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Martin Scorsese y sus filmes preferidos de Criterion Collection
Publicado el 24 - Feb - 2016
 
 
Martin Scorsese habla sobre sus filmes preferidos de Criterion Collection. - ENFILME.COM
 
 
 

Video: Las 11 películas de terror favoritas de Martin Scorsese

Además de ser un galardonado y aclamado director de cine, Martin Scorsese (Taxi Driver, 1976;  Raging Bull, 1980; The Wolf of Wall Street, 2013) cuenta con una larga trayectoria que incluye la realización de más de 20 largometrajes de ficción, documentales, cortometrajes y series televisivas. Él es el fundador de Film Foundation, una organización sin fines de lucro creada en 1990 y dedicada a la protección y preservación de la historia del cine; al trabajar en asociación con los archivos y los estudios, la fundación ha ayudado a restaurar cerca de 700 películas que se hacen accesibles al público a través de la programación en festivales, museos e instituciones educativas de todo el mundo. Mediante el programa World Cinema Project, la fundación de Scorsese ha restaurado 26 películas de 19 países diferentes que representan la rica diversidad del cine mundial.

A continuación te compartimos los filmes preferidos de Martin Scorsese, una selección que él realizó a partir del catálogo de Criterion Collection:

*La lista incluye los comentarios del director.

Paisà

Dir. Roberto Rossellini, Italia, 1946

En My Voyage to Italy, el documental que hicimos sobre el cine italiano, empezamos con esta película. Para mí, este fue realmente el comienzo. La vi por primera vez en la televisión con mis abuelos, y su reacción abrumadora de lo que había sucedido en su tierra natal desde que salieron a principios del siglo XX estaba tan presente y viva para mí como las imágenes y los personajes. Yo estaba experimentando el poder del cine en sí, en este caso hecho mucho más allá de Hollywood, en condiciones extremadamente difíciles y con equipos inferiores. Y también estaba viendo que el cine no era sólo sobre la película en sí, sino la relación entre el cine y su público. Fellini dijo que cuando Rossellini estaba filmando la secuencia del Valle del Po, él actuó por puro instinto, inventando libremente a medida que avanzaba. El resultado en ese episodio –y en los capítulos referentes a Sicilia , Nápoles y Florencia– sigue siendo sorprendente: es como ver la realidad misma que se desarrolla frente a tus ojos.

 

The Red Shoes

Dir. Michael Powell y Emeric Pressburger, Reino Unido, 1948.

He dicho y escrito mucho acerca de esta película en los últimos años; para mí siempre ha sido una de las más grandes películas que se han hecho, y cada vez que vuelvo a verla –aproximadamente una vez al año– es algo nuevo: se revela otro lado, otro nivel, y es algo más profundo. ¿Qué es lo que tiene de especial? Es hermosa, una de las películas más bellas que se han hecho en Technicolor; que tiene un extraordinario sentido de tal magia que te invita a mirar de nuevo, en el movimiento y la energía del propio cine, es un amor profundo y duradero del arte, la creencia en el arte como un estado auténticamente trascendente.

 

The River

Dir. Jean Renoir, Francia/Reino Unido/India, 1951.

Los años después de la guerra fueron una época muy especial en el cine, en todo el mundo. Millones de personas fueron asesinadas, ciudades enteras destruidas, fue sacudida la fe de la humanidad en sí misma. Los más grandes realizadores se interesaron en crear meditaciones sobre la existencia y el milagro de la vida misma. […] Esta fue la primera obra de Jean Renoir después de su etapa americana, su primera a color, y usó la novela autobiográfica de Rumer Godden para crear una película que es, en realidad, de la vida, una película sin una historia real que tiene que ver con el ritmo de la existencia, los ciclos de nacimiento, muerte y regeneración, y la belleza transitoria del mundo.

 

Ugetsu monogatari

Dir. Kenji Mizoguchi, Japón, 1953.

Mizoguchi es uno de los más grandes maestros del cine; él está a la altura de Renoir, Murnau y Ford, y después de la guerra hizo tres filmes (The Life of Oharu, Ugetsu y Sansho the Bailiff) que se destacan por estar en la cumbre del cine. Todo su arte se canaliza en la simplicidad más extraordinaria. Estás cara a cara con algo misterioso, trágicamente inevitable, y luego, al final, tranquilamente conmovido. Amo casi todos sus filmes, pero Ugetsu tiene el efecto más poderoso en mí. Hay momentos que he visto una y otra vez y que siempre me dejan sin aliento: el barco materializándose poco a poco conforme sale de la niebla y avanza hacia nosotros… Sólo pensar en estos momentos me llena de asombro y maravilla.

 

Ashes and Diamonds

Dir. Andrzej Wajda, Polonia, 1958.

Vi Cenizas y diamantes por primera vez en 1961, e incluso en ese entonces, durante ese periodo en el que esperábamos estar sorprendidos por las películas, me impactó. Tenía que ver con la apariencia como una pesadilla; el sentido enloquecedor, el absurdo, la tragedia de las luchas políticas internas en el borde de la paz y la guerra; y la belleza del actor principal, Zbigniew Cybulski. La película tiene el poder de una alucinación: puedo cerrar los ojos y ciertas imágenes parpadean de nuevo en mí con la fuerza que tenían cuando las vi por primera vez hace más de cincuenta años. Me he cruzado con Andrzej Wajda unas cuantas veces a lo largo de los años, y siempre me he sentido intimidado por su energía y su visión inquebrantable […] Él es un modelo a seguir para todos los realizadores.

 

L’avventura

Dir. Michelangelo Antonioni, Italia, 1960.

Aquí hay otra película de la que tanto se ha hablado y escrito a lo largo de los años que terminas pensando: “No hay nada más que decir”. Pero, por supuesto, eso siempre es una salida fácil, ya que nunca es cierto. Siempre hay algo más que decir acerca de una película, Verla ahora es verla de nuevo, verla en  el año 2014 en comparación con 1960, es una experiencia muy diferente, y para algunas personas, literalmente, es una experiencia completamente nueva. Soy consciente de que La aventura es sobre personajes “alienados” de su entorno, pero esa palabra ha sido utilizada a menudo para describir esta película y las películas de Antonioni, en general. De hecho, yo la veo, más que nunca, como una película sobre personas en peligro espiritual: sus señales espirituales se interrumpen, por lo que ellos ven el mundo que les rodea como hostil e implacable. Visual, sensual, temática y dramáticamente está elaborada de manera espectacular; en todos los sentidos, es una de las grandes obras del cine.

 

Salvatore Giuliano

Dir. Francesco Rosi, Italia, 1962.

Este gran mosaico histórico y político de Francesco Rosi es una indagación dramática sobre las circunstancias en torno al asesinato del bandido siciliano Salvatore Giuliano. Por un lado, se trata de una película extremadamente compleja: no hay protagonista central (el propio Giuliano no es un personaje, sino una figura en torno al cual los pivotes de acción se ejecutan), y  el relato se mueve entre los marcos de tiempo y los puntos de vista. Pero también es un cuadro hecho desde el interior que refleja un amor profundo y la comprensión de Sicilia y su gente, personas que han tenido que soportar la traición y la corrupción. Es una investigación rigurosa, pero nunca seca. La película tiene la sangre que fluye a través de sus venas, y está rodada en blanco y negro que es absolutamente electrizante (el director de fotografía fue Gianni Di Venanzo, que trabajó en muchas de las más grandiosas películas italianas de los años 50 y los años 60, como L'Eclisse de Antonioni y de Fellini). Y Salvatore Giuliano es, entre otras muchas cosas, un gran himno a Sicilia, la tierra de mi familia, y por esa razón la acaricio.

 

Dir. Federico Fellini, Italia, 1963.

¿Qué haría Fellini después de La dolce vita? Todos nos preguntamos. ¿Cómo podría superarse a sí mismo? Hizo algo que nadie podía haber previsto en aquel momento: tomó su propia vida y su labor como director de cine y artista para construir una película alrededor de ello. destaca por la libertad, el sentido de la invención, el rigor subyacente en el núcleo profundo del anhelo, la atracción fascinante, la física de los movimientos de la cámara y las composiciones (cada imagen brilla como una perla). Pero también ofrece un retrato asombroso sobre lo que implica ser artista, tratando de sintonizar toda la presión, la crítica, la adulación y el asesoramiento, para encontrar el espacio y la calma y poder escucharse a uno mismo. Es una película que ha inspirado a muchos otros filmes en la historia del cine. Al igual que con The Red Shoes, esta es una obra que veo al menos una vez cada año, y siempre es una experiencia diferente.

 

Le mépris

Dir. Jean-Luc Godard, Francia/Italia, 1963.

Yo solía pensar en Godard y Antonioni como los grandes artistas plásticos modernos del cine –grandes coloristas que componen cuadros visuales de la manera en que los pintores lo hacen en sus lienzos–. Todavía pienso que sí, pero también me conecto con ellos en el nivel emocional. Y para mí, Desprecio es una de las películas más emocionantes de su época. En ese momento, la gente hablaba mucho acerca de la combinación poco probable de los artistas implicados: una producción multilingüe de Carlo Ponti con una novela de Alberto Moravia, protagonizada por Brigitte Bardot, coprotagonizada por Michel Piccoli y Jack Palance, filmada en Cinecittà y en la Casa Malaparte en Capri, dirigida por Jean-Luc Godard, y con Fritz Lang interpretándose a sí mismo. Es un retrato de la ruptura de un matrimonio que logra profundizar en los detalles, especialmente durante la larga escena entre Piccoli y Bardot en su apartamento: incluso si uni no sabe que el propio matrimonio de Godard y Anna Karina se desmoronaba en esa época, se puede sentir en la acción, el movimiento de las escenas, las interacciones que se extienden tan majestuosamente, como una pieza de música trágica. El filme es también un lamento por un tipo de cine que fue desapareciendo en el momento, encarnado por Fritz Lang y la adaptación de la Odisea que él está dirigiendo. Y es un profundo encuentro cinematográfico con la eternidad, en el que tanto el matrimonio perdido como el cine parecen disolverse. Es una de las grandes películas, una de las más aterradoras que jamás se ha hecho.

 

Il gatopardo

Dir. Luchino Visconti, Italia/Francia, 1963.

Otra obra maestra sobre Sicilia, otra meditación sobre la eternidad, y un rico tapiz histórico meticulosamente compuesto en color y en 70mm. Luchino Visconti se basa en la novela publicada póstumamente del conde Giuseppe Tomasi di Lampedusa, sobre un príncipe siciliano que, durante el momento de la unificación italiana (también conocido como Risorgimento), decide alejarse del poder porque considera que la vida que ha llevado a ese momento lo está acorralando hacia su fin. Visconti y sus compañeros guionistas (había cuatro de ellos, incluyendo sus frecuentes colaboradores Suso Cecchi D'Amico y Enrico Medioli) trasladaron la novela de Lampedusa a una obra totalmente nueva a gran escala, una epopeya, pero de un tipo muy inusual. El tiempo es el protagonista de Il gatopardo: la escala cósmica del tiempo, de los siglos y las épocas. Los paisajes, las locaciones y los diseños son cuidadosamente seleccionados, los trajes, las ceremonias y rituales, todo está al servicio de la profundización de nuestro sentido del tiempo y el cambio a gran escala, y todo culmina en una secuencia de una hora de duración en un baile en el que se puede sentir a través de los ojos del príncipe, toda una forma de vida (una que el propio Visconti sabía muy bien) en el proceso de desvanecimiento.

LFG (@luisfer_crimi)

Fuente: The Criterion Collection

 
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