El año 2018 fue testigo de la muerte de una leyenda cinematográfica como Robby Müller, un colaborador habitual de Wim Wenders y Jim Jarmusch, que, con su trabajo en Paris, Texas, Down By Law, Dead Man y Breaking the Waves, fue el responsable, quizás más que nadie, de definir y expandir la estética de los años ochenta y noventa. Ese será uno de los sucesos tristes que se recuerden de este año. No obstante, 2018 ha sido un año excepcional para el oficio que perfeccionó y elevó, y así, The Playlist le rinde un pequeño homenaje dedicándole su lista de los 20 mejores trabajos de cinefotografía de 2018.

20. The Ballad of Buster Scruggs – Bruno Delbonnel

No es una coincidencia que los segmentos más fuertes en la desigual antología western de los hermanos Coen tengan lugar durante el día: hay tal placer pictórico en el dominio de Bruno Delbonnel de vistas del desierto resecado, valles verdes y ciudades fantasma envueltas en la oscuridad.

19. The Little Stranger – Ole Bratt Birkeland

Para su crédito (pero también su detrimento) la adaptación de Lenny Abrahamson de la novela gótica de Sarah Waters está más motivada por el estado de ánimo que por la trama. De hecho, se podría decir que la atmósfera se convierte en la narrativa, ya que gradualmente nos damos cuenta de que tal vez los fantasmas aquí son una función menos de la realidad de la historia, que de cómo se cuenta y quién lo cuenta. Esto coloca la responsabilidad de contar la historia en la fotografía de Ole Bratt Birkeland en un grado inusual, y ofrece una clase magistral sobre la subjetividad manipulada y la fabricación de la incomodidad vestida de época.

18. Mandy – Benjamin Loeb

Una lección magistral sobre cómo maximizar el impacto de la imagen a pesar del presupuesto mínimo; el trabajo de Benjamin Loeb sobre la respuesta sostenida de Panos Cosmatos a la película de venganza serie B es refrescantemente anticuada en su enfoque para crear los efectos de, precisamente, la vieja escuela. Aunque el deseo de filmar en celuloide, como un homenaje a los muchos puntos de referencia claros de la película, es casi palpable en todo, las técnicas cinematográficas aplicadas a la cámara digital brindan un aspecto casi impecable. Filtros carmesí y profundo de zafiro, lentes anamórficas e iluminación altamente direccional, que emanan de fuentes prácticas como faros de automóviles y piras funerarias improvisadas.

17. At Eternity’s Gate – Benoît Delhomme

El filme de Julian Schnabel es una obra poética fascinante y poética del arte expresivo. Delhomme hace por arte e inspiración lo que Terrence Malick y Emmanuel Lubezki hacen por la naturaleza y la lucha existencial y, por supuesto, hay muchas coincidencias temáticas, emocionales y visuales. Delhomme adopta un enfoque pictórico, naturalmente, fluye con los ritmos y las inspiraciones de la mente angustiada de Van Gogh (bellamente interpretada por Willem Dafoe) y tomas largas con algunos cortes sumergidos en los hermosos paisajes que lo rodean.

16. Black Panther – Rachel Morrison

Rachel Morrison, que ya estaba destinada a la inmortalidad trivial como la primera mujer nominada a un Oscar a la Mejor Fotografía, no solo demostró su poder de permanencia en 2018, sino también su versatilidad, alejándose de la terrenalidad de Dee Rees  en Mudbound para transitar hacia los paisajes llenos de acción y desenfrenados de Black Panther.

15. Annihilation – Rob Hardy

Varios de los cineastas que figuran en esta lista tienen más de un título de 2018 a su nombre, pero sería difícil encontrar uno que trabajara con una mayor disparidad de escala que Rob Hardy, quien presentó la acción de gran presupuesto de Mission: Impossible – Fallout y también se volvió a unir con Alex Garland, después de Ex Machina, en Annihilation. El estilo de Hardy para la ciencia ficción existencial de Garland posee un alto grado de esterilidad clínica.

14. A Quiet Place – Charlotte Bruus Christensen

Gran parte del atractivo del filme proviene del enfoque visual que, en la fotografía de 35 mm de Charlotte Bruus Christensen, tiene más en común con los primeros trabajos de Spielberg que con el horror clásico. Convertir una historia sobre extraterrestres con una audición extraordinariamente aguda en un drama familiar sobre resiliencia puede parecer contraintuitivo, pero Christensen, aporta una elegancia casi antigua a la toma de fotografías que nos invierte más en las personalidades internas que en las amenazas externas.

13. A Star Is Born – Matthew Libatique

El concierto de apertura es tan convincente, enérgico y seductor como un retrato de la pura intoxicación del estrellato del rock, como hemos visto, y da sentido a todo lo que viene después, a todas las formas en que las personas se arruinarán a sí mismas. Incluso cuando la acción se mueve fuera del escenario, el enfoque de Libatique es rock 'n' roll, imbuyendo esas escenas tempranas entre el Ally de Gaga y el Maine de Cooper con un ostentoso, incansable glamour impregnado del cine independiente de la década de 1970.

12. Museo – Damián García

la constante e inquieta reimaginación visual de las películas que Damián García y Alonso Ruizpalacios están homenajeando está, en última instancia, más que justificada por el tema central de esta narrativa metaficcional juguetona, límite: todo es sobre la verdad y la falsedad, y sobre cómo la autenticidad puede carecer de precio o valor, dependiendo del ojo del espectador.

11. Hereditary – Pawel Pogorzelski

Ciertamente no hubo otra película en 2018, y muy posiblemente ninguna otra película en la memoria reciente, que bailara tan delicada y diabólicamente en el límite de lo que el ojo humano puede discernir en la oscuridad. Pawel Pogorzelski, trabajando con el director Ari Aster, se acercó a este clásico con un arte tan literalmente oscuro que algunos críticos llegaron a definir la película como algo más que un horror. Parte de la razón por la cual la cinematografía de la película es tan intrínseca a su efectividad es que Pogorzelski estuvo involucrado en el proyecto prácticamente desde su inicio, y cuenta cuántos de sus momentos más espeluznantes y las secuencias más inquietantes son puramente visuales.

10. Cold War – Lukasz Zal

Aunque el cinefotógrafo polaco Lukasz Zal trabajó anteriormente en blanco y negro para lograr un efecto sublime en Ida de Pawel Pawlikowski, su reunión con el director, en todo caso, demuestra la elasticidad del formato para captar un ambiente y un tono completamente diferentes. Los marcos monocromáticos de Ida se caracterizaron por una serena quietud que parecía emanar de la pureza etérea de la cara de Agata Trzebuchowska. Y mientras que Cold War no está menos fascinada por su protagonista, Joanna Kulig, no menos magnetizada con ella en todo, la fotografía, al igual que su personaje, es mucho menos compuesta y obediente.

9. Suspiria – Sayombhu Mukdeeprom

Una extravagancia del estilo sobre la sustancia en la que el desafío es menos narrativo que se trata de mostrar lo grotesco de tal manera que engaña al ojo para creerlo. Hay secuencias clásicas de películas de terror, como esos montajes de pesadilla que se deslizan con imágenes de sueños increíblemente inquietantes. Pero Suspiria es más notable por su audaz combinación de lo muy escabroso con lo muy monótono. Así que, aunque este es un cuento de brujas, posesiones y fuerzas antiguas que incluso preceden al bien y al mal, está empapado en un Berlín gris y severo, y está envuelto en una paleta de colores sorprendentemente sombríos.

8. Zama – Rui Poças

El desafío de la pieza del período astutamente surrealista de Lucrecia Martel es que, en última instancia, se trata de la estasis, la torpeza y la inacción forzada durante un período de tiempo tan largo que se convierte en una especie de trastorno. ¿Cómo absorbernos en una historia, entonces, es, por definición, casi totalmente ausente el impulso hacia adelante? Martel recurre a Rui Poças, para crear una intrincada visión de este remoto relato ambientado en el siglo XVII de Asunción. Cada cuadro está lleno de vida y amenaza, a pesar de trabajar en una paleta sorprendentemente blanquecina en la que los verdes fríos y los cielos pálidos están acentuados por las extrañas salpicaduras de color turquesa y rosa desteñidas en el vestuario.

7. The Rider – Joshua James Richards

El magnífico filme de Chloe Zhao es una historia rural endeudada con los grandes cielos y los amplios pastos, donde no se puede mostrar a un hombre a caballo recortado contra el cielo sin invocar el espíritu de John Ford y el halo de la mitología western. Pero a pesar de estar ambientado en el ostensiblemente machista mundo del rodeo, y de ser tan naturalista en la ejecución que es casi docuficción, la fotografía de Richards tiene una delicadeza y sensibilidad que desde el principio nos invierte más en el viaje interior del protagonista.

6. Burning – Hong Kyung-pyo

El brillo discreto de la cinematografía de Hong Kyung-pyo es un ejemplo perfecto del engaño que la película nos propone, con tanta facilidad y con una seguridad tan inefable que es imposible encontrar las combinaciones. Hong utiliza luz natural casi exclusivamente, a menudo utilizando la penumbra del amanecer o el atardecer para ponernos en una especie de limbo, y ocultando aún más la verdad, mientras que permite que la violencia y el gran drama se desarrollen a fuego lento.

5. First Man – Linus Sandgren

Durante algunas de las secuencias de acción más palpitantes del año, el alcance de Linus Sandgren es decididamente íntimo, lo que sugiere el peligro de un choque inminente con poco más que estremecedor, impresiones abstractas de luces parpadeantes, paneles temblorosos y diales análogos giratorios, como si sólo podemos experimentar lo que habría sido en la línea de visión de Armstrong. De vuelta en la tierra (y cuando finalmente está en la luna) los impulsos de pantalla panorámica más clásicos de Sandgren toman el control, aunque incluso en escenas domésticas y secuencias de entrenamiento, Armstrong, de Ryan Gosling, a menudo se enmarca para parecer distante.

4. If Beale Street Could Talk – James Laxton

Aterciopelada y exuberante, así es lo que James Laxton logra en el filme de Barry Jenkins, una adaptación de la novela de James Baldwin que reemplaza los azules y morados magullados de la paleta de Moonlight con tonos románticos otoñales y dorados. Esta estetización abierta tiene sus críticas, por supuesto, especialmente en el contexto de un drama de temas sociales que trata sobre el racismo sistémico, el encarcelamiento injusto y el embarazo no planificado en los alrededores de los años 70 de Harlem. Pero la ausencia de agallas visuales es el punto.

3. The Favourite – Robbie Ryan

Robbie Ryan, un colaborador habitual de Andrea Arnold, probablemente obtendrá su primera nominación al Oscar por su trabajo alegremente travieso y pesado en el filme de Yorgos Lanthimos, que otorga energía anárquica y anacrónica a lo exquisito del diseño de producción barroco. Sin embargo, a pesar de lo exageradas y cómicas que pueden ser las exageraciones, el enfoque de Ryan también realza el patetismo de la historia.

2. You Were Never Really Here – Thomas Townend

El filme de Lynne Ramsay es el portador estándar de ese fenómeno en el que la fotografía de Thomas Townend es indivisible de la edición de Joe Bini, la música de Jonny Greenwood y el diseño de sonido de Paul Davies. Las elecciones específicas que realiza Townend en términos de composición son absolutamente cruciales. Aunque esta clase magistral en deconstrucción se siente como si de algún modo se construyera a partir de la aniquilación, a partir de los hechizos irregulares que quedan cuando lanzas un martillo en los clichés del género de la venganza, las escenas reales están rodadas con gracia y consideración casi elegíacas.

1. Roma – Alfonso Cuarón

Desde el plegado de la ropa en un dormitorio hasta la masacre de manifestantes en la calle; desde un día en la playa hasta una noche en el cine o una escena de parto en tiempo real; todos esos momentos se reflejan en una pantalla panorámica en blanco y negro con una plasticidad asombrosa. Muy a menudo, cuando se trata de la recreación de un período pasado, hay una sensación ineludible de que las escenas están vestidas para la cámara, que hay una rigidez impuesta porque justo fuera del cuadro hay algo de anacronismo, algún poste de teléfono o Starbucks. Señalizaciones que arruinarán el efecto. Pero el milagro de Cuarón es que la reanimación meticulosa de su infancia es tan amplia y tan pulcra, tan vasta y completa que abarca sus propios horizontes.

Trad. EnFilme

Fuente: The Playlist