Este es un catálogo de monstruos de películas clásicas, las criaturas que mantenían despiertas a generaciones enteras por la noche y representaban temores y ansiedades que todavía afectan a la humanidad en la actualidad. Es posible que las películas clásicas de monstruos no hayan sido tan violentas o sensuales como las películas de monstruos de la actualidad, pero eso no significa que todavía no tengan el poder de cautivar y aterrorizar. Además, todas las películas de terror que la gente ama hoy no existirían si estas películas no presentaran todo el trabajo preliminar.

Por supuesto, no todas las películas de terror son películas de monstruos. Las películas de monstruos son películas sobre criaturas antinaturales, generalmente derivadas del folklore sobrenatural o la ciencia ficción, que nos amenazan con violencia física o psicológica. Son el enemigo externo, aunque a menudo representan al enemigo interno. A veces son inexplicables, pero a menudo simpatizantes. Como el resto de nosotros, solo intentan sobrevivir. Si tienen que beber sangre humana o convertirse en una pantera devoradora de hombres para hacerlo, entonces eso es justo lo que tienen que hacer. Puedes sentir su dolor todo lo que quieran, pero cuando vienen llamando ... ¡corre!

Elegir los parámetros para lo que cuenta como una película de monstruos "clásica" fue mucho más complicado que elegir los parámetros para lo que cuenta como un monstruo. Finalmente, se decidió lo siguiente: las películas deben ser de excelente calidad, con alguna consideración adicional otorgada a las películas con una influencia artística o cultural duradera. Las películas también deben haber sido lanzadas en el año 1960 o antes.

El Gabinete del Dr. Caligari

Dir. Robert Wiene, 1920.

Aunque antes se habían hecho películas sobre asesinatos y monstruos, El Gabinete del Dr. Caligari se considera con frecuencia, como lo expresó Roger Ebert: "la primera película de terror verdadera". No es simplemente un catálogo de eventos horripilantes, es una inmersión profunda en un mente fragmentada y aterrorizada, en la que un hipnotizador malévolo llamado Caligari (Werner Krauss) manipula a un sonámbulo de ojos hundidos llamado Cesare (Conrad Veidt) para cometer asesinatos.

El gabinete del Dr. Caligari es una obra maestra histórica del expresionismo alemán, un estilo cinematográfico que fue pionero en el uso de imágenes imposibles para provocar reacciones poderosas en la audiencia. Parece que Cesare y sus víctimas deambulan a través de pinturas abstractas en blanco y negro, porque realmente lo son, y el impacto es enloquecedor y aterrador. Caligari es una de las películas más influyentes jamás realizadas, especialmente en el género de terror; prácticamente todas las películas de monstruos que siguen le deben a esta película, que todavía tiene el poder de desconcertar, una deuda de gratitud.

Nosferatu

Dir. Friedrich Wilhelm Murnau, 1922.

Otra obra maestra del expresionismo alemán, la adaptación no oficial de FW Murnau de Drácula de Bram Stoker presenta una de las criaturas más inquietantes jamás capturadas en la película: el conde Orlok (Max Schreck), cuyas características caídas y poco naturales insinúan siglos de vida fuera de la luz, festejando en cosas impuras. Igualmente, inquietante a la luz o en la sombría sombra, el rostro flotante de Orlok es suficiente para impregnar las pesadillas de cualquiera.

Pero también, Nosferatu es una película cautivadora y onírica. Siguiendo los acontecimientos del Drácula de Stoker muy de cerca, de hecho, tan de cerca, que los productores fueron demandados con éxito, y casi todas las copias de la película fueron destruidas, es una historia de muerte que infecta a la sociedad inocente y vencedora. La película en sí es prácticamente una plaga, y la única cura es llegar hasta el final milagroso.

El Fantasma de la Ópera

Dir. Lon Chaney, Rupert Julian, Edward Sedgwick, Ernst Laemmle, 1925.

Ningún artículo sobre monstruos de películas clásicas estaría completo sin el inimitable Lon Chaney, el acertadamente llamado "El hombre de las mil caras" que protagonizó una larga serie de inquietantes películas de terror silenciosas. El fantasma de la Ópera puede muy bien ser su obra maestra. La adaptación de la novela de terror de 1910 de Gaston Leroux, sobre un loco que acecha un desde su guarida subterránea debajo de la Ópera de París, es una producción lujosa, llena de escenarios impresionantes y grandes multitudes. Sería romántico si no fuera tan terriblemente espeluznante.

Pero, sobre todo, El Fantasma de la Ópera es la magia de efectos de maquillaje de Chaney. El Fantasma, envuelto en máscaras y sombras durante la mitad de la película, le da una serenata a su amada en sus catacumbas. Ella no puede resistir el impulso de ver cómo se ve su misterioso benefactor, y lo desenmascara de repente mientras toca el órgano. La cara de Chaney estalla en estado de shock y horror, tan horrorizada como la audiencia. Pero mientras retrocedemos ante su espantosa imagen de cadáver, él se tambalea por el repentino acto de traición. Él era hermoso.

Drácula

Dir. Tod Browning, 1931.

Drácula (Español)

Dir. George Melford, 1931.

Una de las "películas de terror universales" más icónicas, una cabalgata de criaturas trágicas, bellas y aterradoras, cuyas franquicias de gran éxito mantuvieron vivo el estudio durante la Gran Depresión, fue Drácula de Tod Browning. Pero también fue Drácula de George Melford, una versión en español de la película filmada en los mismos sets que la versión de Browning, en la noche después de que el equipo se fue a casa. Son dos mitades de la misma película clásica: una actuó brillantemente y la otra se filmó brillantemente.

Drácula de Browning está protagonizada por Bela Lugosi, quien ofrece una actuación icónica, sensual y penetrante, ya que el inmigrante transilvana que bebe sangre humana amenaza con robar a las mujeres de Inglaterra. Es una película tranquila, y francamente, un poco pesada, y está principalmente anclada casi por completo por el brillo de Lugosi. Por el contrario, Drácula de Melford se presenta con estilo, inmersivo y lleno de suspenso. Y aunque Carlos Villarías es un buen Drácula, el personaje no parece tan atractivo o trágico como cuando Lugosi lo interpreta.

Frankenstein

Dir. James Whale, 1931.

El director James Whale traspasó los límites del cine de terror con su adaptación de Frankenstein, de Mary Wollstonecraft Shelley. Aunque la película elimina la narrativa de Shelley hasta sus componentes básicos y realiza algunas ediciones y cambios notables, captura el mal macabro del progreso científico amoral y la belleza inesperada de lo deformado y lo extraño. Colin Clive interpreta al Dr. Frankenstein y Boris Karloff, cuyos créditos aparecen como "?", interpreta a su monstruo no muerto, que se libera de su padre despreocupado y busca el amor en otro lugar, solo para ser martirizado por sus problemas.

Es una producción dinámica, llena de rayos y sombras, y Karloff es absolutamente magnífico como el Monstruo de Frankenstein. Su revelación inicial no es un hombre, es un cadáver que simplemente está caminando, tan muerto por dentro como vivo afuera. Verlo lentamente ganar conciencia, demasiado tarde para que su temible y rechazante "padre" se dé cuenta, es una clase magistral de sutileza, y ver a Whale usar la transformación e inocencia de Karloff para tejer una historia de tragedia y terror es absolutamente hipnótico.

La Momia

Dir. Karl Freund, 1932.

El clásico de Karl Freund, La Momia, aprovechó el espíritu de la arqueología egipcia a principios del siglo XX, así como el éxito monumental de Drácula. Para contar esta historia original de una momia no muerta que se enamora de la reencarnación de su amante muerto hace mucho tiempo, Freund evocó fuertemente la exitosa película de terror de Browning en sus personajes e historia. La imitación es más que solo adulación: la película de Freund es posiblemente la versión superior de la historia, con sensualidad, romance y suspenso.

En el corazón de todo está, una vez más, Boris Karloff, quien solo pasa unos breves momentos en los icónicos mortales de la muerte. Durante la mayor parte de la película, es un caballero respetable, de voz suave y atractivo, que está tan desesperado por encontrar una conexión fuera de los límites del tiempo, que hará casi cualquier cosa para hacer que una mujer joven, interpretada por la fantástica Zita Johann. , recuerde quién fue una vez y podría ser de nuevo. La mitología puede estar apagada, pero el núcleo emocional y la emoción son perfectos.

La Isla de las Almas Pérdidas

Dir. Erle C. Kenton, 1932.

No ha habido una mayor adaptación cinematográfica de 'The Island of Dr. Moreau’, de H.G. Wells, que La Isla de las Almas Pérdidas. Con un maquillaje de criaturas muy adelantado a su tiempo, y una actuación delirantemente siniestra del siempre sorprendente Charles Laughton, es una historia desgarradora de colonialismo y eugenesia desbocada, tan potente hoy como lo fue hace casi 90 años.

Laughton interpreta al Dr. Moreau, un científico que vive en una isla aislada donde transformó animales en humanos usando técnicas de vivisección extremas y tortuosas. Una vez creado, los abusa y se burla de su inferioridad, y los mantiene bajo su pulgar a través de la amenaza de violencia y la creación de una nueva religión opresiva. Cuando un náufrago humano llega a su isla, Moreau decide usarlo como ganado reproductor. Es aterrador, pero absolutamente cautivador, y Laughton arroja presumidamente cada fragmento de su humanidad en una brillante actuación de terror de todos los tiempos.

King Kong

Dir. Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack, 1933.

King Kong es una de esas películas históricas que dividen el cine por la mitad. Hay películas que llegaron antes de la obra maestra de efectos especiales de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack, y hay otras que vinieron después de este asombroso espectáculo que demostró que, en un cine, todo es posible. En una era en la que películas como Trader Horn fueron éxitos enormes, King Kong cuenta una historia inusualmente meta sobre un equipo de filmación que se aventura en la naturaleza desconocida y descubre dinosaurios y, sorprendentemente, un gorila del tamaño de un edificio.

Traído a la vida por el maestro de stop-motion, Willis O’Brien, Kong es más que un monstruo aterrador. Es un personaje totalmente realizado, lleno de amor, enojo y tristeza, que lucha contra los tiranosaurios para rescatar a la mujer humana que ama (Fay Wray, siempre maravillosa) y recorre la ciudad de Nueva York al azar después de ser secuestrado por sus opresores. No es malvado, está confundido y asustado. Al final, es impresionante verlo vencido, pero no hay victoria. Aunque los elementos de la historia de Kong están (en el mejor de los casos) anticuados, la historia central sobre la arrogancia del hombre destruyendo una criatura inocente siempre será poderosa.

El Hombre Invisible

Dir. James Whale, 1933.

Los monstruos clásicos de las películas de terror no se muestran mucho menos comprensivos que el Dr. Jack Griffin, El hombre invisible. En esta adaptación de otro clásico de H.G.Wells, Claude Rains interpreta a un científico que desaparece por completo, pero después de un coqueteo inicial para curar su extraña aflicción, se vuelve loco de poder y se embarca en una ola de asesinatos y terrorismo.

Rains es un villano fascinante, y su personaje cobra vida a través de efectos visuales tan convincentes que es difícil creer que fueran posibles antes de CGI. Además, Whale parece deleitarse en contar una historia sobre el mal sin complejos, y espera que el público se deleite en ver cómo se desarrolla este caos. Es un thriller de terror subversivo, técnicamente ingenioso.

La Novia de Frankenstein

Dir. James Whale, 1935.

James Whale desentierra el cadáver de Frankenstein para una secuela que muchos creen, y con buena causa, que es superior al original. La novia de Frankenstein resucita elementos de la novela de Shelley que fueron eliminados del original, y descubre que el monstruo de Karloff obliga a su creador a construirle una novia, para curar su interminable soledad. Trágicamente, el monstruo aprende de la manera difícil que puedes hacer que una persona salga de cadáveres cosidos, pero no puedes hacer que te amen.

La Novia de Frankenstein tiene todo, una película que es tan macabra como divertida, con una extraña secuencia de efectos especiales y un trabajo íntimo con los personajes. Además, Whale utiliza la apariencia del fantástico género de terror para confrontar directamente temas que Hollywood consideraba completamente tabú en los días del Código de Producción. La Novia de Frankenstein incorpora juguetonamente la homosexualidad, la blasfemia y la necrofilia en lo que parece un entretenimiento convencional. Es una fiesta lujosa para los sentidos y una mezcla heterogénea absoluta para la mente.

El Hombre Lobo

Dir. George Waggner, 1941.

Lon Chaney Jr., cuyo padre fue el actor de terror más famoso de su generación, se convirtió en un monstruo icónico de la película en el clásico cuento El Hombre Lobo. Chaney interpreta a Larry Talbot, quien regresa a la casa de su familia en Gales para volver a conectarse con su padre, John (Claude Rains), distante y emocionalmente distante. Parece que su vida podría estar cambiando, incluso ha conocido a una chica agradable en la ciudad, pero es atacado en la niebla, mordido, y descubre con horror que se está transformando en una criatura asesina.

El Hombre Lobo presenta efectos icónicos de time-lapse, lo que obliga a Chaney a permanecer completamente quieto durante horas mientras le aplicaban maquillaje por etapas. Pero, aunque el aspecto del monstruo del título es inolvidable, es Chaney quien hace que esta película sea inolvidable. Larry Talbot es uno de los monstruos más trágicos de Universal, consciente de su situación y totalmente incapaz de hacer algo al respecto. Y su relación prácticamente no correspondida con su padre sólo hace que el brutal final de la película sea aún más desgarrador. El hombre lobo es el mejor trabajo de Lon Chaney Jr.

The Cat People

Dir. Jacques Tourneur, 1942.

La inteligente, sensible e impresionante progresista Cat People de Jacques Tourneur está protagonizada por Simone Simon como una inmigrante serbia que cree que si se enfurece o se excita sexualmente se convertirá en una pantera. Y, sin embargo, su novio estadounidense ignora todas esas banderas rojas obvias e insiste en casarse con ella de todos modos, pensando que superará todas sus supersticiones "atrasadas" y ansiedades femeninas si se encuentra con el hombre adecuado.

Cat People y su secuela subestimada, Curse of the Cat People, aparentemente juegan como una película de monstruos en la que un hombre heroico es amenazado por mujeres peligrosas. Pero Turner sabe quién es el verdadero monstruo y le da a Simone Simon todos los momentos más sensibles de la película. Su tragedia está siendo ignorada porque es inconveniente para el hombre que quiere poseerla, y cualquiera que sea comido por una pantera en esta película (o incluso casi) lo merece.

Pero más allá de sus alegorías satisfactorias, Cat People también es un thriller influyente y producido satisfactoriamente. Fue esta película la que introdujo en el léxico del cine de terror la mordaza llamada "The Lewton Bus" (llamada así por el productor Val Lewton), en una escena en la que aumenta el suspenso, y parece que alguien está a punto de ser asesinado, solo para que sean asustados por algo inocuo en su lugar.

I Walked with a Zombie

Dir. Jacques Tourneur, 1943.

Muchas películas de terror clásicas se basan en novelas de terror clásicas, pero el clásico de terror de Jacques Tourneur, I Walked with a Zombie, se basa en Jane Eyre de Charlotte Brontë. Todo lo que hicieron fue convertir a la loca del ático en un monstruo literal. I Walked with a Zombie es una de las películas de monstruos más inusuales y emotivas de su época.

Una enfermera llamada Betsy (Frances Dee) viaja al Caribe para cuidar a la esposa de Paul Holland (Tom Conway), quien sufre una misteriosa dolencia. Ella ha perdido por completo su sentido de la fuerza de voluntad. Betsy intenta todo lo que está en su poder para curar a la esposa de Paul, pero se está quedando sin alternativas. Es posible, como creen los residentes de la isla, que ella ya no esté viva y que, en cambio, sea víctima de un ritual sobrenatural.

Aunque misteriosa y extraña, la película de Tourneur también es sensible y tierna.

The Thing from Another World

Dir. Christian Nyby, 1951.

La opinión popular dicta que el remake de John Carpenter de The Thing from Another World es superior al original, y eso puede ser cierto. No se puede negar el terrorífico aislamiento y los asombrosos efectos prácticos en la versión de 1982 de este thriller de ciencia ficción. Pero tampoco se puede negar que el original sigue siendo aterrador y efectivo, y más inteligente que la mayoría de las películas de monstruos de su época.

Ubicado en un puesto aislado en Alaska, un grupo de científicos investiga un misterioso aterrizaje forzoso en la tundra y descubre entre los restos de un ser extraterrestre. La criatura escapa del hielo y comienza a drenar la sangre de sus víctimas, en un esfuerzo por dar vida a más de sus organismos a base de plantas. La extraña bestia y los adornos de ciencia ficción inteligentes hacen que The Thing from Another World se destaque, pero la dirección no acreditada del gran Howard Hawks también presta a los personajes de la película y al diálogo una calidad dinámica que trasciende las expectativas de la película b. Es inteligente, da miedo y es elegante.

Invasores de Marte

Dir. William Cameron Menzies, 1953.

Del diseñador de producción galardonado con un Oscar y director salvajemente subestimado, William Cameron Menzies, la pesadilla de un niño que cobra vida. Invasores de Marte juega como una película expresionista alemana tecnicolor y estadounidense, mientras el mundo que rodea a su joven héroe se estrella contra él, después de que un platillo volador aterriza en su patio trasero y comienza a apoderarse de las mentes de cada adulto en la ciudad.

Surrealista y aterrador, Menzies utiliza un diseño poco práctico, como una celda de la policía que se hace más pequeña en la parte posterior, para resaltar cuán solo e indefenso es el protagonista. Para cuando el joven David McLean (Jimmy Hunt) se encuentre dentro de la nave extraterrestre, todas las apuestas están canceladas, cualquier cosa puede suceder y sucederá, y ninguna imagen es demasiado extraña para realizarse.

The Twonky

Dir. Arch Oboler, 1953.

En gran parte olvidada y casi no disponible, The Twonky es una de las grandes comedias de terror no reconocidas de la época. Hans Conreid (la voz del Capitán Garfio de Peter Pan de Disney) interpreta a un profesor temerario cuya esposa se va de vacaciones y lo deja solo con su nueva televisión. Pero es más que solo un televisor. Es una entidad de alta tecnología artificialmente inteligente que camina alrededor de la casa por su propia voluntad, agota el libre albedrío de sus estudiantes y lo vuelve gradualmente loco.

Demasiado divertido para dar miedo, pero demasiado subversivo para ser ridículo, The Twonky juega con las ansiedades de cada generación sobre los avances de la próxima generación. ¿Nuevas tecnologías que nos convierten en zombies, nos roban nuestra privacidad y nos conducen directamente a la distopía? Eso no es paranoia, es solo un Twonky. Es una historia tan relevante ahora como lo fue siempre, y las sensibilidades extrañas, casi seussianas del escritor / director Arch Oboler hacen que The Twonky sea lo suficientemente intemporal como para causar un impacto.

El Monstruo de La Laguna Negra

Dir. Jack Arnold, 1954.

El último de los grandes monstruos de horror de Universal salió de debajo de las aguas. El Monstruo de La Laguna Negra cuenta la historia de una expedición científica al Amazonas, donde los geólogos han descubierto evidencia de una antigua raza de humanoides acuáticos. Poco saben que al menos una de las criaturas todavía existe y las mira desde abajo y se obsesiona con una de ellas, Kay (Julie Adams).

Los ataques de criaturas y la violencia estallan, y eso está muy bien. Es la rareza del monstruo y la atipicidad de su entorno lo que hace que El Monstruo de La Laguna Negra permanezca. A diferencia de muchos monstruos, que se consideraban de clase alta o eran cadáveres de movimiento lento, esta criatura es una creación elegante que se mueve rápidamente en el agua y cuya humanidad está relativamente en cuestión. Es una curiosidad cinematográfica única, tan hermosa a la vista como peligrosa de tocar.

Godzilla

Dir. Ishirō Honda, 1954.

El clásico de ciencia ficción/terror de Ishirō Honda, Gojira, no fue la primera película sobre un monstruo gigante despertado de las profundidades del mar por la radiación nuclear: The Beast From 20,000 Fathoms ya había salido el año anterior, con sorprendentes efectos de Ray Harryhausen, pero es esta película la que elevó el extraño concepto en una alegoría profunda y poderosa. Gojira pone una inclinación fantástica a los horrores de la vida real, de la proliferación nuclear y las consecuencias ambientales, brindando a los cineastas la distancia suficiente de la tragedia para explorar temas relacionados de maneras desafiantes.

Gojira comienza con un desastre aparentemente natural tras otro, como consecuencia del repentino ascenso de Gojira, hasta que finalmente aparece el monstruo, tan destructivo e impensable como una nube de hongo habría sido solo una generación antes. Muy lejos de las entretenidas secuelas que seguirían, el original de Ishirō Honda es una descripción aleccionadora de la aniquilación urbana, en la que la única forma de salvar a Japón podría ser participar en las mismas perversiones de la ciencia. Potente filmación alegórica, y la plataforma de lanzamiento para el increíble y prolífico género kaiju.

La Invasión de los Usurpadores de Cuerpos

Dir. Don Siegel, 1956.

La película está protagonizada por Kevin McCarthy como médico en una pequeña ciudad californiana, donde las personas están siendo reemplazadas gradualmente por duplicados alienígenas que imitan todo sobre el original, excepto sus defectos. Es una conclusión casi imposible de llegar, el tipo de fantasía paranoica trastornada que podría derivarse de leer demasiada propaganda. Y, sin embargo, está sucediendo, dentro de la película y, se podría argumentar, en la ciudad natal de cualquiera que esté mirando.

Ya sea que satirice la conformidad de la cultura estadounidense en la década de 1950, o los temores de Estados Unidos de un control distópico, es una obra maestra del cine de bajo presupuesto. Los actores son convincentes y el escenario es aterrador, no importa cómo interpretes los temas de la película. Es tan universal que se ha rehecho varias veces, generalmente muy bien, a medida que las generaciones futuras descubrieron que las ansiedades provocadas por el clásico de ciencia ficción/terror de Siegel nunca salen. Simplemente mutan en otra tensión de miedo.

El Planeta Desconocido

Dir. Fred Wilcox, 1956.

A medio camino entre Shakespeare y Star Trek se encuentra el clásico de ciencia ficción/terror de Fred M. Wilcox, El Planeta Desconocido. Basada en La Tempestad, e influenciando fuertemente a Gene Roddenberry una década después, la película está protagonizada por Leslie Nielson como el capitán de una nave espacial futurista asignada para investigar una expedición perdida. Lo que encuentran es un planeta poblado por un científico aparentemente loco, el Dr. Morbius (Walter Pigeon), su hija solitaria Alta (Anne Francis) y su poderoso robot Robbie (acreditado juguetonamente como él mismo).

El Dr. Morbius advierte al capitán de los peligros del planeta, que se manifiestan en forma de un leviatán invisible que ataca a la nave todas las noches, y solo revela su horrible forma cuando es capturado en un campo de energía. Pero hay más de lo que parece (o no), y se revela gradualmente como un tipo completamente nuevo de película de monstruos. La película de Wilcox se realiza magníficamente y está llena de escenarios fantásticos e ideas de salida que, en las décadas siguientes, se convirtieron en pilares de la ciencia ficción.

The Horror of Dracula

Dir. Terence Fisher, 1958.

La espeluznante y colorida adaptación de Drácula de Terence Fisher ayudó a solidificar a Hammer Horror como el estándar de oro en el cine de terror durante muchos años. Christopher Lee asume el papel principal y aporta una sensualidad amenazante al personaje que simplemente no se pudo escapar en el clima de la década de 1930, y Peter Cushing es perfecto como el Dr. Van Helsing, que intenta detener el reino del mal de Drácula.

Las aventuras de Drácula y Van Helsing continuarían en el transcurso de muchas películas de Hammer Horror, algunas de las cuales son realmente excéntricas (The Legend of the 7 Golden Vampires también fue una película de kung fu, coproducida por Shaw Brothers), pero esto es su aventura icónica. Fisher encuentra parecidos entre la sed de sangre de Drácula y las ideas contemporáneas de adicción a las drogas, pero lo filma todo en un estilo teatral que hace que incluso la violencia más espantosa parezca natural e incluso hermosa. Y, por supuesto, Lee es absolutamente hipnótico como el sanguinario Príncipe de las Tinieblas.

La Mosca

Dir. Kurt Neumann, 1958.

Otra película que a menudo se ve ensombrecida por un remake brillante. David Cronenberg puede haber usado la historia de La Mosca para elaborar una potente alegoría para morir de una enfermedad degenerativa, pero la adaptación original de Kurt Neumann del cuento de George Langelaan sigue siendo un entretenimiento fascinante, trágico y monstruoso por derecho propio.

La mosca está protagonizada por Patricia Owens como una mujer que acaba de confesar haber matado a su esposo en una gran prensa eléctrica, pero ella se niega a explicar por qué. Solo cuando su cuñado, interpretado por Vincent Price, la convence de que él ya sabe la verdad, ella teje una historia tan extraña que sacude la imaginación: su esposo, interpretado por David Hedison, inventó un teletransportador que accidentalmente empalmó su ADN con una mosca. La mutación está devorando su cerebro, y la única forma de salvarlo sería encontrar la mosca malformada antes de que ya no pueda repararlos a ambos.

El reloj, la creciente tragedia y la búsqueda absurda pero intensa de una sola mosca doméstica solitaria hacen una película de terror de ciencia ficción increíblemente distintiva. Y ese final, ese final inolvidable, es tan aterrador como siempre.

The Blob

Dir. Irvin Yeaworth, Russell S. Doughten, 1958.

La superestrella de Hollywood, Steve McQueen, hizo su debut cinematográfico en The Blob, un thriller de ciencia ficción extraño y de bajo presupuesto, pero extremadamente bien elaborado sobre adolescentes que se enfrentan a una masa, cada vez mayor, de extraterrestres. La década de 1950 fue una era en la que el cine para adolescentes aprovechaba las divisiones entre una generación joven, desesperada por la independencia y la aceptación, y los temores de los adultos de la delincuencia juvenil. Entonces, la lucha para lograr que las personas que dirigen las cosas crean en una burbuja espacial gigante no es solo una función de la trama, se siente como una declaración política discreta.

El reparto es fantástico, los efectos visuales son extremadamente impresionantes para la época y, en general, The Blob funciona milagrosamente. Pero hay una cosa que esta película, de Irvin Yeaworth, tiene y que ninguna de las otras películas en esta lista tiene: una canción temática, escrita por Burt Bacharach y Mack David.

The Tingler

Dir. William Castle, 1959.

The Tingler está protagonizada por Vincent Price como el Dr. Warren Chapin, un científico que ha hecho un descubrimiento realmente grotesco: un parásito hasta ahora desconocido, llamado The Tingler, que se adhiere a la columna vertebral humana y se alimenta del miedo, y te aplasta la columna si estas demasiado aterrorizado El Dr. Chapin toma LSD para explorar la naturaleza del miedo (una novedad cinematográfica), pero finalmente pierde el control del organismo, que se vuelve loco en una sala de cine. Y no cualquier sala de cine: ¡la sala de cine en la que estás sentado ahora mismo!

Los cines que proyectaron The Tingler estaban equipados con un truco llamado ¡Percepto!, que hizo que asientos aleatorios en el cine vibraran durante la escena en la que el Tingler escapa, como si estuviera atacando a varios espectadores. Es un truco brillante, tejido ingeniosamente en una película de monstruos autoconsciente y única; Tanto el truco como la película son, juntas y por separado, las mejores obras maestras de Castle.

El Pueblo de los Malditos

Dir. Wolf Rilla, 1960.

Todos en un pequeño pueblo británico se duermen al mismo tiempo en el inquietante clásico de terror y ciencia ficción El Pueblo de los Malditos de Wolf Rilla. Cuando se despiertan no pueden recordar nada, y todas las mujeres de la ciudad están misteriosamente embarazadas. Los matrimonios se disuelven a medida que los esposos comienzan a desconfiar de sus esposas y, cuando los niños nacen con espeluznantes cabellos blancos e inteligencia sobrehumana, también comienzan a temer a esta nueva generación.

¿Pero son engendros del infierno o nuestra salvación? El gran George Sanders interpreta a un profesor cuyo propio hijo es uno de los extraños, pero que encuentra sus habilidades y crecientes poderes psíquicos fascinantes. Desafortunadamente, los niños están tan alienados de su sociedad que no tienen apegos a ella, y en poco tiempo queda claro que si la humanidad tiene que sobrevivir ... los niños tienen que morir.

El Pueblo de los Malditos explota los temores egoístas sobre si tus hijos son realmente tuyos o no, pero también fobias universales sobre las generaciones futuras que no te sirven a ti ni a tus valores tradicionales. Y la conclusión de la película, sobre la posible muerte de un grupo de niños pequeños solo para proteger a un grupo de adultos, sigue siendo totalmente subversiva e inquietante.

Trad. EnFilme

Fuente: Collider