Sight & Sound: Los mejores filmes del 2013 - ENFILME.COM
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Sight & Sound: Los mejores filmes del 2013
Publicado el 28 - Nov - 2013
 
 
La prestigiosa publicación británica Sight & Sound ofrece un adelanto de aquello que la revista considera lo mejor de este año. El grupo de editores dio a conocer sus filmes preferidos del 2013. - ENFILME.COM
 
 
 

El día de ayer les dimos a conocer los 10 filmes que eligió la revista francesa Cahiers du Cinéma como lo mejor de 2013. Ahora, la prestigiosa publicación británica Sight & Sound ofrece un adelanto de lo que varios integrantes de la revista consideran lo mejor de este año.

Para el próximo número que publicaran en enero de 2014, Sight & Sound ha convocado la participación de más de un centenar de críticos, curadores, investigadores, teóricos y académicos procedentes de todo el mundo quienes hacen una completa revisión de los mejores filmes de este año. Por lo pronto, los editores ofrecen sus respectivas listas con las obras cinematográficas más destacadas de este 2013 que está a punto de terminar.

 

Nick James (Editor)

The Great Beauty de Paolo Sorrentino

Mujeres de la alta sociedad, nuevos ricos, políticos, criminales de altos vuelos, periodistas, actores, nobles decadentes, alta curia, artistas e intelectuales reales o fingidos tejen redes de relaciones inconsistentes, devorados por una Babilonia desesperada que se agita entre palacios históricos, villas inmensas y las terrazas más hermosas de la Ciudad Eterna. Y no se muestran en una buena luz. Jep Gambardella, de 65 años, escritor y periodista, desencantado de la vida, con los ojos permanentemente húmedos de gin tonic, asiste a este desfile de vacuidad, tan poderoso como deprimente. La fatiga de la vida disfrazada de diversión distraída. Una atonía moral que da vértigo. Y como escenario, una Roma veraniega, hermosa e indiferente, como una diva muerta.

(Cineuropa)

 

Ida de Pawel Pawilkowski

Hace años, en el 2000, vi aquí en Londres Last Resort, un pequeño y emotivo filme sobre una mujer rusa que viajaba con su hijo a Inglaterra para encontrarse con su novio, pero nunca lo encontraba. Su director, Pawel Pawlikowski, polaco residente en Inglaterra, comentaba que nutrió de muchas de sus experiencias como inmigrante a una película que era melancólica y cruda, pero que también tenía fulgores de esperanza. 13 años después (dos filmes más en el inter) se presenta en el London Film Festival con la que bien podría ser la mejor película del festejo cinematográfico: Ida, uno de esos filmes que consagran carreras. En un afilado y puro blanco y negro, utilizando el formato 4:3, encuadrando con espaciosos aires en la parte superior de la toma (como queriendo acentuar lo lejano que nos queda el cielo), y escatimando los movimientos de cámara al máximo, Pawlikowski cuenta la historia de una sierva de Dios, a punto de tomar los votos (castidad, obediencia y pobreza), que en la Polonia de los sesenta emprende la búsqueda por sus orígenes de la mano de una tía que en sus mejores días tuvo poder político, y sigue siendo atractiva, libertina y extrovertida, pero que vive apabullada por los estragos del pasado…y del presente; anestesiándolos con vodka. Juntas rastrean las raíces judías de la monja, y el destino de sus padres. Un filme respetuoso, que reflexiona sobre la identidad y el poder de la fe, con alma refulgente. Incuestionablemente una de las mejores películas de este año; Ida representa la entrada de Pawel Pawlikowski a la élite de los grandes realizadores europeos de este momento.

AFD (@SirPon)

 

Stray Dogs de Tsai Ming-liang

La moderna ciudad de Taipéi sirve como escenario para que un padre se gane la vida en las calles sosteniendo unas vallas y carteles que anuncian la venta y renta de lujosos departamentos. Al final de su jornada laboral, se reúne con su hijo e hija quienes deambulan por ríos, bosques, calles y supermercados para obtener muestras gratuitas de alimentos y poder sobrevivir. Cada noche, la familia se reúne para cenar, cepillarse los dientes, limpiarse en baños públicos y refugiarse en edificios abandonados, y dormir juntos en el mismo colchón abrazando fuertemente una cabeza de col. Tsai Ming-liang recurre a escasos diálogos y largas tomas con planos fijos para reflejar la pesadumbre de los olvidados. Aquellos que viven en los márgenes del progreso; mientras el centro es lujoso, la periferia es un vertedero de perros callejeros. El retrato fluctúa entre la desesperación y la esperanza –esta última representada en un hipnótico mural sobre un paisaje idílico que es admirado por el protagonista–, y que muestra lo difícil y fastidiosa que resulta la existencia para muchos.

LFG (@luisfer_crimi)

 

Upstream Color de Shane Carruth

El esperado filme de Shane Carruth, que en 2004 realizó el aclamado thriller de viajes en el tiempo Primer, es audazmente experimental que su predecesor. Kris (Amy Seimetz ), una joven oficinista, es secuestrada y drogada por un ladrón, quien le implanta un cuerpo extraño. En libertad y de regreso a casa, Kris descubre que el misterioso procedimiento al que ha sido sometida ha incrementado la intensidad de su sensibilidad a la naturaleza: los sonidos, los colores, los procesos biológicos, incluso microscópicos que la envolverán en una ola sensorial constante que la harán incapaz de funcionar en su vida cotidiana. Kris conoce a Jeff, un excorredor de bolsa, cuya rapidez con la que percibe la vida, hace pensar a Kris que él ha sido víctima de la misma operación. descarrilar la vida indica que podría haber sido víctima de la misma operación. Guiados por pasajes del Walden de Thoreau, la pareja buscará desentrañar el misterio de su inexplicable condición.

(TIFF)

 

Zero Dark Thirty de Kathryn Bigelow

Maya (Jessica Chastain) es una joven agente de la CIA que ha pasado varios años concentrada en la búsqueda de Osama Bin Laden. Durante su estancia en la embajada norteamericana de Pakistán, Maya y su compañero Dan (Clarke) obtienen información de un prisionero a través de distintos métodos de tortura, y esto los lleva a buscar a Abu Ahmed, el supuesto mensajero de Bin Laden.

ESR (@RikyTravolta)

 

Isabel Stevens (Editora de producción)

Leviathan de Lucien Castaing-Taylor y Véréna Paravel

Los antropólogos y documentalistas Vérena Paravel y Lucien Castain-Taylor se adentran a las profundidades del mar a bordo de un enorme barco pesquero para realizar un interesante experimento a partir de pequeñas cámaras digitales que captan desde todos los ángulos posibles la labor de los hombres que habitan en el enorme navío. Lo convierten en un leviatán o monstruo de metal que devora a todos los seres vivos a su paso, mientras surca el oscuro mar. Sujetas a los trajes de los pescadores y a otros puntos del barco, las cámaras digitales se sumergen entre los restos de los animales muertos o a punto de morir, a las redes, a los contenedores o a las orillas del navío para ofrecer una mirada subjetiva que se deja llevar por el vaivén del mar. Por momentos el espectador parece adoptar el punto de vista de los hombres que trabajan de una forma rutinaria pero con gran fuerza y habilidad para trasladar los animales capturados de las redes a las cestas y de ahí a las bodegas del barco. Pero estas cámaras ofrecen sobre todo una mirada del barco mismo hacia los hombres y los miles de animales pescados diariamente, éstos últimos como si fueran víctimas indefensas. Las redes son descargadas y comienza la labor de descuartizar a los pescados, mantarrayas y ostiones, la cubierta del barco se llena de sangre y desperdicios de los animales, y todo aquello es lanzado de nuevo al mar como festín para la parvada de gaviotas que acompaña en un vuelo incesante a este barco. El sonido ambiente complementa la experiencia, escuchamos el mar, el viento, las cadenas del barco y a los hombres cortando a los animales.

BLG (@LadronadGuevara)

 

Museum Hours de Jem Cohen

Así como la singular forma de turismo cultural de Godard se volvió una influencia dominante en los festivales cinematográficos de hace medio siglo, el turismo literal del difunto Chris Marker fue un punto de referencia significativo para muchas de las películas más arriesgadas de la última Viennale. Lo mejor de esa influencia pudo verse en la magistral Museum Hours, cruza luminosa de ficción y ensayo ambientada en la misma Viena, donde toma la forma de la amistad casual entre un guardia del Museo de Arte Kunsthistorisches y una turista canadiense que llega a la ciudad para visitar a un primo moribundo. Explorando con delicadeza las múltiples relaciones entre el arte y la vida cotidiana –esas que un profesor de visita en la Sala Bruegel del museo llama con justeza “alucinaciones de lo real”–, Cohen incluso agradece a Marker en los créditos a través de su seudónimo “Krasna Sandor”. El director ha descrito a Museum Hours (y al cine en general) como “una conversación con el mundo” en la que todo importa: “no hay primer plano ni fondo, y si los hubiese, podrían cambiar de lugar en cualquier momento”.

Jonathan Rosenbaum (BAFICI)

 

The Act of Killing de Joshua Oppenheimer

Para cualquiera que no haya asesinado (que somos la mayoría de los seres humanos), el acto de matar permanece como un misterio. ¿Qué mecanismos hay detrás de la mente de alguien que es capaz de accionarse a sí mismo en contra de la vida de alguien más? Joshua Oppenheimer desentraña este enigma en un contexto muy particular y con un experimento puramente cinematográfico. El resultado es estremecedor. “Horroso y surreal” dijo Herzog al verla. En 1960, en épocas de la Guerra Fría, en Indonesia, Pancasila Youth, un grupo paramilitar, se dedicó a matar comunistas. Asesinaron a más de un millón de personas a sangre fría; fue un genocidio de uno a uno (no como los campos de concentración). En la Indonesia actual, Oppenheimer reúne a un grupo de estos asesinos y les pide que recreen los homicidios como deseen hacerlo. El resultado es variado: va desde anécdotas relatadas, descripciones de métodos infalibles, precarias puestas en escena, elaboradas puestas en escena (algunas inspiradas por películas de Hollywood, al igual que muchos crímenes), y escenarios imaginarios en los que los homicidas se reúnen con sus víctimas. La jactancia atroz y escalofriante de los culpables –que se asumen pequeños héroes– respaldada por la postura actual gubernamental y de los medios es indignante y perturbadora. Todo el documental es un despliegue hipnótico y avasallador del poder del cine –en su mejor y su peor sentido. Especialmente hacia el final, cuando uno de los asesinos, el más articulado, en una imitación de una película de gangsters, interpreta el papel de víctima.

SOR (@SofOchoa)

 

Frances Ha de Noah Baumbach

Frances vive en Nueva York, pero en realidad no tienen un apartamento. Frances es un aprendiz de una compañía de danza, pero no es realmente una bailarina. Frances tiene un mejor amigo que se llama Sophie, pero no son realmente hablar más. Frances se lanza de cabeza en sus sueños, así como sus posibles disminuye realidad. Frances quiere mucho más de lo que tiene, pero vive su vida con alegría inexplicable y ligereza.

(Seriesly)

 

Babeldom de Paul Bush

Babeldom es una ciudad tan grande, y está creciendo a una velocidad tal que pronto la luz en sí no escapará a su atracción gravitacional. ¿Cómo se pueden comunicar dos amantes entre sí, uno desde el interior de la ciudad y otro fuera? En su debut, el premiado animador experimental británico y director de cine Paul Bush presenta una elegía a la vida urbana. Filmada en las ciudades modernas de todo el mundo (entre ellas Londres, Dubai, Shanghai, Osaka) el filme ofrece una reciente investigación sobre la ciencia, la tecnología y la arquitectura. Se trata de un tratado poético sobre la idea de la ciudad a través del tiempo.

(Glasgow Film)

 

Kieron Corless (Editor adjunto)

Sweet Exorcist de Pedro Costa

La ciudad portuguesa de Guimarães fue Capital Cultural Europea durante el año 2012. Para celebrarlo, se propuso a cuatro maestros del cine que realizaran una película colectiva sobre ‘las historias que encierra la ciudad’. Los directores aportan visiones variadas e idiosincráticas —por temática, estilo y tono— de esta ciudad del norte de Portugal. El primer episodio corre a cargo de Aki Kaurismäki y se titula ‘El tabernero’: una comedia agridulce y sin diálogos sobre un hombre solitario que ve muchas cosas sin experimentar nada realmente. En ‘Dulce exorcismo’, Pedro Costa se sumerge en el pasado colonial sirviéndose de un viaje en ascensor que comparten un emigrante de Cabo Verde y un soldado portugués. En el único segmento documental de la película, ‘Cristales rotos’, Víctor Erice homenajea a la industria textil de Guimarães, que a pesar de sus 150 años de historia se encuentra ahora prácticamente deslocalizada a Asia. La última palabra corre a cargo del cineasta en activo más veterano del mundo, Manoel de Oliveira, quien en el episodio ‘El conquistador conquistado’ traza una sátira mordaz de los turistas que fotografían de forma frenética el casco histórico de Guimarães.

(Seminci)

 

Norte, the End of History de Lav Diaz

Un hombre es injustamente encarcelado por asesinato mientras el verdadero asesino sigue en libertad. El asesino es un intelectual frustrado por el ciclo sin fin de traiciones y apatía de su país. El prisionero es un hombre simple que encuentra la vida más soportable en prisión cuando le ocurre algo extraño y misterioso.

(Festival de Cannes)

 

Stranger by the Lake de Alain Guiraudie

El verano. Un lugar para ligar para los hombres, oculto a orillas de un lago. Franck se enamora de Michel. Un hombre hermoso, fuerte y mortalmente peligroso. Franck lo sabe, pero desea vivir esta pasión.

(Festival de Cannes)

 

Silence de Pat Collins

En este elogiada filme realizado por el documentalista irlandés Pat Collins, una mezcla incómoda de realidad y ficción, Eoghan Mac Giolla Bhríde, uno de los guionistas, interpreta a un grabador de sonido que hace un recorrido a través de Irlanda para regresar a su tierra natal en la remota isla de Tory tras una ausencia de varios años. En el camino, solemnemente graba el sonido de la naturaleza, tiene conversaciones con todo tipo de gente que se encuentra en el camino.

Phillip French (The Guardian)

 

Nick Bradshaw (Editor web)

The Act of Killing de Joshua Oppenheimer

Para cualquiera que no haya asesinado (que somos la mayoría de los seres humanos), el acto de matar permanece como un misterio. ¿Qué mecanismos hay detrás de la mente de alguien que es capaz de accionarse a sí mismo en contra de la vida de alguien más? Joshua Oppenheimer desentraña este enigma en un contexto muy particular y con un experimento puramente cinematográfico. El resultado es estremecedor. “Horroso y surreal” dijo Herzog al verla. En 1960, en épocas de la Guerra Fría, en Indonesia, Pancasila Youth, un grupo paramilitar, se dedicó a matar comunistas. Asesinaron a más de un millón de personas a sangre fría; fue un genocidio de uno a uno (no como los campos de concentración). En la Indonesia actual, Oppenheimer reúne a un grupo de estos asesinos y les pide que recreen los homicidios como deseen hacerlo. El resultado es variado: va desde anécdotas relatadas, descripciones de métodos infalibles, precarias puestas en escena, elaboradas puestas en escena (algunas inspiradas por películas de Hollywood, al igual que muchos crímenes), y escenarios imaginarios en los que los homicidas se reúnen con sus víctimas. La jactancia atroz y escalofriante de los culpables –que se asumen pequeños héroes– respaldada por la postura actual gubernamental y de los medios es indignante y perturbadora. Todo el documental es un despliegue hipnótico y avasallador del poder del cine –en su mejor y su peor sentido. Especialmente hacia el final, cuando uno de los asesinos, el más articulado, en una imitación de una película de gangsters, interpreta el papel de víctima.

SOR (@SofOchoa)

 

The Missing Picture de Rithy Panh

Hay tantas imágenes en el mundo, que uno cree que ha visto todo. Que ha pensado todo. Desde hace años, busco una imagen que falta. Una fotografía tomada entre 1975 y 1979 por los Jemeres Rojos, cuando dirigían Camboya. Una sola imagen no constituye una prueba del crimen de masa, pero da qué pensar, invita a la reflexión, permite construir la historia. La he buscado en vano en los archivos, en los papeles, en los campos de mi país. Ahora sé, esta imagen debe faltar, en realidad no la estaba buscando - ¿acaso no sería obscena y sin significado? Entonces la creo. Lo que le doy hoy no es una imagen, o la búsqueda de una sola imagen, sino más bien la imagen de una búsqueda: la búsqueda que permite el cine. Ciertas imágenes deben seguir faltando por siempre, y deben ser reemplazadas por otras: en este movimiento esta la vida, el combate, la pena y la belleza, la tristeza y los rostros perdidos, la comprensión de lo que fue, a veces la nobleza e incluso la valentía, pero nunca el olvido.

(Festival de Cannes)

 

Stories We Tell de Sarah Polley

En esta película Sarah Polley descubre que la verdad depende de quien la cuente. La directora funge como cineasta y como detective al investigar los secretos guardados por su familia: entrevista e interroga de manera muy lúdica a una serie de personajes de confiabilidad dudosa, obteniendo respuestas cándidas y novedosas –aunque la mayoría contradictorias– a las mismas preguntas. Conforme cada personaje relata su versión de la mitología familiar, los recuerdos del presente se convierten en nostálgicas visiones de la madre, quien partió demasiado pronto, dejando una estela de preguntas sin contestar. El documental explora la naturaleza elusiva de la verdad y la memoria, pero en el fondo es una película muy personal sobre cómo nuestras narrativas nos conforman y nos definen como individuos y familias.

(Festival de Lima)

 

It’s Such a Beautiful Day de Don Hertzfeldt

El animador de culto y nominado al Oscar, Don Hertzfeldt, ha combinado a la perfección sus tres cortometrajes sobre un hombre atormentado llamado Bill: Everything will be OK (2006), I Am So Proud of You (2008), y finalmente It’s Such a Beautiful Day (2011), en un hermoso nuevo largometraje. Oscuramente cómico y capturado en su totalidad por una antigua cámara de 35 mm, construida en la década de 1940, es una de las últimas supervivientes de este tipo que aún operan en América, y fue indispensable en la creación de los efectos visuales en la película. El filme se convierte en una asombrosa epopeya de la experiencia humana sobre la mortalidad y la fragilidad del hombre.

Scott Renshaw (SLC Weekly)

 

‘Til Madness Do Us Part de Wang Bing

Cincuenta hombres viven en un aislado asilo durante todo un año. Pasan sus días encerrados en un solo piso. Los hombres tienen poco contacto con el mundo exterior, incluso con el equipo médico. Cada uno de ellos ha sido recluido por diferentes razones: han amenazado a funcionarios locales, tienen problemas mentales, o han matado a alguien. Una vez dentro, comparten la misma vida cotidiana vacía. Caminan a lo largo del corredor cercado por una valla de alambre y tratan de buscar el calor humano entre sus desconsolados y fatigados compañeros.

(La Biennale di Venezia)

 

James Bell (Jefe de redacción)

A Touch of Sin de Jia Zhang-ke

Dahai, minero exasperado por la corrupción de los dirigentes de su pueblo, decide pasar a la acción. San'er, un trabajador emigrante, descubre las infinitas posibilidades que le ofrece su arma. Xiaoyu, recepcionista en una sauna, no soporta más el acoso de un cliente rico. Xiaohui pasa de un trabajo a otro en condiciones cada vez más degradantes. Cuatro personajes, cuatro provincias, una reflexión sobre China contemporánea: una sociedad con un desarrollo económico colosal poco a poco erosionado por la violencia.

(Festival de Cannes)

 

Django Unchained de Quentin Tarantino

Django (Foxx) es un esclavo liberado por un dentista alemán llamado King Schultz (Waltz), que se ha convertido en cazarrecompensas. Juntos tratarán de rescatar a la esposa de Django, quien se encuentra cautiva en la plantación de un carismático pero sádico hombre llamado Calvin J. Candie (DiCaprio). El título de la película es un homenaje al spaguetti western de Sergio Corbucci, Django (1966), protagonizado por Franco Nero, que en Django Unchained aparece en un breve papel. Jamie Foxx llevó a su caballo, de nombre Cheetah, para que participara en la película.

ESR (@RikyTravolta)

 

The Last of the Unjust de Claude Lanzmann

1975. En Roma, Claude Lanzmann filma a Benjamin Murmelstein, el último Presidente del Consejo Judío del gueto de Theresienstadt, el único "anciano de los Judíos" (según la terminología nazi) que no fue asesinado durante la guerra. Rabino en Viena, Murmelstein, después de la anexión de Austria a Alemania en 1938, lucha paulatinamente con Eichmann, semana tras semana, durante siete años, logrando hacer emigrar a 121.000 judíos y evitando la supresión del gueto. 2012. Claude Lanzmann tiene 87 años, sin ocultar nada del paso del tiempo sobre los hombres, pero mostrando la permanencia increíble de los lugares, exhuma y dirige estas entrevistas de Roma, volviendo a Theresienstadt, la ciudad «que Hitler le dio a los judíos », «gueto modelo », gueto mentira elegido por Adolf Eichmann para engañar al mundo. Descubrimos la personalidad extraordinaria de Benjamin Murmelstein: dotado de una inteligencia fascinante y de una valentía indudable, una memoria sin igual, formidable narrador irónico, sardónico y verdadero. A través de estas tres épocas, de Nisko a Theresienstadt y de Viena a Roma, la película ilustra como nunca antes la génesis de la solución final, desenmascara el verdadero rostro de Eichmann y desvela sin encubrir las contradicciones salvajes de los Consejos Judíos.

(Cineuropa)

 

It’s Such a Beautiful Day de Don Hertzfeldt

El animador de culto y nominado al Oscar, Don Hertzfeldt, ha combinado a la perfección sus tres cortometrajes sobre un hombre atormentado llamado Bill: Everything will be OK (2006), I Am So Proud of You (2008), y finalmente It’s Such a Beautiful Day (2011), en un hermoso nuevo largometraje. Oscuramente cómico y capturado en su totalidad por una antigua cámara de 35 mm, construida en la década de 1940, es una de las últimas supervivientes de este tipo que aún operan en América, y fue indispensable en la creación de los efectos visuales en la película. El filme se convierte en una asombrosa epopeya de la experiencia humana sobre la mortalidad y la fragilidad del hombre.

Scott Renshaw (SLC Weekly)

 

Only Lovers Left Alive de Jim Jarmusch

En primera instancia parecería que este filme de vampiros ha sido un mero divertimento para Jim Jarmusch, quien se ha solazado en la confección de un juego estilístico elegante y muy atractivo. Podría perdonarse a quienes se quedaran, de forma voluntaria o forzosa, en la epidermis del filme. Pero Only Lovers… invita a clavarle los colmillos y extraerle toda la savia que, eh, con sabiduría, ha esparcido este gran director norteamericano a lo largo y ancho de él. Adam (Tom Hiddleston) y Eve (Tilda Swinton) –sus nombres apenas el primer gag de una serie continua y gozosa de referencias históricas, musicales, fílmicas y culturales cargadas de fermentado y seco humor- forman una pareja de centenarios vampiros que buscan reunirse tras un tiempo de separación. Él es famoso músico que vive como ermitaño en Detroit, Estados Unidos, ayudado por un fanático que promete no decirle a nadie de su paradero y que le consigue cuanta excentricidad se le ocurre a Adam (por ejemplo, una bala con cabeza de madera). Ella vive en Tánger, Marruecos, pero viajará a Detroit para reunirse con Adam. Apenas empiezan a disfrutar el reencuentro cuando les cae el chahuiztle, en forma de la hermana de Eve, Ava (Mia Wasikowska), quien pervierte de tal forma el misterio de sus vidas y la tersa adecuación a los nuevos ritos vampíricos, que se ven obligados a modificar intempestivamente los planes con que inicialmente pensaban llevar a cabo este nuevo capítulo de sus vidas como amantes. Tom y Tilda hacen una pareja formidable (pese a lo que uno podría imaginar al pensarlos juntos), la música elegida por Jarmusch es suntuosa, la fotografía refinada, los encuadres inventivos y, por encima de todo, el recubrimiento existencial al momento de tratar el tema de la inmortalidad es profundo (constantemente salpicado de críticas a lo erróneo que suele ser el comportamiento humano) y al mismo tiempo divertidísimo. Una delicia de evento fílmico de Jim Jarmusch que, además, fue coronado con una sensacional fiesta en la que la sensual Yasmine Hamdan (que en la película tiene un momento almodovariano en el que Adam y Eve disfrutan su hipnótico canto en un bar de esquina en Tánger), presentada por Tom Hiddleston, nos deleitó interpretando con su banda seis encantadoras canciones. Después, Nick James, editor del Sight & Sound, nos presentó a Tom Hiddleston, quien pese a que en los últimos años (tras ser descubierto por Joanna Hogg, a quien días más tarde entrevistamos en Fitzrovia) se ha convertido en uno de los actores más codiciados del planeta, es un tipo afable y de gran trato. Tom, entre otras cosas, nos platicó que, pese a esa imagen de niño posh que lo dio a conocer (y que se desprende de su propia vida), no sólo interpreta a este vampiro sino que está por filmar con Guillermo del Toro personificando a otro ser con características góticas. La fiesta, en sábado por la noche, se prolongó por un buen rato, pero por fortuna para la ocasión, no hasta que la salida del sol arruinara vocación alguna.

AFD (@SirPon)

Fuente: British Film Institute

 
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