Cada semana, IndieWire formula una pregunta a un selecto panel de críticos.

La pregunta de esta semana fue: ¿Cuál fue la película que definió la década?

Las respuestas, a continuación:

The Avengers (2012)

Comenzó la fiebre del universo cinematográfico que casi ha arruinado varios estudios rivales (¿fue el universo cinematográfico un caballo de Troya todo el tiempo?) Y ha llevado al debate más agotador en Twitter: Marvel vs Martin Scorsese.

Parecería todo malo, dado que los superhéroes han llegado a dominar la cultura pop, pero hay algo de luz en esta oscuridad. Los Vengadores y sus secuelas nos dieron algunos de los momentos más divertidos y ampliamente disfrutados de la cultura pop de la década. Y a pesar de que el dominio de Marvel y su empresa matriz, Disney, es aterrador en un panorama de medios restrictivo, y debe ser cuestionado constantemente por parte de los consumidores cuyas opciones limita, también es alentador ver a tanta gente reunirse en torno a la noción de héroes y heroísmo.

El ensamble de Los Vengadores no es sólo un deseo infantil, sino que también reconoce la necesidad de mitos en los que es posible vencer al mal a través de la terquedad pura y malcriada, que es, si somos honestos, el verdadero superpoder del Capitán América.

Blade Runner 2049

Blade Runner 2049 fue una secuela inesperada de un clásico de la década de 1980. Fue una oportunidad para mostrar cuán lejos hemos llegado con los efectos visuales. La cinematografía de Roger Deakins y una recreación digital bien diseñada de la imagen de Sean Young se destacan. En el período previo a su lanzamiento, parecía que Blade Runner 2049 fue diseñado para ser un festival de nostalgia para los amantes del original, y un espectáculo visual para aquellos que no lo hacen, y tal vez una oportunidad para lanzar un nueva franquicia.

En cambio, obtuvimos algo más rico que el original, una obra de arte que está dispuesta a lidiar con las deficiencias de su predecesor, particularmente cuando se trata de su tratamiento de personajes femeninos y de IA. El Blade Runner original trata a sus mujeres y a la mayoría de sus replicantes como si no fueran personas. Blade Runner 2049 interroga esta actitud, sosteniendo un espejo hacia nuestro propio mundo, que es tan rápido para descartar el dolor de los oprimidos. Blade Runner 2049 es imperfecta, pero es imperfecto en la forma en que nuestro propio mundo es imperfecto, roto, feo y deslumbrante, sin ser mejor, pero intentando lo mismo.

Boy and The World

Nada es más revolucionario que el largometraje animado brasileño con temas maduros sobre nuestra humanidad actual que se concibió fuera de las reglas del capitalismo. Boy and the World de Alê Abreu no sólo fue la primera película latinoamericana nominada al Oscar al Mejor largometraje animado, sino una rareza en el paisaje del medio en general.

El razonamiento detrás de por qué se debería considerar una película definitoria de la década es doble: primero, se trata de la deforestación, los regímenes autoritarios, las personas marginadas que son explotadas por un sistema voraz y la pérdida de sueños juveniles aplastados por la desigualdad. Sumado a esto, logró obtener una nominación, y supuestamente molestó a algunas personas en los estudios, con sólo un micro presupuesto, lo que demuestra que a veces lo que importa es la calidad del trabajo y no el tamaño de la campaña de marketing.

The Circle

Hay una película que se siente como un signo de los tiempos, y potencialmente un presagio de lo que es por venir: el thriller de Emma Watson, El Círculo. Esta película orwelliana narra la historia del personaje de Watson obteniendo un trabajo soñado en una compañía de tecnología al estilo de Google. Allí, descubre la agenda oculta de la compañía, que tendrá grandes ramificaciones para toda la humanidad.

Con las noticias en curso que detallan la filtración de datos personales de Facebook, los titulares recientes sobre la manipulación de algoritmos por parte de Google y otros informes como estos, no hay duda de que la influencia de las compañías tecnológicas ya es mucho mayor de lo que pensábamos anteriormente. El Círculo ofrece una mirada de primer plano que define la década (aunque sea una mirada hollywoodense) de lo que está en juego a medida que las compañías tecnológicas continúan ganando poder e influencia: todo el mundo puede sentir el impacto de la tecnología de manera preocupante e invasiva.

First Reformed

La última década ha sido un ejercicio para mantener un aspecto de una vida funcional incluso cuando la sociedad se desmorona lentamente a nuestro alrededor, con la podredumbre, cada vez más evidente, profundamente arraigada en las instituciones que mantienen el orden social. El espectro del apocalipsis, ya sea en forma de cambio climático o algún otra creación propia, constantemente se cierne sobre nosotros, empujándonos a la desesperación. Nos aferramos a lo que podemos: dinero, religión o incluso la rutina diaria, porque tenemos miedo del mañana, porque sabemos que están numerados, y cuando se les acaba, debemos hacer la gran pregunta: "¿Puede Dios perdonarnos por lo que le hemos hecho a su creación?

Estos son los temas que trata la película de Paul Schrader, y su conclusión es una prueba de fuego. Si todos somos restos en el próximo diluvio, a lo que podemos aferrarnos es a los demás. Quizás la conexión humana genuina, en lugar del aislamiento desesperado, es la única forma en que podemos responder al fin del mundo, porque mientras intentemos llegar al otro, tenemos un interés en este mundo. Tal vez sea delirante pensar que podemos salvarlo, pero al menos, podemos bajar balanceándonos.

Get Out

Igualmente divertido, políticamente nítido y totalmente aterrador, el sorprendente debut de Jordan Peele muestra cuán complacientes son los blancos aparentemente bien intencionados en la persecución de las personas de color. La línea icónica al instante, "Hubiera votado por Obama para un tercer mandato si pudiera", captura con gran precisión cuán perezosamente ignorantes son muchos, posiblemente incluso la mayoría de nosotros

Get Out es la rara película que en realidad mejora con cada visualización una vez que conoces el giro; una vez que nos damos cuenta de lo mal que van a ir las cosas para el pobre Daniel Kaluuya, se prestan todos los detalles pequeños y misteriosos presentes en las actuaciones de apoyo, como a Caleb Landry Jones desafiando al nuevo novio de su hermana a una pelea a puñetazos. Sin embargo, lo más impresionante es que la película de Peele termina con una nota esperanzadora, lo que sugiere que hay un final a la vista y el potencial de cambio.

Ingrid Goes West

Una de las primeras tomas de Ingrid Goes West es un primer plano de un globo ocular hipnotizado por el brillo de una pantalla de iPhone; lo que siguió fue una comedia negra astuta que capturó expertamente la dependencia y fascinación de nuestra generación con las redes sociales. El desempeño desquiciado de Aubrey Plaza como una mujer que predica toda su existencia para llamar la atención de personas influyentes y tener una página impecable de Instagram, que es apenas identificable. Con un ingenio agudo y una visión inteligente, la película demuestra cómo las redes sociales han puesto las relaciones interpersonales completamente al revés, provocando una competitividad poco saludable, deseo de perfección y miedo a perderse. El final deliciosamente oscuro ridiculiza nuestra cultura basada en la imagen y refleja el choque contemporáneo entre artificialidad y autenticidad. Esta década vio el surgimiento de las redes sociales de una novedad divertida a una necesidad cotidiana, e Ingrid Goes West retrata agudamente su presencia abrumadora en nuestras vidas, particularmente las enormes presiones que ejercemos sobre nosotros mismos para crear una vida fabulosamente fotogénica.

Mad Max: Fury Road

"A medida que el mundo cayó, cada uno de nosotros a su manera se rompió". Así comienza la narración de Max Rockatansky en la locura de George Miller, Mad Max: Fury Road, una película que demuestra ser más profética con cada día que pasa. Una pesadilla apocalíptica donde las naciones-estado aisladas se llaman Gas Town y Bullet Farm para honrar a sus ídolos; donde un viejo desagradable y depravado con dos hijos imbéciles lidera una población de violentos ideólogos, War Boys, que lo adoran ciegamente como un dios; donde las mujeres son tratadas como objetos sexualizados y el medio ambiente natural es despojado de sus recursos.

Lo que me llama la atención es cómo esta película de acción de alto octanaje steampunk puede sentirse tan relevante para nuestra situación actual. Lo que es más, a pesar de la fragilidad de este mundo imaginado, es una historia claramente esperanzadora, una historia de "Éxodo invertido", el movimiento de una pequeña banda de personas liberadas que terminan regresando a su lugar de cautiverio para comenzar de nuevo.

Moonlight

El filme indie de Barry Jenkins abrió un camino desde Telluride hasta el Dolby Theatre que parecía capturar la atención de todos. Independientemente de si lo habían visto o no, todos estaban hablando de Moonlight y del entonces relativamente desconocido A24 detrás de él. Fue una anomalía sorprendente en términos de representación en pantalla de la cultura negra y queer, la notoriedad de la cultura pop, el éxito de los premios y la expresión artística. Completa su identidad como la película definitoria de la década por su perfección cinematográfica tan significativamente como lo hace por su agitación sociocultural y profundidad ontológica. Además, esa derrota convertida en victoria podría pasar a ser el momento más emocionante de los Oscar de todos los tiempos.

En su combinación de (a) proporcionar una representación vital para los hombres jóvenes que llegan a comprender los impulsos homosexuales en medio de entornos definidos por la masculinidad tóxica, (b) traer un nivel verdaderamente escandaloso de innovación formal en los múltiplex estadounidenses, desechando cualquier libro de jugadas establecido a favor de inventar un modo completamente nuevo de sintetizar influencias dispares y visiones originales en un todo caóticamente cohesivo, y (c) convertirse en uno de los cambios clave de la década como la sabiduría convencional sobre lo que significaron y representaron los Premios de la Academia (debido tanto a la afluencia de los nuevos miembros con diversos puntos de vista y el proceso siempre mercurial y bizantino de la votación a Mejor Película) cambiaron en un momento sísmico e instantáneamente icónico en el que todavía estamos tratando de darle sentido a varias temporadas de Premios más tarde, por todas estas razones y más, puedo no hay una película mejor posicionada como el objeto representativo ideal de la década para la cápsula del tiempo.

A Separation

La sensación definitoria de esta década polarizada está atrapada en un argumento del que no puede salir, ambas partes convencidas de que tienen razón, no ceder ni un milímetro, cada una trabajando a partir de un conjunto diferente de hechos. (Escuche una conversación entre mi padre y yo en algún momento). Ninguna película capturó ese sentimiento inquietante como A Separation de Asghar Farhadi, un drama brillante en el que una disputa entre un esposo y una esposa divorciados se descontrola, envolviendo a aquellos a su alrededor y dando lugar a trágicas consecuencias no deseadas. Sería más fácil si Farhadi nos diera un villano claro, pero nunca nos deja pasar por eso.

Strong Island

La película cuenta la desgarradora historia del hermano de Yance Ford (director del filme), William, quien en 1992 recibió un disparo de un hombre blanco (William era afroamericano) durante una discusión. El tirador fue absuelto más tarde, pero para la familia Ford, el trauma continúa hasta nuestros días. Como una parábola de la gran cantidad de injusticias que sufren las personas de color en Estados Unidos, tanto dentro como fuera del sistema de justicia, Strong Island está criticando su acusación de racismo y supremacía blanca, al mismo tiempo que enfoca la intensidad de su drama sobre la de las vidas humanas. Hermosa en su estética y poderosa en su arco narrativo, la película nominada al Oscar es un documento imperdible de nuestra era.

The Social Network

A medida que avanzó la década, hemos visto cómo los sitios de redes sociales, como Facebook, han cambiado fundamentalmente la forma en que nos comunicamos. La otra cara es que también han demostrado la capacidad de causar un daño significativo a nuestra sociedad y democracia, hasta ahora con poca responsabilidad o una posibilidad duradera de reforma. Con cada revisión a lo largo de los años, The Social Network se siente cada vez más como un comentario esencial para descubrir cómo llegamos aquí. Dramatizando el nacimiento de Facebook y los comportamientos tóxicos y dañinos en el centro de esta era actual, es una película biográfica que se siente cada vez más relevante, inmediata y observadora a medida que pasa el tiempo.

La película de David Fincher nos dijo a principios de la década que Facebook es malo. Cada día que pasa, descubrimos cada vez más cuán cierto es eso. Ahora sabemos que sus orígenes estaban enraizados en el ego y la traición, su líder es una herramienta moralmente cuestionable.

Ganador de un Oscar por su edición, partitura y guion, le robaron el premio a la Mejor Película. Una película que se adelantó a su tiempo se siente como un monumento hoy a fines de la década.

Tangerine

La primera subversión audaz con Tangerine se materializó en los teléfonos inteligentes iPhone 5S. Una medida para ahorrar costos, Baker decidió filmar con tres iPhones, imbuyendo su película con un filtro bañado por el sol que de alguna manera todavía parece futurista en su ambiente. La decisión, y el beneficio posterior, señalaron que la realización de películas pasó de una forma de arte practicada en escuelas de cine bien equipadas o grandes estudios a cualquier persona con Final Cut Pro. Además, y tal vez sin que él lo supiera, Baker demostró el poder de estos pequeños dispositivos para cumplir la misma función que un cine. ¿No se necesitan más plataformas grandes para realizar una visión? No más cines expansivos para albergarlos tampoco. En cambio, ambos enrollan al espectador bajo el mismo maestro.

También descubrió terreno fértil en su lanzamiento. Sin-Dee Rella (Kitana Kiki Rodriguez) y Alexandra (Mya Taylor) son las dos trabajadoras sexuales transgénero que habitan la película. Con Rodríguez y Taylor, Baker puso a las mujeres trans en papeles que en el pasado se habrían dejado a las actrices cisgénero. El resultado no fue sólo una presentación de una realidad, sino una demostración temprana de por qué las comunidades deberían estar representadas en las historias sobre ellas.

También elabora empatía. En una década que comenzó como la realización de los derechos de los homosexuales, sigue siendo un período en el que hombres y mujeres trans buscan ser escuchados, amados y entendidos. Es una década en la que cada semana sucesiva: a través de suicidios, casos de la Corte Suprema y brutalidad policial, se nos recuerda que una parte de Estados Unidos todavía lucha por el derecho básico a existir. Baker, a través de Tangerine, ayudó a crear esa conversación en el cine y les mostró a muchos cómo ellos también podían crear arte con conciencia social: sin equipos o estudios sofisticados. En otras palabras, cómo podrían redefinir el cine.

The Tree of Life

The Tree of Life de Terrence Malick es un mosaico de una película que podría poner a prueba las limitaciones de su audiencia, pero lo más importante, las limitaciones del medio cinematográfico. Independientemente de las fallas que pueda tener con la película de Malick, no puede negar la pura burla y la originalidad que se produjo en su creación. Nunca ha habido algo así y dudo mucho que lo haya habido.

Malick intenta trascender los límites de la vida misma tratando de encontrar un tipo de significado. Esta es su búsqueda de la trascendencia, en los pequeños momentos que nos hacen y nos dan forma. La muerte, el luto, el renacimiento, la trascendencia son sólo una fracción de los temas que se abordan aquí. La corriente principal podría no haberse calentado a la narrativa no lineal de la película; Para el resto de nosotros, el simposio de formas y colores abstractos que resaltan nuestros ojos en la pantalla es justo lo que recetó el médico. Esta es la mayor experiencia cinematográfica de la década.

Twin Peaks: The Return

Además de su mera inclusión en varias listas de fin de año en el lado de las películas que provocan una discusión completa sobre los límites geográficos entre el cine y la televisión, el viaje de 18 horas de Lynch de regreso a su creación televisiva es la traducción visual absoluta de todo el sentimiento general de inquietud y en general molestias, que la última década transmitió en todos los campos. Fue un cambio en todas las mecánicas de nostalgia a las que nos acostumbramos en las producciones de Hollywood de gran presupuesto porque al final Lynch "regresó" a esos personajes y situaciones sólo para recordar a su audiencia que esta investigación es históricamente continua, inmejorable y eterna, cambiando constantemente sólo para mantenernos moderados mientras observamos que nuestros peores temores se vuelven realidad.

The Wolf of Wall Street

Sucedió demasiado en esta década para que una película se acerque a todo, pero un fenómeno, la aplicación de la tecnología digital a la mayoría de los aspectos de la creación de películas, difumina la distinción entre acción en vivo y efectos especiales y, potencialmente, entre el documental y lo ficticio. El tema de esa película es el deseo y su avivamiento; aunque Scorsese, uno de los mejores cineastas, rara vez es uno de los más elegantes, confió brillantemente en los efectos digitales para crear superficies increíblemente atractivas, porque lo que importa aquí es que la película salga, sino no tan agradable, un poco fácil, para mejor etiqueta el brillo tentador y el brillo del éxito como veneno y observa cómo se consume con avidez.

Trad. EnFilme

Fuente:  IndieWire