de la creatividad, cómo algunas de las experiencias más horribles pueden engendrar un gran arte. La pintura de Fragonard del siglo XVIII que le da a la película su título insinúa los fundamentos eternos de las experiencias de Julie, y la toma final lo combina con una encapsulación poética de su viaje a un llamado superior. Es un cliffhanger brillante, y con la segunda parte en camino, The Souvenir es la franquicia más emocionante de 2019.

15. Clemency

Dir. Chinonye Chukwu

El ganador del Gran Premio del Jurado de EE. UU. de Sundance es un logro importante en varios niveles. La directora Chinonye Chukwu, la primera mujer negra en ganar el primer premio del festival, ha elaborado una mirada inquietante a las experiencias de un alcaide de la prisión (Alfre Woodard) a cargo de los hombres en el corredor de la muerte. Woodard nunca ha sido mejor como la helada Bernadine Williams, una mujer que intenta llevar a cabo su trabajo con una precisión casi mecánica, incluso cuando comienza a experimentar una crisis moral.

Mientras comienza la cuenta regresiva para la ejecución del prisionero potencialmente inocente Anthony Woods (Aldis Hodge, también de primera clase), Bernadine lucha por reconciliar su agitación emocional con las demandas del trabajo. Chukwu representa este mundo misterioso con detalles de ejecución desgarradores y una ventana matizada hacia la burocracia del proceso de la prisión, pero la película se convierte en un clímax emocional asombroso que atraviesa la oscuridad cuando la lucha interna de Bernadine finalmente se abre paso. La actuación de Woodard en estos momentos es una clase magistral histórica de procesamiento matizado; ella merece un Oscar solo por estos pocos minutos. En el papel, la película puede parecer una venta difícil, pero Clemency funciona tan bien en la creación de suspenso momento a momento, y proporciona un escaparate tan excelente para su estrella, que transforma el material sombrío en un viaje visceral, un evento sin precedentes. interrogatorio de la pena de muerte de adentro hacia afuera.

14. The Lighthouse

Dir. Robert Eggers

El apasionante psicodrama náutico en blanco y negro de Robert Eggers se basa en un mar de referencias potentes. El seguimiento hipnótico del cineasta a The Witch evoca a los fantasmas de Herman Melville y Andrei Tarkovsky, con dosis abundantes de Stanley Kubrick y Bela Tarr en buena medida. Es un escaparate impresionante para Robert Pattinson y Willem Dafoe para desatar sus extremos más salvajes, colocándolos en el centro de un juego de dos manos sobre un descenso a la locura en medio de la nada. Por encima de todo, The Lighthouse es la mejor película sobre malos compañeros de cuarto jamás realizada.

Al igual que con The Witch, la función de segundo año de Eggers se centra en un pequeño grupo de personajes rodeados de elementos y consumidos por fuerzas invisibles que los vuelven locos a todos en el proceso. Y una vez más, el título lo dice todo: ambientado en algún momento de la década de 1890, The Lighthouse encuentra a Thomas Wake (Dafoe) y Efraim Winslow (Pattinson) llegando a ese puesto remoto, donde el faro acuático se extiende desde un pequeño islote rocoso hasta un cielo calcáreo. Pasan la película deambulando por sus grietas embarradas y embrujadas, y mientras la película transmite su destino desde el principio, la emoción proviene de ver cómo toma forma su espiral descendente errática.

13. The Nightingale

Dir. Jennifer Kent

The Nightingale toma material indecoroso y lo convierte en una historia liberadora de cálculos históricos. A diferencia de los inquietantes fantasmas del debut de la directora Jennifer Kent, The Babadook, esta magistral pieza se desarrolla en la Australia colonial alrededor de 1825, mientras el convicto irlandés Clare (Aisling Franciosi), condenada a servidumbre por contrato, sobrevive a una violación desgarradora y se embarca en un vertiginoso viaje en busca de venganza. Después de que su marido y su hijo recién nacido son asesinados por su maestro agresivo, un oficial británico (Sam Claflin), Clare une fuerzas con un guía aborigen reticente (Baykali Ganambarr) en un peligroso viaje a través del denso bosque para localizar al hombre que arruinó su vida.

La película combina el gran tapiz de una época épica con las tribulaciones íntimas de su víctima mientras se enfrenta a su situación; las imágenes oscilan desde paisajes deslumbrantes hasta pesadillas góticas a medida que Clare se acerca a enfrentar a su objetivo. Mucho más que una historia de venganza por violación, The Nightingale le permite a la cineasta expandirse sobre motivos de violencia y agitación psicológica sin repetirse. El drama de Kent lucha con la victimización en múltiples frentes, no sólo luchando con las experiencias de Clare sino también con la persecución de los pueblos aborígenes, haciendo malabarismos con las dimensiones reprimidas de la psique australiana con un ojo sofisticado. No escatima en la violencia, pero se las arregla para interrogarla al mismo tiempo, explorando el deseo de retribución y lo que realmente significa para las víctimas en cuestión. Una provocación brillante cargada de sentimiento y que vale la inversión incluso para los espectadores más malintencionados.

12. Apollo 11

Dir. Todd Douglas Miller

Se necesita mucha ambición para abordar uno de los momentos más emblemáticos de la historia y encontrar una manera de hacerlo fresco. La saga del alunizaje tiene el mismo tipo de inevitabilidad narrativa que el hundimiento del Titanic: sabes cómo termina, entonces, ¿qué queda por explorar? Mientras que First Man de Damien Chazelle encontró un gancho íntimo en su solitario Neil Armstrong, el deslumbrante montaje de Apollo 11 se alegra en el proceso: el director Todd Douglas Miller ensambla un torbellino de imágenes de archivo y comunicaciones de radio en un tenso real de suspenso en el tiempo sobre el suspenso del avance tecnológico. A medida que la película pasa del dramático drama del control de la misión a la amenazante escala de la plataforma de lanzamiento (más apreciada en IMAX, donde la película de 70 mm hace su magia), Miller deconstruye la mitología del primer alunizaje al ilustrar la pura sofisticación involucrada en llevándolos allí.

Al mismo tiempo, Apolo 11 a menudo corta a las multitudes que observan los logros desde lejos, recordando cuánto logros científicos pueden apoderarse de la imaginación del público y convertirse en una fuerza unificadora diferente a todo lo que se ve hoy en día. Si bien tiene lugar en el pasado distante, Apolo 11 prácticamente se desarrolla como la ciencia ficción, dada la cantidad de décadas que han pasado desde la última vez que enviamos astronautas a nuestro vecino en el cielo. Al final de la película, una cosa está clara: tenemos que regresar.

11. Atlantics

Dir. Mati Diop

Varias películas recientes han explorado la crisis de los refugiados como una propuesta mortal, desde el documental Fire at Sea hasta Mediterranean, que se centran en intentos dramáticos de cruzar el océano en barcos desvencijados. La distinción notable de Atlantics de Mati Diop es la forma en que magnifica las experiencias de los que se quedan atrás. El magnífico debut como directora de Diop se centra en las experiencias de una joven llamada Ada (Mama Sané) atrapada en circunstancias represivas en la costa de Senegal después de que su novio se desvanece en su camino a España. Pero está menos obsesionado con su partida con otros lugareños que su impacto en Ada y la comunidad que la rodea, ya que se enfrenta al espeluznante espectro de los muchachos que se fueron.

Una actriz y cineasta cuyos cortos experimentales tocan temas similares, el primer largometraje de Diop lanza un hechizo complicado que podría no hacer clic para algunos espectadores en una visualización inicial, hasta que lo piensen, y todo tiene sentido: más que una excelente fábula neorrealista, Atlantics es, de hecho, una poderosa obra de fantasía, entrelazando conceptos sobrenaturales en una visión absorbente de la vida marina alienada. Es una historia de fantasmas en la que todos están obsesionados por el deseo de escapar, y una historia cautivadora de anhelo romántico como ningún otro.

10. Portrait of a Lady on Fire

Dir. Céline Sciamma

En los últimos 12 años, Céline Sciamma se ha convertido constantemente en una de las nuevas voces más emocionantes del cine francés, con una serie de conmovedores dramas centrados en las mujeres jóvenes que ofrecen nuevas experiencias conmovedoras cada vez. Desde Water Lilies hasta Tomboy y Girlhood, Sciamma se ha destacado por probar el drama de la mayoría de edad desde nuevos ángulos, evaluando la identidad sexual emergente y los instintos rebeldes mientras se cierne dentro de las emociones ambiguas que despiertan. Esa fijación constante ha producido su logro más seguro hasta la fecha, un romance cálido y exuberante que proviene de tradiciones familiares, incluso cuando los acorrala en nuevas direcciones.

El lírico drama lésbico del siglo XVIII de Sciamma encuentra a la joven pintora Marianne (una discreta Noémie Merlant) asignada para pintar a la rica heredera Héloïse (la siempre fascinante Adèle Haenel) durante un verano en una isla remota. El escenario se transforma gradualmente en un logro pictórico propio, con los paisajes rocosos y las olas del océano acentuando el vínculo gradual entre las dos mujeres y cómo desafía los límites lingüísticos de su tiempo. Sciamma compensa eso usando el lenguaje del cine para llenar los vacíos: un encantador y fantástico himno al amor prohibido, la película se basa en una serie de momentos operísticos emocionantes, que incluyen un número musical espectacular que catapulta la historia desde los límites de su entorno para lograr un éxtasis eterno.

9. The Farewell

Dir. Lulu Wang

Cualquier persona con una gran familia china que se remonta a varias generaciones probablemente apreciará mucho la que se muestra con tierno detalle en The Farewell, la segunda y conmovedora película de la directora Lulu Wang. Para todos los demás, el rendimiento de Awkwafina es una excelente puerta de entrada. La mejor actuación de la rapera convertida en actriz se aleja bruscamente de sus alocados papeles secundarios para un retrato sobrio y totalmente creíble de las frustraciones interculturales. Como una estadounidense de origen chino que lidia con el tradicionalismo de su pasado y su impacto en el futuro, es el motor central de la mirada introspectiva de la película a una reunión familiar muy inusual. Basado en un episodio de 2016 de This American Life extraído de las propias experiencias de Wang, The Farewell se centra en Billi, una escritora de Nueva York sin trabajo que se entera de sus padres de que su amada abuela - es decir, su “Nai Nai”(Zhao Shuzhen) - tiene cáncer terminal. Si bien esta premisa podría haber dado lugar a un drama peculiar, el enfoque moderado de Wang produce una inmersión lenta en la vida de su personaje, mientras lucha con las emociones conflictivas de lealtad y resentimiento que definen su vida adulta. The Farewell ofrece una ventana notable a la identidad asiático-americana con la que seguramente se relacionarán las audiencias futuras, y una bienvenida introducción a una cineasta que recién comienza.

Sin embargo, más allá de todo eso, The Farewell hace frente a la exageración porque sigue siendo tan inclasificable, definido mejor por su premisa que cualquier género en particular, la película pasa de dramatismo familiar a thriller y viceversa antes de transformarse en algo completamente diferente.

8. Us

Dir. Jordan Peele

El debut de Jordan Peele en 2017, Get Out, fue un hito en la narración afroamericana, rompió récords de taquilla y sirvió como una llamada de atención representativa a la industria del cine, pero no habría tenido tanto peso si no fuera también una experiencia visual tan gratificante. Su segundo esfuerzo, Us, demuestra que el golpe sorpresa no fue una casualidad. La segunda salida de Peele como escritor-director se enfrenta a las ridículamente altas expectativas de su predecesor al pasar a un lienzo más amplio de ideas sobre la identidad fracturada de la nación. En el proceso, le brinda al público exactamente lo que quiere al entregar lo que menos espera.

En un nivel, Us trata sobre una crisis de identidad paralizante, transformada en un monstruo literal: como Adelaide, Lupita Nyong'o ofrece su actuación más ambiciosa hasta la fecha, interpretando tanto a una esposa como a una madre con problemas que se recuperan de un misterioso encuentro traumático en su vida. Pero ella no está sola, ya que el esposo Gable (Winston Duke, en un modo hilarante de padre incómodo) y los niños pequeños Zora (Shahadi Wright Joseph) y Jason (Evan Alex) deben protegerse de sus propios dobles mientras la espeluznante familia de espejos invade sus remotas vacaciones junto al lago. Pero este fantástico riff es simplemente un punto de partida para un riff abstracto sobre la identidad fracturada de Estados Unidos. Mientras que Get Out era una sátira puntiaguda de las confusas relaciones raciales de la nación, Us da un giro más amplio al excepcionalismo estadounidense, y cómo la tendencia a pensar que somos los buenos generalmente oscurece algunas cosas muy malas. Al envolver esa acusación mordaz en prendas de género fascinantes, Peele ha logrado el mejor golpe de la cultura pop. Otra vez.

7. Marriage Story

Dir. Noah Baumbach

El poder de Marriage Story proviene de la forma en que trasciende la simplicidad de su premisa, con el escritor y director Noah Baumbach haciendo coincidir el material de su película más personal con la ambición cinematográfica de sobra, y un par de actuaciones devastadoras de Adam Driver y Scarlett Johansson. Comienza desde un lugar familiar, luego se cuela en la trascendencia.

La ironía de Marriage Story es que la historia tiene más que ver con los detalles del proceso de divorcio, la forma en que se desarrollan las intrincadas legalidades en las salas de reuniones y los intercambios severos de la corte en desacuerdo con las frágiles circunstancias. En el transcurso de 136 minutos absorbentes, mientras la película navega por la disparidad de las perspectivas de la pareja Charlie y Nicole, Baumbach no intenta reconstruir el camino hacia el divorcio, sino la compleja confusión psicológica que provoca para sus protagonistas.

Marriage Story se extiende más allá de los méritos obvios del guion de Baumbach. La película ha sido dirigida a una pulgada de su vida, de modo que incluso las salas de conferencias y los apartamentos claustrofóbicos se transforman en fondos poéticos para la confrontación gradual de los personajes con el final de sus vidas juntos. La actuación espectacular Driver puede ser un momento viral en desarrollo, pero es el extraordinario montaje de apertura de siete minutos de Baumbach que realmente tira el guante, estableciendo a Baumbach como un autor importante que sabe cómo usar el medio para transmitir la mentalidad conflictiva de los personajes absortos sobre los que ha estado escribiendo durante décadas. Esta es la apoteosis de su visión, una capacidad sorprendente de empatizar con personas de ambos lados de una disputa irresoluble.

6. Parasite

Dir. Bong Joon Ho

La ganadora de la Palma de Oro, de Bong Joon-ho, Parasite, gira en torno a una familia que toma una residencia rica, poco a poco, pero la mejor secuencia los encuentra atrapados. Cuando un desarrollo inesperado (sin spoilers aquí) pone en riesgo su esquema, se ven obligados a esconderse en varios pasillos de la casa expansiva, debajo de las tablas del piso y en las paredes. Es una encarnación visual sorprendente de la guerra de clases en el corazón de la película, llevando esa fijación de gran parte del trabajo de Bong, desde Barking Dogs Never Bite hasta Snowpiercer, en el que las personas menos afortunadas intentan tomar el control de las condiciones.

Como el patriarca Kim, Song Kang-ho lidera un fantástico conjunto de estafadores que se abren paso en una casa desprevenida tan perdida en la estabilidad de su riqueza que están completamente ciegos a las luchas de personas de otros mundos. El diseño del escenario histórico de Bong, que literalmente construyó la casa donde se desarrollan los eventos centrales desde cero, proporciona un laberinto cinematográfico único para interrogar los temas robustos de la película. Justo cuando parece haberse asentado en su ritmo de cómic oscuro, el guion de Bong dispara una bola curva en la mezcla, aumentando las apuestas con un conjunto completamente nuevo de circunstancias y personajes tan desesperados por la supervivencia como la intrigante familia en el centro de la película.

Nada va según el plan en Parasite, pero como Kim le dice a su hijo, nada sale mal cuando no tienes un plan. Eso no es exactamente un buen consejo, pero dice mucho sobre la trayectoria sabia e impredecible de esta película, ya que muestra el inevitable resultado de los instintos autodestructivos antes de trazar un camino aún más sorprendente hacia alguna medida de esperanza.

5. Uncut Gems

Dir. Josh Safdie, Ben Safdie

Adam Sandler ha encarnado muchas figuras odiosas y absortas a lo largo de los años, pero con Uncut Gems, interpreta al personaje más despreciable en una carrera de 30 años. El seguimiento de los directores Josh y Benny Safdie a Good Time se encuentra en la misma longitud de onda: abrasivo, desquiciado, impulsado por una borrosa insoportable de movimiento y ruido. También es un acto magistral de alto nivel, que combina imágenes cósmicas con la energía arenosa de un thriller psicológico oscuro y repentinas explosiones de comedia frenética, y es la primera película que realmente se comunica con las fuerzas performativas de Sandler desde Punch-Drunk Love. Si Uncut Gems deja a la gente aturdida, desorientada, buscando claridad en el caos de la rutina agitada de un hombre, que habla de la precisión absoluta de un logro visionario en pleno control.

Después de todo, es una película de los hermanos Safdie. Desde The Pleasure of Being Robbed en 2008, estos cineastas hermanos se han destacado por excavar dentro de la mentalidad de personajes conducidos a tendencias destructivas sólo para sobrevivir otro día. El padre disfuncional de Daddy Longlegs también puede existir en el mismo universo inquieto que los furiosos adictos en Heaven Knows What y el desventurado criminal y amoroso hermano de Robert Pattinson en Good Time. Con Uncut Gems, agregan los Safdie una creación más impetuosa para su entorno nervioso de la ciudad de Nueva York, y es una explosión hipnótica verlo cobrar vida.

Sin embargo, las alegrías de Uncut Gems van mucho más allá del factor Sandler: los directores han creado la mejor película de Nueva York por completo a través del prisma de su talento cinematográfico de cosecha propia. La película está en comunión con el espíritu de Scorsese (productor ejecutivo), pero desarrolla un ritmo ardiente e implacable que se siente nuevo: película deportiva a partes iguales, saga de juego libre y un himno a las neurosis judías, Uncut Gems no hace excusas para su ajetreado antihéroe, incluso cuando se adentra tan profundamente en su psique que es difícil imaginar lo que tiene que pasar para escapar finalmente de sus garras. Pero cuando la película llega allí, llega como un alivio agridulce. Uncut Gems es una sobrecarga sensorial para las edades.

4. Long Day’s Journey Into Night

Dir. Bi Gan

Long Day’s Journey Into Night de Bi Gan no tiene nada que ver con la película del mismo título de Eugene O'Neill, pero esa no es la única mala dirección en el juego. El segundo esfuerzo del director chino es una aplicación fascinante de la innovación cinematográfica hacia fines expresionistas. El neo-noir lírico de Bi comienza con la historia poética de un hombre que regresa a su ciudad natal y busca un amor perdido hace mucho tiempo, luego lo encuentra poniéndose sus gafas 3D en una sala de cine, una señal para que el público haga lo mismo, ya que la película se lanza en una asombrosa toma de 55 minutos de duración completamente en 3D.

Ese truco puede sonar bien en el papel, pero alcanza un nuevo nivel de intriga cinematográfica como una experiencia inmersiva, que se desarrolla dentro de un contexto surrealista que combina la magia técnica con el arte. El inesperado hijo amoroso de Wong Kar-wai y Andrei Tarkovsky, se transforma de pastiche de combustión lenta a una apuesta de cine audaz mientras mantiene la sofisticación pictórica de su sección anterior. Es a la vez lánguido y alucinante. En diciembre pasado, se enfrentó a una severa reacción violenta en su China natal después de que el distribuidor engañó al público para que pensara que era un romance tradicional (pero no antes de recaudar $37.1 millones en un fin de semana). Uno sólo puede esperar que algunas de las audiencias emerjan de la película exactamente de la manera que el cineasta pretendía: sorprendidos por una experiencia completamente nueva y mejor que la que cualquier romance tradicional podría ofrecer. Este es el tipo de cine original tan digno de celebración que realmente debería pasar de contrabando a espectadores desprevenidos si eso es lo que se necesita para que tomen nota.

3. Monos

Dir. Alejandro Landes

Monos tiene lugar en las densas selvas y las neblinosas cimas de las montañas del norte de Colombia, pero bien podría ser otro planeta. La emocionante saga de supervivencia del director Alejandro Landes rastrea a un grupo disfuncional de jóvenes militantes mientras atraviesan terrenos peligrosos, participando en un comportamiento salvaje mientras juegan con su mortificada rehén estadounidense (Julianne Nicholson), pero nunca revelan sus motivaciones. En partes iguales, Lord of the Flies y Aguirre, the Wrath of God, la tercera película de Landes destila la guerra de guerrillas en pura anarquía.

Al eliminar el contexto sociopolítico, Monos proporciona una ventana al caos hambriento de poder en los márgenes de la sociedad que podría ocurrir en cualquier momento y en cualquier lugar, pero representa sus enfrentamientos agitados con una intensidad de "tú estás allí" que sólo podría tener lugar en el presente. Ayudado por el estruendoso score del compositor Mica Levi, Landes ofrece una encapsulación de suspenso de jóvenes alienados enredados en batallas sin sentido que sólo pueden conducir a una mayor destrucción.

2. The Irishman

Dir. Martin Scorsese

Nadie hace películas de gángsters como Martin Scorsese. Este truismo se ha mantenido firme durante décadas, y con The Irishman, es básicamente una religión. Como el asesino a sueldo Frank Sheeran, Robert De Niro ofrece una mirada conmovedora a las profundas contradicciones de un hombre atrapado por las únicas lealtades que entiende. Establecida completamente desde su perspectiva, la narración poco confiable de Sheeran le da a esta magnífica epopeya una notable sofisticación tonal, ya que encapsula la relación de duelo del personaje con un tierno Russell Bufalino (Joe Pesci, uno de los grandes regresos de la jubilación de todos los tiempos) y alborotador Jimmy Hoffa (Al Pacino). En esa desconexión fundamental, entre las personas entrañables y el mundo psicótico que representan, la película presenta una rampa fascinante a la obsesión de Estados Unidos con el crimen organizado.

The Irishman es la mejor película criminal de Martin Scorsese desde Goodfellas, y una ilustración pura y desenfrenada de lo que ha hecho que su voz cinematográfica sea tan distintiva durante casi 50 años. Olvídate de que es un toque demasiado largo y la tecnología de eliminación del envejecimiento no siempre lanza un hechizo perfecto; la película avanza a un ritmo tan satisfactorio que sus fallas rara vez alcanzan más que leves baches de velocidad en el camino. The Irishman es una maravilla que sigue creciendo cada vez más impactante a medida que avanza, hasta su final melancólico, un tratado sobre la mortalidad que tiene las profundas implicaciones de una gran literatura. Sheeran puede ser un hombre anciano que cuenta cuentos, pero eso lo coloca en la misma categoría que el que está detrás de la cámara. Sheeran, sin embargo, perdió contacto con su mundo mucho antes de abandonarlo. Con The Irishman, Scorsese demuestra que está más vivo que nunca.

1. Dolor y Gloria

Dir. Pedro Almodóvar

A lo largo de más de 30 años de cine, Pedro Almodóvar ha acumulado la equivalencia autoritaria de un dios, y su peculiar fantasía romántica tiene tanto peso que el lema "una película de Almodóvar" transmite más marca que visión. Dolor y Gloria, la mejor y más personal película del cineasta en años, lo trae de vuelta al terreno mortal.

Una rumia melancólica basada en el envejecimiento y la intención artística impregnada de las propias experiencias del director, puede ser lo más cercano que Almodóvar llega a elaborar una memoria en el medio que mejor conoce. Al menos, se ve así en la superficie. Dolor y Gloria está protagonizada por Antonio Banderas, excepcionalmente cansado del mundo, con el rostro cubierto de rastrojos de sal y pimienta y enmarcado por una mata de cabello rebelde, como un aclamado director que lucha con su pasado y presente. El actor se parece tanto a su antiguo colaborador que Dolor y Gloria bien podría considerarse "una película sobre Almodóvar". Y, sin embargo, el cineasta ha afirmado que mucho sobre el filme ha sido ficticio, incluidos los detalles de la película, la educación del personaje, una trama alimentada por las drogas y la historia romántica con la que el personaje lucha a lo largo de esta conmovedora película, que premia las repetidas vistas a medida que su retrato medido de un alma torturada cobra vida con detalles telegrafiados desde cada esquina del cuadro. Almodóvar solía presumir mucho. Ahora no tiene nada que demostrar.

Dolor y Gloria tiene la resonancia emocional de un artista que acepta la naturaleza íntima de su trabajo, y en el panteón del género de películas sobre cine, es un modelo de la forma. Aun así, no lo llames Pedro: Banderas interpreta a Salvador Mallo, un veterano cineasta español que ha luchado con toda una vida de incomodidad. Como explica en una de las primeras voces en off con animaciones médicas animadas (la única vez que la película se desborda), la pobre figura de mediana edad sufre de todo tipo de dolencias: dolores musculares, dolores en las articulaciones, ansiedad y depresión. Sin embargo, todas estas luchas han catalizado su arte apasionado, al menos hasta un período seco reciente, que lo lleva a contemplar su pasado.

A partir de ahí, Dolor y Gloria no toma exactamente ningún giro sorpresa, hasta el gran final, un giro sorpresa que de alguna manera se abre paso en este material desprevenido. Es fácil descartar una película como Dolor y Gloria, dadas las tradiciones narrativas en juego y las décadas de historia del cineasta. Pero estas son exactamente las mismas razones por las que termina siendo el logro cinematográfico más triunfante del año. Es la mejor ilustración del poder de un medio para operar dentro de un marco familiar mientras lo empuja en nuevas direcciones. A la edad de 70 años, Almodóvar ha hecho más que un resumen profesional; ha entregado una película que consolida lo mejor de su trabajo y hace que parezca fresco de nuevo. Para que las películas sobrevivan la próxima década, los cineastas deben demostrar su propia vitalidad. Almodóvar - y, para el caso, Scorsese - ofrece una prueba viviente de que ningún viaje de cineasta talentoso tiene que terminar nunca.

 Trad. EnFilme

Fuente:  IndieWire