Los mejores debuts de directores en 2015 según The Film Stage - ENFILME.COM
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Los mejores debuts de directores en 2015 según The Film Stage
Publicado el 15 - Dic - 2015
 
 
The Film Stage ha seleccionado los mejores debuts en dirección del 2015 - ENFILME.COM
 
 
 

El equipo de The Film Stage ha seleccionado los mejores debuts en dirección del 2015, como una celebración a la aparición de nuevas voces en el mundo del cine. 

A continuación la lista de los filmes que más los impresionaron:

 

‘71 (Yann Demange)

La intensa historia de Gary Hook (Jack O’Connell), un soldado británico enviado a Belfast que es separado de su regimiento en una trifulca. Mezclando la sensación de High Noon con una ejecución no muy distinta a la de Die Hard — al menos en la segunda parte— Demange despliega su historia con inmediatez en cada momento, respaldada por una actuación apasionada de O’Connell. A pesar de caer en algunas trampas narrativas cansadas, el guinista y director anticiparnos a lo que viene después.

 

 

Bone Tomahawk (S. Craig Zahler)

De todos los géneros cinematográficos, el western es uno de los que tienen mayor maleabilidad aun si paradógicamente es visto como uno de los más formales. Queda claro que se puede hacer con él lo que se desee, incluso una película de terror. El director S. Craig Zahler toma esa verdad y crea una nueva experiencia con Bone Tomahawk. Con un ritmo perfecto, bellas tomas y con una paleta de tonos que da consistencia a los diálogos y las escenas de acción.

 

 

Christmas, Again (Charles Poekel)

La navidad es un tiempo solitario para muchos, un "tiempo para dar" que recuerda a muchos lo que hemos perdido. Esa es la sensación de  Christmas, Again, producida, escrita y dirigida por  Charles Poekel. En ella seguimos a Noel (Kentucker Audley), quien vende árboles de navidad en Manhattan por quinta vez consecutiva. Está sobrepasando una reciente ruptura y trabajando con el hermano menor de su antiguo compañero. 

 

 

The Diary of a Teenage Girl (Marielle Heller)

El estupendo debut de Marielle Heller, basado en la novela gráfica homónima de Phoebe Gloeckner, es una excepcional historia de la llegada a la adultez. Ubicada en San Francisco durante la década de 1970, está centrada en Minnie Goetze (Bel Powley), una joven adolescente experimentando con su sexualidad, drogas y más. Ver el mundo a través de los ojos de Minnie mantiene la atención de principio a fin, pero al salir del cine es imposible no reflexionar sobre las decisiones que se hacen en la adolescencia.

 

 

Ex Machina (Alex Garland)

Ex Machina atenta contra la dificultad de presentar una historia de ciencia ficción en un futuro cercano. El experimento con el marco narrativo es maravilloso, pero lo que logra como thriller es completamente impresionante. 

  

 

Faults (Riley Stearns) 

Riley Stearns hace a un lado la trampa de un aburrido debut indie haciendo una historia irresistible y filmando con un ojo paranoico que mantiene el nivel de energía alto y la intriga en un punto álgido. Y aunque prácticamente toda la historia se desarrolla en una locación, Stearns nos mantiene de puntas con su trama ingeniosa, edición de pesadilla y un firme punto de vista narrativo. Más allá de sostenerse en el poder de los actores, el director usa la cámara para ponernos en su mente. 

 

 

The Gift (Joel Edgerton)

The Gift es el triunfo de un actor, guinista y director que sabe lo que la audiencia quiere y necesita. Edgerton es capaz de orquestrartensión sin siquiera darse cuenta y a través del sentido común e interacciones incómodas, crea un villano de horror muy traumatizante. Su película se vuelve más fuerte al introducir el drama de los que nacen ganadores y los que nacen perdedores, haciendo una incisión profunda. 

 

 

Güeros (Alonso Ruizpalacios)

Lo que está en la pantalla parece estar "sobredirigido", pero las excentricidades visuales en Güeros — un giro de cámara aquí, una toma de dolly muy extendida por allá, una corretiza grabada con cámara en mano por la calle- están intervenidas por el entendimiento de Alonso Ruizpalacios: lo que está en la mesa es un viaje con algunas divagaciones y el sentido de importancia de un destino final.

 


James White (Josh Mond)

Mientras provee de otro estudio intimo de un personaje fracturado, James White es también una película inesperada y que envuelve de una forma cálida. Quizá algunos filmes más comerciales son tímidos al presentar los procesos de caída y pérdida pero Josh Mond muestra valentía al encaminarnos por los desolados eventos en la travesía de James White.

 

 

The Mend (John Magary)

The Mend es muy específica en su atmósfera, tiempo, musicalidad en su edición y tiene detalles muy cuidados como el balance entre las actuaciones de Josh Lucas, Stephen Plunkett, y Lucy Owen (amargura viciosa, amargura depresiva y un raído sentido de adutez , respectivamente); los numerosos pasajes que sinconizan sonido, imagen y estado mental o el sorpresivo comportamiento de los personajes primarios y tercearios, que da una sensación de que todo puede suceder. 

 

 

Mustang (Deniz Gamze Ergüven) 

Algunas veces cuando un filme es tan auténtico, íntimo y logrado, es posible imaginar que al director le ha costado décadas construir su voz artística. Es una sorpresa darse cuenta de que Mustang es el debut de Deniz Gamze Ergüven. La película cuenta la historia de un grupo de hermanas de Turquía que enfrentan las presiones familiares y sociales para aceptar y estructurar su vida alrededor de un matrimonio arreglado. Es una cinta llena de humanidad, emoción, que rompe el corazón celebra la independencia y la hermandad.

 

 

Partisan (Ariel Kleiman)

El debut en dirección de Ariel Kleiman es un drama que va desenvolviéndose pacientemente y muestra los alcances que es posible llevar a cabo para ofrecer refugio y comunidad -y lo que pasa cuando traspasas los límites. Vincent Cassel nos da una escalofriante actuación protagónica como el líder de la comunidad, con los rasgos de un patriarca y la tristeza de lo que está haciendo.

 

 

Son of Saul (László Nemes)

El resultado del primer trabajo como director de László Nemes es una película claustrofóbica y abrumadoramente intensa que a duras penas baja el ritmo en los 107 minutos que dura. La experiencia de verla es implacablemente desgarradora, acercándose a lo traumático. Aunque Son of Saul se atreve a indagar incluso más allá que la mayoría de los filmes sobre el Holocausto, ni una sola vez se adentra en el territorio de lo explotador.

 

 

Slow West (John Maclean)

Slow West crea un extraño paisaje surrealista a través de la intimidad y la luz. Episódica en la mejor de las maneras, esta película ofrece tiempo en  la misma medida para la acción y los interludios líricos, y permite humor tanto en los personajes como en los incidentes. Maclean toma momentos para enfocar las piezas de la historia y pequeñas ironías con las que otros directores no se molestarían. Es un gesto irónico y de desprecio para la mueca ensangrentada de Bone Tomahawk

 

 

Uncle John (Steven Piet)

Thriller adormecido. Comedia romántica indie. Humor negro. El debut del escritor y director Steven Piet —quien escribió el guión en conjunto con Erik Crary —es una de esas cosas y mucho más. Además de balancear múltiples géneros con failidad, esta historia bifurcada de un granjero retirado, un oficinista de la gran ciudad y un asesinato se cubre con un dinamismo de edición paralela, personajes encantadores y la acción de capturar la belleza de la simple vida rural moderna de Estados Unidos.  

 

Fuente: The film stage

NVL (@Natmond22)

 
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