Lo mejor del cine en la primera mitad de 2019, según The Film Stage - ENFILME.COM
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Lo mejor del cine en la primera mitad de 2019, según The Film Stage
Publicado el 17 - Jun - 2019
 
 
2019 está llegando a mitad del camino, por lo que es hora de mirar hacia atrás en los primeros seis meses y redondear nuestros títulos favoritos hasta el momento. - ENFILME.COM
 
 
 

2019 está llegando a mitad del camino, por lo que es hora de mirar hacia atrás en los primeros seis meses y redondear nuestros títulos favoritos hasta el momento. Si bien el final de este año traerá favoritos personales de la audiencia, piense en los siguientes 21 filmes que figuran a continuación como un resumen completo de lo que debería verse en la prometedora mitad del año.

Ten en cuenta que esta función se basa únicamente en los estrenos teatrales de EE. UU. a partir de 2019, con muchos disponibles actualmente en plataformas de transmisión, videos caseros o presentaciones teatrales. Échales un vistazo a continuación, según lo ordenado alfabéticamente. 

Amazing Grace (Sydney Pollack)

Una cápsula del tiempo que es una experiencia tan fresca y poderosa como debió ser cuando se grabó en Live in Watts en 1972, Amazing Grace es una de las películas más esperadas del año después de años de litigios y una falla técnica fetal que se resolvió gracias a flujos de trabajo digitales. La película que ya existía, terminada por el productor Alan Elliot, estalla con intimidad e inmediatez y captura una actuación cautivadora y sublime de Aretha Franklin. Entre el increíble arte, descubrimos y conocemos varias influencias de Franklin, incluido su padre, el ministro y activista de derechos civiles CL Franklin, que proporciona un contexto conmovedor para la actuación junto con los comentarios proporcionados por el reverendo James Cleveland. Amazing Grace es una actuación incomparable con un cine sencillo, crudo e íntimo que es inolvidable y nutritivo para el alma.

Asako I & II (Ryusuke Hamaguchi)

Tras su fascinante drama Happy Hour de más de cinco horas, Ryusuke Hamaguchi está de vuelta con Asako I y II, en el que emplea una gran cantidad de florituras estilísticas. Basada en la novela de Tomoka Shibasaki y Netemo Sametemo, sigue a una mujer que se enamora, pero su pareja desaparece. Dos años más tarde, otro hombre aparece con un parecido sorprendente con su antiguo amante. Asako es menos melodramático que los sonidos de sinopsis de la trama, es fascinante por el uso de toques surrealistas y la diversión envolvente, lo que lo convierte en una de las experiencias cinematográficas más encantadoras dirigidas con experiencia.

Ash is Purest White (Jia Zhangke)

Durante más de dos décadas, el cineasta Jia Zhangke, a través de sus películas, mostró al público occidental un barómetro de la vida en la China del siglo XXI. Ash is Purest White fue la película más cara y, al parecer, menos política que Jia ha hecho, pero también fue su trabajo más conmovedor, aventurero y desgarrador. El socio del director, Zhao Tao, proporciona ese latido del corazón como la esposa de un hombre mafioso ausente, que va en una odisea para encontrarlo. La película, y quizás el mundo de Jia, simplemente se evaporaría sin ella.

The Beach Bum (Harmony Korine)

Si bien no hizo una marca cultural similar a los Spring Breakers, la última película de Harmony Korine es uno de sus mejores filmes. 95 minutos3 de felicidad adorable y peluda, está maravillosamente libre de estacas con un tono tan intenso que nunca se siente tedioso. Sí, Moondog es un papel para el que Matthew McConaughey nació, su viaje caprichoso y confuso también está respaldado por un hilarante reparto, desde el (peor) guía turística de la historia protagonizado por Martin Lawrence, el Capitán Wack hasta la obsesionada con Zac Efron, la cuidada que escapó de rehabilitación, Minnie de la isla Fisher, esposa de Moondog, que recibe el placer de la forma en que lo quiere. Korine está encerrado en una espiritualidad interior libre que el estado actual del cine independiente estadounidense sin duda podría usar mas.

Black Mother (Khalik Allah)

Las comparaciones de Black Mother con la poesía cinematográfica son aptas, pero es más difícil de precisar que eso, más adecuadamente descritas en relación con el sonido o la música, el jazz que fluye libremente, que conecta fluidamente de otra manera inconcebibles líneas de cultura, política e historia en Jamaica. Las caras que se muestran, rara vez coinciden con el paisaje sonoro, y los componentes visuales y de audio de la película parecen funcionar paralelos entre sí. Las palabras, en este caso, completan lo que intenta el puntaje tradicional, pero a menudo no lo logra. 

Diane (Kent Jones)

El debut como director narrativo del cineasta de cine, curador y documentalista Kent Jones provoca una gran cantidad de anticipación. A menudo, las primeras características contienen emociones crudas e ideas reprimidas ilimitadas que a menudo se suavizan en los esfuerzos futuros. Diane, escrita y dirigida por Jones, conocido por sus colaboraciones con Martin Scorsese, junto con su anterior función teatral que tuvo como objetivo recapturar el espíritu de las conversaciones de Hitchcock / Truffaut al involucrarse con los mejores cineastas que trabajan en cine contemporáneo, es una dramática observadora y matizada que se siente más cerca de las verdades emocionales de Kenneth Lonergan y Angus MacLachlan que del estilo formal de Scorsese y Hitchcock.

Dragged Across Concrete (S. Craig Zahler)

Se debe advertir a cualquier persona que se haya quedado paralizada por el triunfo hiperestilizado de sangre y violencia de Brawl in Cell Block 99. Dragged Across Concrete, el tercer filme de S. Craig Zahler, es comparativamente mucho más suave que su drama de la prisión de 2017. Pero donde la nueva entrada carece de derramamiento de sangre y violencia, todavía confirma la inclinación de Zahler por los personajes complicados, y evoca una película de acción de policías malos que, a pesar de los disparos, tensión y una segunda mitad muy superior a la primera, cristaliza a Zahler. Un nombre clave a tener en cuenta para los amantes del género.

An Elephant Sitting Still (Hu Bo)

Aunque en muchos aspectos no ha sido pulida, la primera y única característica del fallecido director chino Hu Bo es un grito en el vacío, tan crudo y resonante que te sacude de un estupor que ni siquiera te diste cuenta. Las piezas sin aliento largas crean una sensación de asfixia en tiempo real, mientras que la música sutil y el trabajo de cámara evocan la constante y tácita desesperación de mil millones de personas. Este es el trabajo de un narrador muy atento que mostró su última indignación en la pantalla y que probablemente demostró ser demasiado perceptivo para la bancarrota moral de este mundo.

Her Smell (Alex Ross Perry)

A  diferencia de los musicales, biopics de música y documentales, las películas de ficción sobre los desafíos que enfrentan los músicos en la práctica de su oficio han existido desde los primeros días del cine. Desde The Jazz Singer y A Star Is Born hasta lanzamientos recientes como Not Fade Away e Inside Llewyn Davis, las tribulaciones de la musicalidad han fascinado a los cineastas y al público. Aunque estas luchas se suelen enfatizar con propósitos dramáticos, rara vez el espectador está sujeto a la espiral descendente de uno de estos artistas durante la gran mayoría del tiempo de ejecución, y mucho menos con una lucidez tan embriagadora; una hazaña que Her Smell de Alex Ross Perry logra con gran éxito. 

High Flying Bird (Steven Soderbergh)

Sería una sorpresa que cualquier personaje escuche, digiera y aplique todo lo que se les dice en el curso de High Flying Bird, un estudio de Steven Soderbergh sobre la malversación institucional, típicamente distante y densa. Su verborrea, cortesía del creador de Moonlight Tarell Alvin McCraney, es una división equitativa entre hablar en la calle y hablar dentro del corporativo, lo que sería lo suficientemente denso si el tema no fuera tan específico: no solo la NBA o los deberes de un jugador y un agente (único y mutuo, ambos con igualdad de condiciones), pero cómo funcionan sus partes individuales, demasiado humanas, en medio de un cierre de la liga que pone a todos al límite. Las palabras, masticadas por un elenco como un filete demasiado duro, fluyen incesantemente hasta un término clave o punto de inflexión: "protocolo" y "bloqueo" para establecer argumentos. Y todo parece, que el dispositivo de grabación principal fue un iPhone. 

High Life (Claire Denis) Ve aquí nuestra entrevista con Claire Denis

Mientras que High Life ha comprendido comprensiblemente todo tipo de comparaciones con el canon de ciencia ficción cerebral de los años 60 y 70 (en particular, Solaris y 2001: A Space Odyssey), tanto por su uso abstracto de imágenes espaciales como por su diseño minimalista de la nave que a menudo se parece un hospital iluminado artificialmente lleno de tecnología anticuada, su alma está firmemente en la sensibilidad de su cineasta, la maestra francesa de Claire Denis, quien explora el género para obtener un retrato profundamente sensorial y conmovedor de la miseria y el horror que los padres están dispuestos y quizás responsables a soportar. para que sus hijos no tengan que hacerlo.

The Image Book (Jean-Luc Godard)

The Image Book, hecho meticulosamente con el collage cinematográfico, confirma que el ícono de la Nueva Ola francesa continúa en crecimiento con sus técnicas de edición, tanto en video como en sonido. Rory O'Connor dijo en su revisión de Cannes, "Dividido en cinco secciones de varias longitudes tituladas Remakes, Book of Law, Central Area, y otras dos que resultaron demasiado largas para mi memoria y mi cuaderno, Le Livre d'Image ofrece una colección de pensamientos fragmentados sobre el cine y la geopolítica, creo."

John Wick: Chapter 3 – Parabellum (Chad Stahelski)

Comenzando con lo que sería el clímax de una película de acción estándar, John Wick: Chapter 3 Parabellum funciona como una máquina bien engrasada, y ofrece exactamente lo que quieres de una manera que no sabías que querías. Retomando momentos después del final del capítulo dos, solo quedan unos minutos antes de que John Wick (Keanu Reeves) se convierta en "excomunicado" con un precio de $14 millones de dólares por su cabeza, y todos los asesinos del mundo en su cola. La sangre está en sus manos después de un asesinato en los terrenos del Hotel Continental, por lo que está huyendo, y sus opciones se están quedando cortas. 

Long Day’s Journey into Night (Bi Gan)

Una de las experiencias cinematográficas más asombrosas que he tenido en los últimos tiempos fue la odisea onírica de Bi Gan, Long Dream into Night. Si bien se ha derramado mucha tinta en su asombrosa toma 3D de una hora de duración a través de múltiples ciudades y más, el resto de la película es deslumbrante . El viaje de un detective para localizar una mujer misteriosa mientras que las influencias de Wong Kar-wai a Andrei Tarkovsky están presentes, este joven director establece una voz propia, una hazaña notable en solo dos películas.

Non-Fiction (Olivier Assayas)

¿Quién necesita la subjetividad de un hombre medio cuando tienes algoritmos que predicen lo que le gustará a la gente? A los críticos no les importa mucho en Non-Fiction de Olivier Assayas, pero no son la única reliquia supuestamente anacrónica que se arrojará por la ventana en esta gentil y profundamente compasiva comedia humana que se basa en la brecha cada vez más amplia entre las viejas y nuevas tendencias en la industria editorial para evocar una historia de cambios sociales y aquellos atrapados entre ellos.

Relaxer (Joel Potrykus)

Mientras que muchos cineastas independientes como Andrew Bujalski comenzaron a hacer películas en apartamentos con sus amigos y se ampliaron a proyectos más grandes, el loco de Michigan Joel Potrykus se ha ido regocijando y sin pedir disculpas a medida que su carrera ha progresado. Su cuarta película, Relaxer, se lleva a cabo en un apartamento, apenas en la esquina de una sala de estar donde Abbie (Joshua Burge) está atrapada en un sofá durante casi seis meses. Mientras se queda allí, su cruel (o duro amor) hermano Cam, (David Dastmalchian), le presenta una serie de desafíos. Para el primero, necesita beber un galón de leche cuajada de nueve biberones. Bajo la atenta mirada de una Sony Handicam, no se le permite abandonar el sofá bajo ninguna circunstancia hasta que termine.

Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story by Martin Scorsese

Martin Scorsese ha tenido una larga y fructífera asociación con el rock 'n' roll como musa, tema y acompañamiento, y una cosa en la que tiene una habilidad única es establecer la relación juguetonamente antagónica entre el artista y el público. A pesar de que No Direction Home de 2005 ofrecía una mirada exhaustiva de cuatro horas a una parte de la carrera de Bob Dylan, se sentía casi demasiado civil: sin el espíritu combativo que ha hecho de Dylan una figura tan profética y transmutadora. Su último intento, Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story, una crónica remasterizada de la gira de casi 60 fechas que tuvo lugar de 1975 a 1976, está tan endeudado con Dylan en su forma como contenido. Una alondra grandiosa por lo menos de diez años en su fabricación, su apertura como un conmovedor collage estadounidense oculta su dirección posterior, conscientemente dispersa. Este es un retrato de Dylan en su estado más puro y sin adulteración, un genio desolado que casi siempre está lleno de eso. 

The Souvenir (Joanna Hogg)  Ve aquí nuestra entrevista con Joanna Hogg

The Souvenir combina dos subgéneros bien transitados y, a través de la refrescante y única visión de Joanna Hogg, hace que cada uno se sienta completamente original. Su tan esperado regreso después de Exhibition de 2013 cuenta tanto una historia de adicción dolorosa como una mirada detrás de las escenas de la escuela de cine mientras seguimos a Julie (una hermosa presentación de Honor Swinton Byrne). La hija de Tilda Swinton (que también aparece brevemente), Swinton Byrne está en cada escena y se las roba a todas. Similar a la introducción reveladora de Tom Hiddleston en las dos primeras películas de Hogg, Unrelated y Archipelago, es el alma de The Souvenir, que sigue a los amantes de la muerte en una historia que se transmite con sensaciones extraídas de recuerdos dolorosos y personales.

Transit (Christian Petzold)

La migración no es solo un tema candente en el ámbito político. También es un tema candente en el teatro local de artillería. En el festival de cine de Berlín, el tema está en todas partes, desde Styx de Wolfgang Fischer y documentales como Central Airport THF, tal vez natural para la capital de un país que ahora alberga a más de un millón de solicitantes de asilo de Oriente Medio y África. El recuento audaz del niño local Christian Petzold de la novela de Anna Seghers de la Segunda Guerra Mundial sobre los refugiados que escapan de la Francia controlada por los nazis es una creación extraña y cautivadora que será difícil de superar en la alineación de la competencia, y se clasifica como una pieza rara de la época que se mete bajo la piel de las preocupaciones contemporáneas. Es una película fascinante, extraña y un tanto inquietante, y completa una especie de trío de melodramas históricos después de Barbara y su éxito mundial Phoenix, pero desarrolla los temas de forma aventurera, aunque oblicua.

Under the Silver Lake (David Robert Mitchell) Lee aquí nuestra minicrítica

David Robert Mitchell es un nostálgico. Su debut, The Myth of the American Sleepover, rindió homenaje a dramas de adolescentes como American Graffiti y el trabajo de John Hughes. Su seguimiento fabuloso, se encuentra entre los especímenes más inteligentes y efectivos del vasto y variado legado de terror de los suburbios de John Carpenter. Mitchell ha probado su suerte en un noir de Los Angeles con Under the Silver Lake, que tiene una deuda tan grande con The Long Goodbye, Mulholland Drive y Inherent Vice (por mencionar solo tres de los referentes más notorios), al igual que el laberinto de Thomas Pynchon, narraciones cargadas de paranoia. 

The Wild Pear Tree (Nuri Bilge Ceylan) Lee aquí nuestra minicrítica

Como con gran parte del trabajo de Ceylan, la mayoría de The Wild Pear Tree está cargada de diálogo, no en el sentido de Richard Linklater, sino de una manera más impenetrable y académica. Es esencialmente el cine como conversación, y estas conversaciones vienen en trozos densos, como cuando Sinan se encuentra con un popular escritor local y lo exaspera y le desagrada con preguntas sobre su trabajo o, más tarde (en lo que es la secuencia más agotadora de la película), como Sinan y dos viejos amigos caminan comiendo manzanas y hablando de fe. La mayor parte del tiempo, esto se siente como auto-reflexión. Sinan intenta constantemente que su libro sea financiado por funcionarios locales, solo para que se le niegue continuamente porque su trabajo, tal como lo ven, tiene poco valor para los turistas. Ceylan es el cineasta vivo más famoso de Turquía; Solo podemos imaginar que se le han puesto presiones similares.

 Trad. EnFilme 

Fuente: The Film Stage 


 
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