Steve McQueen: 6 consejos para hacer cine - ENFILME.COM
if ($skins_show == "0") {?>
 
Steve McQueen: 6 consejos para hacer cine
Publicado el 02 - Dic - 2013
 
 
El enfoque de McQueen no requiere métodos tradicionales de identificación con el personaje, simplemente utiliza la realidad de la carne y la sangre compartida para conectar al espectador con los acontecimientos representados en pantalla.& - ENFILME.COM
 
 
 

Revisa aquí más consejos y reglas de directores de cine

Spike Lee: 6 consejos para cineastas y espectadores

En otras ocasiones hemos compartido con ustedes consejos de grandes directores para la realización cinematográfica. En esta ocasión toca el turno al realizador británico Steve McQueen.

Guillermo del Toro: 5 consejos para hacer cine

El enfoque de McQueen no requiere métodos tradicionales de identificación con el personaje, simplemente utiliza la realidad de la carne y la sangre compartida para conectar al espectador con los acontecimientos representados en pantalla. McQueen tiene una visión profundamente inquietante, perturbadora, y en última instancia, revela las políticas del cuerpo a través de una sinfonía de sangre, mierda y orina.

Danny Boyle y sus 15 reglas de oro para hacer cine

1. Introduce a tu audiencia en una experiencia

Realmente deseaba que la audiencia participara en esta huelga de hambre – introducirse en ella de manera voluntaria o no, a través de esta película, donde quizá al principio hay una especie de inquietud, seguida por un descanso. Pero esperemos que por el final hayan logrado llegar a algún lugar, de cualquier forma, después de que han sido arrastrados a través de este proceso de alguien que los hace morirse de hambre y así...

¿Cómo puedes hacer que la película huela a mierda? ¿Cómo puedes hacer que la gente sienta frío? Esos son los elementos centrales que tienes que hacer pasar a través de este filme.

En 2009, en la entrevista de Criterion hecha al director por Hunger, McQueen explicó con lujo de detalle su deseo y los métodos que utilizó para crear una experiencia inmediata en la audiencia, donde los espectadores obtuvieron ciertos detalles sensoriales del mundo representado en el filme que usualmente no estarían disponibles para un medio audiovisual.

¿Cómo puedes nos sólo representar un evento, sino hacerlo táctil y desgarrador? McQueen logra esto con un enfoque implacable, a través de una confrontación sincera con el tema, y por la realización de una aproximación objetiva con éste. Un aspecto que es sorprendente acerca de Hunger es cómo evita radicalmente las trampas de la cinta biográfica o de la “verdadera historia” política. Casi sin un contexto más amplio, el filme de McQueen se centra en la experiencia subjetiva, y ancla a la audiencia en esta experiencia. De esta manera, “la historia” apenas y se siente lejana.

 

2. Manténganse curiosos, manipulen y confíen unos en los otros


El trabajo de Steve McQueen con Michael Fassbender ha demostrado ser una de las colaboraciones, director-actor, más provechosas en la cinematografía actual. Y Fassbender ha cambiado excesivamente para cubrir los extremos requerimientos que exige el trabajo de McQueen, perdió una increíble cantidad de peso para Hunger  y encarnó a un violento entrenador de esclavos para el film más reciente de McQueen.  Según se informa, Fassbender se desmayó como resultado de profundizar en una de las escenas más horríficas de Twelve Years a Slave.

En 2011 en una entrevista promocional para Shame, el actor analizó las características que él veía en un gran director, empezando con la curiosidad acerca de la manera en que la gente vive e interactúa, continuando con la manipulación (aunque Fassbender no se detuvo mucho en este punto, ¿Qué es un fuerte control de dirección, sino la manipulación de la audiencia para situarla en concordancia con las cosas que el director quiere lograr?) y finalmente le toco el lugar a la visión de McQueen del set como una comunidad cinematográfica mutuamente solidaria, un aspecto de la práctica de McQueen que otros actores han atestiguado.

Y ahí reside el secreto obvio de fuerte colaboraciones entre artistas adeptos y pagados: el simple deseo de combinar en confianza sus esfuerzos.  

 

3. Crea un ambiente de confianza con tus actores

Tienes que crear un ambiente donde ellos puedan sentirse seguros y entonces convertirlos en esferas, así aunque rueden, cualquier dirección en que lo hagan, estará bien. Ellos son bailarines –cada parte de su cuerpo debe ser usada. No hay restricciones, no hay censura. Si creas este ambiente, sucederán cosas fuera de lo común, que, cuando tengas una cámara rodando, quedarán capturadas.

McQueen ha indagado respecto a  la atmosfera abierta y llamativa que crea en el set – la calidez necesaria  y el consuelo físico si se necesita (después de todo, se trata de trabajo físico). Quizá, el ambiente detrás de cámaras necesita ser completamente opuesto del contenido mostrado frente a la cámara, directamente proporcional a lo desgarrador del material.

4. Construye un mundo fuera del marco

Antes yo era pintor, y siempre se trató del marco, por supuesto. Pero dentro de este marco, de alguna manera, por el movimiento, por las cosas que pasaban a través del marco, parecía como si tuviera una vida mayor a la delimitada por el marco. Esto fue lo que me dio la pasión para obligarme o para desear hacer películas.  Siempre existe la posibilidad de que algo pase dentro de ese periodo de tiempo en el que te estás enfocando, o en ese objeto, o en esa persona.

McQueen ha dicho que él nunca ha estado en otro set de filmación que no sea el suyo. Esperemos que nunca lo haga, parece que su vida en el mundo del arte fue tan profunda que delata su forma única para  aproximarse a la realización cinematográfica.

Su declaración (de la misma entrevista para Criterion) es reveladora. El trabajo del director siempre conlleva un sentido de posibilidad, tanto bueno (muy poco probable) como malo (más probable). La ambigüedad potencial entre la liberación y el presentimiento de que las vidas de los personajes se pondrán peor, está siempre presente fuera del marco y dentro del mundo completo que muestra McQueen. El mundo que construye McQueen fuera del marco siempre mantiene la sensación de que cualquier cosa puede suceder. Esta no es una forma de hacer cine en la cual se sienta seguro el espectador.   

McQueen explica un poco más su aproximación con el marco, los límites, durante esta sesión de preguntas y respuestas después de la proyección de Hunger  en el Festival de Cine de Nueva York:

 

5. Acércate a las verdades difíciles con amor

McQueen: Lo que más me motivó que cualquier otra cosa fue un sentimiento de amor, por extraño que suene. Esta palabra no suele ser usada en este contexto. Fue una sensación de que querer ceñirme al pecado de la esclavitud y hacerme sentir cómodo con él –y no sólo a mí, por supuesto. Es como el fuego. Es peligroso, pero tú quieres abrazarlo.  

Graham Fuller: ¿Por qué amor y no rabia?

McQueen: Para domarlo, para dominarlo. Suena extraño, pero es la verdad.

La declaración de McQueen sobre la realización de Twelve Years a Slave con un sentimiento de amor, puede ser tomada de varias formas. En principio, él recrea un periodo de tiempo en el cual una nación estaba profundamente cómoda con, y por consiguiente dentro de, la institución de la esclavitud. Con el fin de representar de la forma más honesta posible los horrores de esta institución, la perspectiva desde la silla del director debe ver la esclavitud tal como existía en este periodo de tiempo –como algo que era normal y parte de la vida cotidiana. La banalidad de la esclavitud entonces se vuelve aún más perturbadora.

Por otra parte, en este momento McQueen señala que no hay bastantes descripciones honestas sobre la esclavitud en el cine. Menciona Amistad de Spielberg, en una reciente entrevista para Film Comment, la cual, a pesar de que trata sobre una rebelión de esclavos, da fe de que mucho del cine norteamericano  evita tratar la realidad de la esclavitud tal como existía. “Amar” el tema, en la forma en McQueen utiliza el término, significa sentirse lo suficientemente “cómodo” con la realidad histórica de esta existencia y  las profundas facultades en que este pecado forma parte de la historia de la nación, de tal forma que aún continua resonando hasta el día de hoy –todo esto para finalmente hacer una cinta que sea realmente “sobre la esclavitud”.

 

6. Muestra lo que la gente hace


Me gusta la cara que hace McQueen cuando el entrevistador menciona el cuerpo desnudo de Fassbender en la escena de apertura de Shame, como si la toma fuera una declaración como director decididamente escandalosa.  McQueen hace mención al hecho de que él intentó mantenerse honesto con respecto a lo que la gente hace, lo que sería la vida cotidiana de un hombre como Brandon, o como podrías hacernos una idea de. Sin embargo, McQueen reconoce por qué el entrevistador encuentra inusual el shot y aparentemente radical: porque el cine narrativo raramente representa “lo que hace la gente”, especialmente en cuanto a cuerpos desnudos en pantalla.   Los hechos banales puestos en pantalla se convierten en algo más, y esto puede ser una poderosa herramienta, permitiendo al cineasta y a su audiencia para reflexionar respecto a los temas de la vida cotidiana que rara vez son objeto de escrutinio.  

Así, mientras McQueen está interesado en actos excesivos para dicsciplinar el cuerpo humano a través de varias formas en Hunger, Shame y Twelve Years a Slave, también permite que la normalidad se filtre. Cuando muestra las actividades de un violento guardia en la prisión Maze o  abusivos esclavistas en Sudamérica, no es que esté mostrando únicamente a estos personajes como perpetradores de una ideología destructiva, para que sirvan como una herramienta necesaria en la narración sobre la subyugación –este es trabajo diario de estas personas. Las películas de McQueen usan al cine para explorar la difusa frontera entre las actitudes ordinarias y lo extraordinarias, actividades, instituciones y comportamientos.

 

Lo que hemos aprendido

Una crítica muy repetida sobre el trabajo de McQueen es que éste resulta demasiado frío y calculador, demasiado metódico en su descripción casi clínica o antropológica de la interacción humana. Sin duda, un espectador puede desconectarse de Shame como puede estar inmerso en el microcosmos que afecta a Hunger. Pero probablemente no debemos de ver la frialdad o la empatía como dos polos opuestos en la experiencia cinematográfica. Más bien, la distancia y las herramientas sociales que hacen posible esa distancia, son una parte rutinaria de nuestros días, un modo de supervivencia que nos permiten sobrellevar las injusticias de las que está hecha la cotidianeidad o abrumarnos por nuestros propios deseos. El cine de McQueen es tanto id como superego, y es capaz de jalar, empujar y a veces alienar al espectador.

Pero en el corazón de este método hay una verdadera empatía, que es evidente en la forma mediante la que McQueen se aproxima tanto a su tema elegido como al medio de su set de filmación. Vale la pena revisar el  trabajo de McQueen no sólo por su inflexible representación de las personas que se convierten en sujetos de poder mediante actos de violencia ejercidos sobre el cuerpo humano, sino por el verdadero deseo del director por entender, incluso el amor, de la persona al otro lado del acto.

AS (@albertosandel)

Ver Reseña de Hunger

Ver Reseña de  Shame

Fuente: Film School Rejects

 
COMPARTE:
 
ANTERIOR
NOTAS
Martin Scorsese pidió personalmente a Amat...
SIGUIENTE
NOTAS
Estrenarán Hours, última cinta protagonizada por...
 
 
 
 
 
 
 
 
 
POST RELACIONADOS
 


NOTAS
Simon Kinberg y Neill Blomkamp...


NOTAS
Video. El estilo cinematográfico de...


PELICOMICS
Pelicómics 98
 
 
 
COMENTARIOS
 
RECOMENDAMOS
 
 
enfilme © 2020 todos los derechos reservados | Aviso de privacidad