Video. La inmersión narrativa de los planos secuencia - ENFILME.COM
if ($skins_show == "0") {?>
 
Video. La inmersión narrativa de los planos secuencia
Publicado el 08 - Nov - 2018
 
 
Cuando se hace bien, los planos secuencia deben ser vigorizantes, llevando al público por los mismos caminos que siguen los personajes. - ENFILME.COM
 
 
 

Los planos secuencia son similares a las tomas largas porque ambas mantienen al público involucrado con las acciones que se producen en la pantalla. Sin embargo, en lugar de limitarse a mantener una escena determinada en el encuadre, los planos secuencia están destinados específicamente a seguir a alguien o algo a lo largo de la escena. Cuando se hace bien, los planos secuencia deben ser vigorizantes, llevando al público por los mismos caminos que siguen nuestros personajes.

El más reciente ensayo en video de StudioBinder nos enseña cómo entender mejor los diferentes elementos de los planos secuencia. Explica cómo hay que tener en cuenta tres aspectos del plano secuencia: ubicación, diseño de producción y bloqueo, junto con tres componentes de movimiento de la cámara: velocidad, estabilidad y duración. Al utilizar estos elementos de seguimiento, los realizadores pueden atraer al público a las historias de sus personajes, permitiéndonos caminar con ellos y experimentar sus vidas.

 

Comprender su ubicación es importante para establecer un plano secuencia. ¿A dónde llevará la toma al espectador? Diferentes lugares significan cosas diferentes para nuestros personajes, por lo que caminar con ellos en lugares nuevos, nostálgicos o emocionalmente profundos puede enseñar mucho al público sobre ellos. El video explica que los mejores planos secuencia "tiene una relación simbiótica con la ubicación" y utiliza como ejemplo a The Wrestler de 2008. En esta película, hay una imagen que rastrea al personaje de Mickey Rourke a través de la estrecha pasarela de la cocina, que se asemeja a la pasarela de una arena. Este plano secuencia complementa perfectamente la película, enseñando a la audiencia más sobre los verdaderos deseos de nuestro personaje principal.

La escena de apertura de Baby Driver sigue a Baby (Ansel Elgort) por el centro de Atlanta mientras se dirige a comprar un café por la mañana. Esta ubicación nos enseña mucho sobre Baby, moviéndose con él, reflejando su personalidad y carácter. Mientras escucha música, finge tocar la trompeta en una vitrina, baila imitando las paredes pintadas de graffiti y sincroniza las palabras escritas en los árboles circundantes. Solo en la escena inicial, nos movemos a través de Atlanta con Baby, experimentando la ciudad y aprendiendo cuán enérgico, alegre e imaginativo es.

El uso del diseño de producción a su favor permite que el proceso de filmación transcurra sin problemas. El ensayo en video de StudioBinder muestra una escena en Pulp Fiction de 1994, donde la cámara sigue a Butch (Bruce Willis) a través de una cerca. El video describe cómo esto no sería posible sin colocar un agujero estratégico en la cerca, ya que el camarógrafo no podría seguir a Butch a través de él sin él. Esta es una de las pequeñas cosas que hacen los cineastas para mejorar su narrativa a través de los planos secuencia.

El bloqueo también es un elemento importante que se debe entender al rastrear a un personaje. El bloqueo es simplemente la puesta en escena de los actores en una escena, y mediante el bloqueo creativo, podemos seguir a nuestro personaje principal cuando interactúan con los otros personajes que los rodean. StudioBinder muestra Atonement de 2007, en la que el director Joe Wright usa el "movimiento de actores para motivar el movimiento de los personajes", lo que le permite al espectador participar con información más importante de la escena.

Otro gran ejemplo de bloqueo en los planos secuencia proviene de Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance). En particular, hay un momento en el que Riggan Thomson (Michael Keaton), se ve obligado a caminar a través de Times Square en ropa interior. En la película, Keaton interpreta a un actor caótico conocido principalmente por sus primeros trabajos en películas de superhéroes. Mientras camina medio desnudo, la cámara lo rastrea cuando los fanáticos y los que lo interrumpen lo reconocen, lo siguen exuberantemente y le piden su autógrafo. Con este plano secuencia, caminamos con Riggan a través de su vergüenza, experimentando la misma vergüenza y problemas que enfrenta antes de la gran vista previa de su obra teatral.

El videoensayo también explica lo importante que es el movimiento de la cámara para los planos secuencia. La velocidad, en particular, puede agregar cierta emoción o profundidad a una escena. Seguir a alguien rápidamente puede traer más energía a la escena, mientras que seguir a alguien lentamente puede mostrar la gravedad de la situación. Moverse rápidamente funciona bien con la acción porque podemos comprender a que se debe el movimiento acelerado en la pantalla y moverse lentamente funciona bien con el drama o el horror porque los movimientos lentos pueden envolver a la audiencia en anticipación o ansiedad.

Esta escena del episodio de Who Goes There de la primera temporada de True Detective usa planos secuencia tanto rápidos como lentos. Cuando Rust, (Matthew McConaughey), despeja las diferentes habitaciones de la casa que está saqueando, la cámara gira rápidamente mientras gira su cabeza, lo que permite al público despejar las habitaciones con él. Luego, el seguimiento se ralentiza para que podamos entender todo lo que sucede en la escena. Es una escena larga y fantástica que permite la participación del público de diferentes maneras a medida que experimentamos todo lo que Rust hace.

Del mismo modo, la estabilidad es otro elemento importante del movimiento a considerar. Si nuestra cámara rastrea a un personaje de forma inestable, puede presentar una sensación de inquietud o excitación, pero si rastrea un personaje de manera constante, puede presentar un momento sorprendente y dramático.

En la película de acción de David Leitch, Atomic Blonde, hay una increíble escena de lucha en la que Lorraine (Charlize Theron) pelea con dos hombres en un pasillo. Esta escena la sigue, presentando un buen balance entre lo tembloroso y lo constante. La toma no es demasiado inestable hasta el punto en que no se puede ver la acción en la pantalla, sino que se balancea y se mueve con la acción, permitiendo al espectador sentir el peso y el dolor de la pelea. Es una escena fantástica que utiliza el movimiento de seguimiento para transmitir sentimientos físicos a la audiencia.

El último elemento de movimiento es la duración. La duración de un plano secuencia depende totalmente de la situación. El público nunca quiere sentirse abrumado por los planos secuencia que son demasiado largos, por lo que es importante que los planos secuencia sean intencionales para servir a la narrativa de la historia.

Toma el clásico thriller de Stanley Kubrick, The Shining, por ejemplo. El icónico plano secuencia en el que Jack Torrance (Jack Nicholson) sigue a Wendy (Shelley Duvall) por la escalera, demuestra perfectamente cómo la duración puede beneficiar a la narrativa. En esta escena, la película sigue a Jack y Wendy, sumergiendo al público en el miedo angustioso de Wendy y la manía furiosa de Jack simultáneamente. Si esta toma fuese demasiado corta, puede que no contenga todas las emociones presentadas aquí, y si fuese demasiado larga, puede que haya sido demasiado ardua y agotadora. Esta toma posee la longitud perfecta, ya que nos atrae para interactuar con todo en la pantalla, lo que nos permite experimentar las mismas emociones que los personajes.

Comprender cómo funcionan los planos secuencia es importante para entender cómo interactuamos con la película. Aprender cómo los realizadores intencionalmente hacen sus películas o filman sus escenas en última instancia conlleva un mayor aprecio por el medio incansable.

Trad. EnFilme

Fuente:  Film School Rejects

 
COMPARTE:
 
ANTERIOR
NOTAS
6 consejos de cine de Steven Knight
SIGUIENTE
NOTAS
Video. La evolución de Michael Myers
 
 
 
 
 
 
 
 
 
POST RELACIONADOS
 


NOTAS
Video: Zodiaco de David Fincher: el...


EN PANTALLA
Paraíso: Amor
 
 
 
COMENTARIOS
 
RECOMENDAMOS
  • Lila Avilés (La camarista)
    Entrevista: Conversamos con la directora mexicana, Lila Avilés, sobre ‘La Camarista’, filme ganador del FICM.
  • La grande bellezza
    Sorrentino amalgama sueños, recuerdos, fantasía, el presente y, en su caso, disparates simbólicos, haciéndolo de forma...
  • La sal de la Tierra
    Reseña: La sal de la Tierra es en realidad una misma historia narrada a tres voces (la de Wenders, la de Ribeiro, la de Salgado y su...
  • El pasado
    Con Le Passé, Farhadi establece una propuesta que repudia prejuicios, preconcepciones y trivializaciones; las fórmulas precisas para...
  • Party Girl, el alma de la...
    Reseña. Samuel Theis, hijo de la protagonista, y las otras dos directoras hacen de la realidad una ficción en Party Girl.
  • Mediterránea: La odisea de...
    Reseña: Desde un enfoque humanista, Jonas Carpignano explora el dolor, la ansiedad y la decepción que viven los refugiados que desean...
  • Amat Escalante (La región...
    Entrevista: Amat Escalante ganó el premio a Mejor Director en Venecia (2016).
  • KLIP
    La protagonista de Klip convive entre la extrema pobreza que la rodea y el culto a la imagen.
  • Una bella luz interior
    Isabelle es una mujer empoderada, exitosa, bellísima, sofisticada; no son la culpa o el remordimiento las anclas que le evitan encontrar...
  • Leviathan
    Reseña: Leviathan es un filme demoledor. Un contundente ejemplo del poder expresivo del cine en su búsqueda por desentrañar...
 
 
enfilme © 2019 todos los derechos reservados | Aviso de privacidad